国画基础：怎样画竹 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王传贺 著

图书标签:

• 国画
• 竹
• 绘画
• 艺术
• 基础
• 技法
• 教程
• 中国画
• 素描
• 写意

出版社： 中国书店出版社

ISBN：9787514908824

版次：1

商品编码：11464358

包装：平装

丛书名： 国画基础

开本：16开

出版时间：2014-05-01

用纸：铜版纸

内容简介

　　《怎样画竹》作者先介绍了竹子的生态特征及受到历代文人喜爱的原因，接着以口诀形式描述画竹之技法，根心、竹节、竹笋、竹稍无不点到，尤其着意讲述画竹叶与书法的相似点，配合作者对画竹整体布局的构图参考；结合竹子在传统文化中的地位，以及历代名家的画竹作品，适合读者在欣赏中进行学习。

作者简介

王传贺，字熙、子中，斋号海砚堂。生于1938年。画家，书法家，诗人。现为孔子艺术研究院院长、曲阜市美术家协会名誉主席。绘画擅长国画花卉、动物、山水。书法诸体皆善，大草尤具个人风格。出版《海砚堂画语》《海砚堂诗草》《海砚堂随笔》《王传贺国画寓意小品》《阿卫风范》《王传贺逸品花鸟十二屏》《王传贺左笔草书十二屏》等二十余部专著，出版五卷本国画技法书《笔墨丹青1OO诀》(包括《梅兰竹菊》《花卉》《蔬果》《鸟类昆虫》《兽类鳞介》共110种题材的画法歌诀)，影响广泛。

目录

《怎样画竹》无目录

前言/序言

笔墨之间，风骨自现——写意山水，意境初探 本书并非描摹国画技法之细腻，亦非剖析笔墨晕染之精妙，而是旨在引领读者步入中国写意山水画的宏大精神世界，从更深层次理解其“气韵生动”、“以形写神”的艺术追求。我们不将重点置于“怎样画”，而是着力于“为何那样画”的哲学思考与艺术感悟。 一、 写意山水：情寄山河，意融乾坤 中国写意山水画，并非对自然景物的简单复制，而是画家将内心感悟、哲学思考、时代精神融入笔墨，从而在宣纸之上营造出超越时空、意境无穷的山水画卷。它是一种“外师造化，中得心源”的艺术实践，是对天地万物生命力的捕捉，是对自然精神的体悟。 “山水”之名，不尽于山水： 山水二字，承载的远不止巍峨的高山、流淌的溪水。在中国人的哲学观中，山象征着刚健、厚重、恒久；水则代表着柔韧、变通、生命。山水结合，寓意着宇宙万物的生成、发展与平衡。写意山水画，正是将这种宏观的宇宙观、人生观，寄托于山川景物之中。观画者，得以在山水之间，体悟生命的哲理，感受自然的博大。 “写意”之法，形神兼备： “写意”二字，是区别于西方写实绘画的关键。它不拘泥于物象的精确描摹，而是追求神韵的传达，即“以形写神”。画家通过寥寥数笔，即可勾勒出山峦的雄浑、云水的飘逸、树石的姿态。这其中蕴含的，是对物象生命力、精神气质的高度提炼与概括。如古人所言，“夫画，气韵生动是也。”写意山水，正是将“气韵”作为其核心追求，力求通过画面，传递出一种活泼泼的生命力，一种超脱于具体物象的精神内涵。 胸有丘壑，意在笔先： 在动笔之前，画家心中早已“胸有丘壑”，构思万千。写意山水并非随意的涂抹，而是基于对自然深刻的观察与理解，以及对艺术语言的熟稔运用。这种“意”的生成，源于画家长期以来对天地万物的体悟、对人生的感悟，以及对传统笔墨精神的继承。当笔墨落在纸上时，那已是“意”与“形”的完美结合。 二、 意境之美：精神的栖息地，心灵的共鸣点 写意山水画最令人称道的，便是其营造的“意境”。意境，是一种超越视觉的艺术体验，是画面所传达的情感、氛围、哲思的综合体现，它能触动观者的内心深处，引发情感的共鸣，甚至给予精神上的启迪。 “意境”的构成要素： 景与情的交融： 写意山水并非纯粹的客观描绘，而是画家主观情感的投射。山水的雄奇壮丽，可以寄托豪迈的情怀；幽静的溪谷，则可能渲染孤寂或宁静的心境。景是载体，情是灵魂。当观众欣赏画面时，便会在景与情的交融中，感受到画家的喜怒哀乐，体验到一种共通的情感。 虚实相生，留白之妙： 宣纸上的“留白”，在中国画中具有极其重要的意义。它并非“空白”，而是“虚境”。虚境与实境相互映衬，构成了一个更广阔、更深邃的艺术空间。留白之处，蕴含着无限的想象空间，让观者得以在画外“游目骋怀”，自行补充画面未尽之意。这种“言有尽而意无穷”的艺术手法，是意境之美的精髓所在。 笔墨的情感载体： 不同的笔墨，能传达不同的情感。苍劲有力的线条，可以表现山石的坚韧；婉转流畅的墨迹，则能描绘流水的灵动。笔墨的浓淡干湿、虚实枯润，都如同画家的心跳，传递着画家此刻的情绪与感受。观者通过对笔墨的体悟，也能间接感受到画家的情感律动。 诗词的意境延伸： 许多写意山水画作品，常常配有题诗。诗与画相互辉映，诗为画增添了文字的解读，画为诗提供了具象的视觉想象。两者共同营造出一种更加丰富、更加立体的意境，使观者在“诗中有画，画中有诗”的体验中，获得更深刻的艺术享受。 意境的感染力： 好的写意山水画，能让观者仿佛置身画中，感受清风徐来，聆听流水潺潺，甚至闻到泥土的芬芳。这种身临其境的感受，源于意境的强大感染力。它超越了语言的限制，直接作用于观者的心灵，引发共鸣，给予慰藉，或者激发思考。一幅优秀的写意山水画，便是一方精神的栖息地，一处心灵的共鸣点。 三、 笔墨的哲学：东方智慧的视觉呈现 写意山水画的笔墨，不仅仅是绘画的工具，更是承载着东方哲学思想的独特语言。每一笔，每一墨，都蕴含着深刻的智慧与美学观念。 “骨法用笔”与“传移模写”的辩证： “骨法用笔”强调笔墨的筋骨与力量，如同山石的脊梁，赋予画面结构感与生命力。而“传移模写”则注重对自然万象的学习与借鉴，并非机械的模仿，而是经过艺术家的提炼与升华。这两者并非割裂，而是相辅相成，共同构成写意山水画的创作基础。 “气”的流动与“韵”的生成： “气韵生动”是中国画的最高境界。这里的“气”，是指一种生命的活力，一种流动的能量；“韵”则是指一种内在的韵味，一种精神气质。写意山水画正是通过笔墨的巧妙运用，让画面充满“气”的流动感，并通过这种流动，生成内在的“韵”。如云的聚散，水的蜿蜒，都体现了“气”的动态美。 “五色”与“五墨”的智慧： 中国画讲究“以墨为主，以色为辅”，甚至“墨分五彩”。“五墨”，即指墨色的浓淡干湿，通过巧妙的运用，能产生丰富的色彩变化与肌理效果，丝毫不逊于彩画。而色彩的运用，则往往是为了烘托意境，而非主导画面。这种对“墨”的极致运用，体现了东方人对物质与精神关系的深刻理解，以及对“简”中见“繁”的艺术追求。 “虚实”之间的辩证法： 笔墨的运用，无不体现着虚实的辩证。浓墨处是实，淡墨处是虚；有笔处是实，留白处是虚。画家通过对虚实的灵活处理，营造出空间的纵深感与呼吸感。实中有虚，虚中有实，使得画面既有实在的描绘，又不失空灵的意境。这种虚实结合，正是中国哲学中“有”与“无”、“形”与“神”辩证思想的视觉化体现。 四、 观照内心，体悟山水之境 本书希望引导读者，在欣赏写意山水画时，不仅仅停留在“它画了什么”，更能深入思考“它表达了什么”，以及“它如何打动了我”。 从“看山”到“观心”： 传统的山水画，常常是画家“观山”的结果。而对于现代读者来说，欣赏山水画，更是一个“观心”的过程。在欣赏画面之时，不妨静下心来，体会画面所带来的感受，思考自己与这幅画之间的联系。这幅画唤起了你怎样的情感？让你联想到了什么？它是否触动了你内心深处的情绪？ 艺术的想象与创造： 写意山水画的魅力，很大程度上在于它激发了观者的想象力。画面并非完整的故事，而是留下了许多空白，等待观者去填充。每一次的欣赏，都可能因为心境的不同，而获得不同的解读与感受。这种“共创”的艺术体验，是写意山水画的独特价值所在。 回归自然的精神： 在现代社会，人们的生活节奏加快，与自然的联系日益疏远。写意山水画，提供了一个回归自然的窗口。通过欣赏画面，我们可以重拾对自然的热爱，感受自然的宁静与力量，从而获得心灵的慰藉与精神的升华。 本书并非一本技法教程，而是一本关于如何“读懂”写意山水画的入门指南。我们希望通过对意境、笔墨、哲学思想的阐述，帮助读者建立起对中国写意山水画的初步认知，开启一扇通往中国传统艺术智慧的大门。当你下次再看到一幅山水画时，或许你会用一种全新的眼光去审视它，去感受它，去体悟它所蕴含的，那份属于东方独有的，深邃而隽永的美。

评分☆☆☆☆☆

我对国画中“写意”的理解，始终存在着一层模糊感，总觉得这是一种需要悟性的技法。我希望这本书能够提供更清晰的指导，让我理解“写意”到底意味着什么，它与“写实”有何区别，又该如何通过笔墨来“写意”。我期待书中能够有关于如何捕捉事物的神韵，而非仅仅形似的讲解。比如，在画一株竹子时，是应该描绘出每一片叶子的形状，还是应该通过几笔墨迹来表现出竹子的挺拔、潇洒的姿态？在画一朵梅花时，是应该精确地勾勒出花瓣的轮廓，还是应该用寥寥数笔来点染出梅花的傲骨和清香？我也希望书中能有更多关于“以少胜多”、“形神兼备”的技法示范，以及如何通过笔墨的虚实、浓淡来营造出画面的意境和感染力。然而，这本书在这方面的讲解却显得非常浅显，未能提供深入的理论和实用的方法，让我觉得它对于“写意”的阐释，还停留在概念层面，未能真正帮助我跨越到“写意”的境界。

评分☆☆☆☆☆

我一直在寻找一本能够系统性地讲解国画构图原理的书，这本书的内容，虽然提到了“构图”，但其讲解方式过于简单和笼统，未能深入到核心。我理解的构图，不仅仅是简单的元素摆放，而是对画面整体视觉语言的规划，包括如何引导观者的视线，如何运用虚实对比来增强画面的纵深感和节奏感，如何通过S型、Z型等线条的运用创造画面的动势，以及如何平衡画面中的轻重、疏密关系。我期望书中能够详细分析不同类型的构图，比如全景式、近景式、散点透视等等，并结合经典国画作品，剖析其构图的巧妙之处。例如，在山水画中，如何利用高远、深远、平远的手法来表现不同的空间感；在花鸟画中，如何通过枝叶的穿插、花鸟的呼应来营造生机勃勃的画面。遗憾的是，这本书在这方面提供的指导非常有限，更多的是停留在“画面要饱满”或者“不要留白过多”的表面性建议，未能提供可操作的、具有深度的构图技巧。这让我觉得，它距离一本真正意义上的“国画基础”教材，还有相当大的距离。

评分☆☆☆☆☆

这本书在介绍“用笔”这一点上，给我一种“只知其然，不知其所以然”的感觉。我期望这本书能够更深入地讲解“用笔”的内涵，而不仅仅是停留在“起笔、行笔、收笔”这样表面的描述。我希望能够了解到，在国画中，不同的用笔方式会产生什么样的视觉效果？比如，中锋用笔的圆润、坚实；侧锋用笔的苍劲、雄浑；藏锋用笔的含蓄、内敛；露锋用笔的锐利、挺拔。我也期待书中能够有关于如何通过“提按”、“顿挫”、“转折”等用笔的变化，来赋予线条生命力和情感。同时，我希望能看到更多关于如何根据不同的绘画对象，选择合适的用笔方式的讲解。例如，在画竹叶时，应该用怎样的笔触才能表现出其轻盈和飘逸？在画松针时，又该用怎样的笔触才能体现出其坚韧和挺拔？这本书在这方面的讲解，显得过于概念化，未能提供足够具体和可操作的技法指导，让我在“用笔”的理解上，感到仍有许多未解之谜。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容，给我一种“点”到为止的感觉，在很多关键的技法讲解上，都显得有些不够深入和全面。我尤其想了解的是，国画中对于“墨”的运用，是如何做到如此丰富多样的。我听说，国画的墨分五色，我希望这本书能够详细解释这“五色”到底指的是什么，它们是如何通过笔触、水量的控制来实现的？比如，如何通过“焦墨”来表现岩石的坚硬和古朴？如何通过“浓墨”来塑造物体的体积感和立体感？如何通过“淡墨”来营造朦胧的远景和空灵的氛围？书中对此的阐述，仅仅停留在“墨有浓淡”这样的简单描述，未能提供具体的示范和操作要领，让我无法真正理解和掌握这些精妙的技法。我也希望能够了解到，在不同的绘画题材中，对于墨的运用有何侧重点和变化。例如，山水画、花鸟画、人物画，各自在用墨上有什么不同？这些细节的缺失，让这本书在“墨的运用”这一核心技法上，显得不够扎实。

评分☆☆☆☆☆

我对于国画的“意境”营造，一直有着非常大的好奇心。我理解的意境，是通过画面中的景象，引发观者的情感共鸣，让观者感受到某种独特的氛围或情绪。我期望这本书能够提供更多关于如何通过构图、笔墨、色彩（虽然本书对此着墨不多）等元素，来共同营造画面的意境。比如，如何在山水画中表现出“宁静致远”的感觉？如何在花鸟画中传递出“生机勃勃”的生命力？又如何在人物画中刻画出人物的内心世界？我希望书中能够有具体的案例分析，解读经典作品是如何通过细节的处理来营造其独特的意境的。然而，这本书在这方面的内容，同样显得比较单薄，更多的是停留在基础的笔墨练习，未能将理论与实践、技法与意境有效地结合起来。这让我觉得，它更像是一本“技法入门”，而非能够引领我进入国画“意境”殿堂的指南。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对书法有着浓厚兴趣的读者，我一直认为国画与书法之间有着密不可分的联系。我期望这本书能够深入探讨书法在国画中的应用，例如，如何通过书法的用笔、用墨、用字的结构来影响国画的线条质感和整体风格。我希望能够了解到，在国画创作中，书法家是如何将书法的力道、韵律和美感融入到绘画之中，从而赋予画面独特的生命力。比如，在画树干时，是否可以借鉴草书的飞动之势；在画山石时，是否可以运用隶书的古朴沉稳。我也期待书中能够有具体的案例分析，展示书法如何与绘画相结合，产生出令人惊艳的效果。然而，这本书在这一方面的内容却显得非常薄弱，几乎没有提及书法与绘画之间的互动关系，只是孤立地讲解了绘画的笔墨技法。这让我感到非常遗憾，因为我认为，忽视书法在国画中的作用，就等于错失了理解国画独特魅力的重要途径。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容，老实说，并没有触及我最想了解的几个关键点。我一直对国画的线条表现力尤其着迷，特别是如何通过墨的浓淡干湿变化来塑造物体的体积感和质感。我期望这本书能深入讲解运笔的力度、速度、节奏，以及不同笔触（如皴法、擦法）如何转化为视觉上的肌理效果，比如岩石的粗糙、树皮的斑驳、衣物的褶皱等等。此外，对于国画中“留白”的艺术，我也有着浓厚的兴趣。我一直觉得，国画的妙处很大一部分在于画面中的虚实相生，留白之处往往蕴含着无限的空间和意境。我希望能在这本书里找到关于如何构图时有效运用留白、留白如何引导观者的视线、留白如何营造宁静或空灵的氛围等方面的详细指导。然而，目前为止，我阅读到的内容更多停留在基础的笔墨练习，例如枯燥的线条描摹，对于如何将这些基础技法融入到具有生命力的画面表达中，书中给出的指引显得较为薄弱，让我觉得它更像是一本练习册，而非能够启迪创意思维的艺术指南。我真正期待的是能看到更多关于如何捕捉景物神韵、表现画家情感的实例分析，以及作者如何通过笔墨将这些抽象的感受具象化的过程。可惜的是，在这一点上，这本书显得有些力不从心，未能满足我对国画艺术深层探索的期待。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是，它似乎忽略了一个非常重要的方面：国画的色彩运用。我一直觉得，虽然水墨是中国画的灵魂，但色彩的恰当点缀，能够极大地丰富画面的层次感和表现力。比如，在描绘花鸟画时，花瓣的娇嫩、鸟儿羽毛的光泽，如果能用淡雅的色彩晕染，将是多么生动。又比如，在山水画中，远山的青黛、近水的碧波、秋叶的红黄，这些色彩的运用，不仅能增强画面的真实感，更能烘托出季节的变换和画家所要营造的意境。我一直想了解，国画中色彩的调配有什么讲究？是直接使用颜料，还是需要经过特殊的调和？不同的颜色组合又会带来什么样的视觉效果？在色彩的运用上，是追求写实，还是更注重写意？如何才能做到色彩的“不抢墨，不压笔”，与水墨形成和谐统一？书中对于这些问题，几乎没有涉及，只是笼统地提到了“用墨即可”。这让我感到非常失望，因为我觉得忽略了色彩，就等于忽略了国画艺术的另一半生命力。我希望这本书能够更全面地展现国画的艺术魅力，包括其水墨与色彩的完美结合，以及如何在创作中灵活运用这两者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对国画写生充满热情的学习者，我一直渴望能够在这本书中找到关于如何进行写生、以及如何将写生作品转化为创作的指导。我希望能够了解到，在写生过程中，应该重点捕捉哪些元素？是形态的准确，还是神韵的传达？如何通过速写来快速地记录下物体的动态和特征？在写生中，如何运用不同的笔触来表现不同的质感？例如，在画树叶时，是应该一笔一笔地描绘，还是可以用大笔触来概括？在画山石时，又该如何运用皴法来表现其纹理？此外，我也期待书中能够有关于如何将写生稿进行二次创作的讲解，如何从写生中提炼出创作的元素，如何将素材转化为具有艺术感染力的作品。然而，这本书对于写生环节的着墨甚少，更多的是停留在课堂上的临摹和练习，未能提供关于走出画室、观察现实、捕捉生活中的美学的具体指导。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是，它更多地关注了“画什么”，而忽略了“怎么画”。我所说的“怎么画”，是指其背后所蕴含的中国传统文化精神和哲学思想。国画并非仅仅是技巧的堆砌，它承载着深厚的东方美学理念，比如“气韵生动”是中国画的最高境界，这背后是对生命力的捕捉和表现。又比如，“意在笔先”强调的是画家内心的构思和情感的抒发，而非仅仅客观的描摹。我希望在这本书里，能看到关于“以形写神”的深入解读，理解如何通过外在的形态来传达内在的精神气质。我也期待能够了解到，在国画创作中，如何融入道家的“顺应自然”、儒家的“中庸之道”，以及佛家的“空灵”等哲学思想，这些思想如何体现在笔墨之中，如何塑造出独具东方韵味的艺术作品。遗憾的是，本书在这些层面几乎是空白，仅仅停留在基础的技法讲解，未能触及国画艺术的灵魂所在，让我觉得它过于“形而下”，缺乏“形而上”的升华。

评分☆☆☆☆☆

实用的东西

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非常实用，编排精美，价格适中！

评分☆☆☆☆☆

发货很快，内容还好，孩子喜欢，下次还买京东货

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鉴赏的少了点

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可以！可以！可以！可以！

评分☆☆☆☆☆

竹子被中国人赋予气节，节操的内涵。松，竹，梅被誉为（岁寒三友），而梅，兰，竹，菊被称为（四君子）。竹子虽无牡丹之富丽，无松柏之伟岸，无桃李之娇艳，但它虚心文雅的特征，高风亮节的品格为人们所称颂。

评分☆☆☆☆☆

好书，特别适合初学者，物有所值，服务到家，值得信懒

评分☆☆☆☆☆

很好，非要满意

评分☆☆☆☆☆

印刷精良，内容丰富实用，对初学者来说是非常好的教材，五星推荐，值得入手学习。过后补图。