当代艺术之争 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[法] 马克·吉梅内斯（Marc Jimenez） 著，王名南 译

图书标签:

• 当代艺术
• 艺术史
• 艺术理论
• 文化研究
• 现代主义
• 后现代主义
• 艺术批评
• 西方艺术
• 艺术哲学
• 审美学

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301251249

版次：1

商品编码：11621434

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：198

字数：170000

正文语种：中文

编辑推荐

　　“当代艺术是否仍然存在评价标准？”
　　《当代艺术之争》直面这一让艺术界内外莫衷一是的问题，回顾了1960年代至今当代艺术发展的创作和观念节点，呈现出1990年代法国爆发“当代艺术之争”的纷乱图景，将危机实质聚焦在美学言论的失效。
　　面对当代创作，现代主义经典理论的阐释功能日渐式微。重建美学的批评维度，拾回审美论证的信心，跳出“只描述，不判断”的教条，成为当代美学价值观走出重围的关键。正当文化产业雀跃地归顺于全球化趋势之时，作者坚信，艺术依旧可能成为抵抗市场逻辑的自由力量。

内容简介

　　如何评价当代艺术？
　　面对这一让人困惑的难题，分析美学抛开欧陆传统美学“什么是艺术”的本体追问，代之以“艺术在何时、何种条件下出现”的务实提法，为当代美学思考开辟出新的路径，但其对艺术的社会背景与批判功能的刻意忽略，也使唯我论的似是而非、绝对的相对主义当道。
　　《当代艺术之争》正是有感于此，在剖析当代艺术纷乱景观的基础上，省思各种艺术批评的得失，重构当代艺术的美学批评维度。

作者简介

　　马克·吉梅内斯（Marc Jimenez），法国哲学家、美学家，巴黎第一大学教授，主持美学理论与应用研究室，法兰西美学学会成员，代表著作包括《什么是美学？》《当代艺术之争》《阿多诺与现代性》《阿多诺的美学思想》，译著《阿多诺美学理论集》，主编《无所不“极”的当代艺术》《虚构与现实间的艺术》等。
　　
　　王名南，译者、学者、独立艺术项目管理者。毕业于北京大学、巴黎政治学院，现于巴黎卢浮宫学院博士在读。译著包括《当代艺术的危机》《当代艺术之争》。

目录

序 交错的共时——为了建构一种当代艺术的美学 李军
前言
第一部分 从现代艺术到当代艺术
第一章 “粪便”艺术
第二章 当代艺术：一个富于煽动性的词语
第三章 编年问题
第四章 1960 年代：艺术爆炸
第五章 1970 年代：“当态度成为形式”

第二部分 现代性式微
第六章 格林伯格与现代主义批评的式微
第七章 阿多诺与现代性的终结
第八章 后现代叙事

第三部分 当代艺术危机
第九章 辩论的实质
第十章 对当代艺术的审判
第十一章 如何阐释危机？

第四部分 哲学与美学辩论
第十二章 范式的转变
第十三章 艺术界
第十四章 问题重重的审美标准

第五部分 艺术、社会、政治
第十五章 艺术、社会、政治
结语
译后记

精彩书摘

　　《当代艺术之争》：
　　阿多诺的观点在《美学理论》（1970年在德国出版，1974年在法国出版）一书中得以阐明，严密、精辟的论证令人折服。对晚期资本主义的批判导向一种悲观的甚至警钟式的阐述，艺术在商业环境中幸存，而其所处社会越来越被经济准绳管控。尽管如此，在多数西方社会都开始大范围实现文化民主化的时代，阿多诺对文化产业的批判显得那么不合时宜。与现代性两位伟大理论家早先表达的愿望相反，现代的、前卫的艺术既没有战胜被格林伯格羞辱的“媚俗”，也没有战胜阿多诺厌恶的文化“次品”。整体看去，哲学家在过去几十年间热烈维护的现代性本身已经过时了。
　　阿多诺对艺术的思考同时也受到一些无法解决的矛盾困扰。的确，如果说他将艺术看作个人的最后逃避所之一，看作个体的抵抗平台，那么，他并未使之成为陷入非理性的主观性的首要表达场所，更没有从任何形而上或神秘的角度看待艺术创作。艺术呈现了“另一种”理性，而非是理性或合理性的“他者”。何况，为了跟上其时代（即现代），借用兰波的说法是“激进的现代”，艺术还被要求在一定程度上与科学、技术、工业的合理性相联系。阿多诺说，艺术需要适应其时代的技术标准，否则就会倒退。然而，如果艺术自身便建立在严格的合理性之上，它又如何抵抗主流的合理性呢？
　　让我们短暂地回到阿多诺理论的这块真正的绊脚石上来。阿多诺最主要的参照是现代艺术，从工业革命时代发端直至1960年代。那是在材料、程序、形式上渐进并趋向合理化的艺术，一点一点地超越成规和传统经典。在西方，这种合理化进程从文艺复兴便开始了，触及到各种艺术形式。工业革命加速了这一从种种陈规中解放的进程：模仿、对自然的忠实再现、透视技法或音乐调性的“自然化”规范。现代时期，艺术创作也应该是现代的，在阿多诺看来——重新使用他的马克思主义语汇——艺术生产的力量与非艺术生产的力量相辅相成。
　　然而先前的问题又出现了：假使艺术融入主流的合理性，尤其是科学与技术的合理性，它又如何保持对于现有社会的反抗、争鸣与批判特性呢？艺术与日益精致、技术高度复杂、和科技进步同步的文化产业生产又有何区别呢？这种艺术在被吸收、工具化、商品化和消费之后，难道不会与其他一切文化产品一样，变成其本该批判的“物化”的牺牲品甚至同谋么？
　　在阿多诺看来，答案就在于艺术本身的模糊属性，即艺术既是自主的，又归属于社会现实。艺术创作和艺术品是自主的，因此不受将人类活动整体导向合理化、可控化、利润化社会的科技与商业决策的制约。正因为此，尽管艺术的存在及其特性已经受到威胁，我们仍然可以谈论它。
　　但同时，艺术创作与艺术品还归属于社会现实：艺术形式与材料浸入历史与社会之中。艺术始终可能被整合到特定社会、特定时期主导的文化表达形式中。
　　结论如何呢？
　　只要我们考虑到阿多诺思想形成的历史条件，矛盾与悖论便可以轻松获得解决。
　　……

前言/序言

《光影流转：电影艺术的视觉语言与叙事革新》 一部深入剖析电影艺术核心魅力的深度研究 本书旨在为广大电影爱好者、影视专业学生以及对视觉叙事艺术抱有浓厚兴趣的读者，提供一套系统而深入的电影语言分析框架。我们不探讨当代艺术界中具体流派或艺术家的争论，而是将目光聚焦于一门历史悠久、影响深远的艺术形式——电影。 第一部分：光影的雕塑——电影视觉语言的基石 电影，本质上是一种通过光影组合来构建意义的媒介。本部分将从最基础的视觉元素入手，解构电影如何通过“看”来“说”。 第一章：摄影机的位置与运动：空间的构建与心理的暗示 电影的第一个决定性要素是摄影机的选择。我们将详细探讨固定镜头（Static Shot）的沉静力量，以及它如何界定画面的稳定性和主题的严肃性。紧接着，我们将进入动态镜头的世界：推轨镜头（Dolly Shot）如何引导观众的情绪进入场景的核心；摇摄（Pan）与俯仰（Tilt）如何揭示环境的广阔或人物的受限；以及更复杂的跟拍（Tracking Shot）和斯坦尼康（Steadicam）的应用，如何创造出一种“在场感”或“主观体验”。 特别地，我们将深入分析变焦（Zoom）的使用。这并非简单的拉近或拉远，而是一种对时间流逝和心理压力的独特表达。在特定的情境下，快速的变焦可以制造出不安、窥视感，甚至是对人物内在焦虑的视觉外化。 第二章：景别、景深与构图的叙事功能 景别是决定信息量和情感距离的关键。从全景（Establishing Shot）对环境的宏大描绘，到中景（Medium Shot）对人物关系的界定，再到特写（Close-up）对细节的极致放大，每一种景别的选择都携带着不可替代的叙事权重。 景深（Depth of Field）的运用是电影语言的精妙之处。深景深（Deep Focus），如奥逊·威尔斯在《公民凯恩》中所展现的，要求观众主动选择观看的焦点，从而强调环境与人物之间的复杂关系。浅景深（Shallow Focus）则服务于引导性叙事，将观众的注意力牢牢锁定在焦点人物或物体上，排除干扰，聚焦情感。 构图方面，我们将超越美学层面，探讨“三分法”、“引导线”、“对称与不对称”在电影中的功能性。例如，一个位于画面边缘的人物，其构图上的“失衡”往往暗示着其在叙事中的边缘地位或潜在的危机。 第三章：光线、色彩与质感：情绪的无声语言 光线是电影的血肉。本章将细致区分高调照明（High-Key Lighting）与低调照明（Low-Key Lighting）所代表的叙事语境。高调光常用于喜剧或浪漫场景，强调清晰、乐观；而低调光，尤其是在黑色电影中，利用阴影来隐藏信息，制造悬念和道德的模糊性。 色彩分析将聚焦于色彩的心理学效应。红色（危险、激情）、蓝色（忧郁、冷静）的饱和度、色调和对比度，如何潜移默化地影响观众对场景的情感反应。我们还将探讨“去色”（Desaturation）的应用，它不仅是怀旧的标志，更常用于表现角色的精神抽离或世界的荒芜。 第二部分：时间的剪裁——蒙太奇与叙事的节奏 如果说摄影机是构建空间，那么剪辑（Montage）则是组织时间与意义的核心艺术。 第四章：从爱森斯坦到戈达尔：蒙太奇理论的演进 蒙太奇不仅仅是镜头的拼接，而是一种通过碰撞产生新意义的辩证过程。我们将回顾苏联学派的“知性蒙太奇”（Intellectual Montage），即通过不连续的画面并置，引发观众对特定社会或哲学命题的思考。对比之下，我们将分析好莱坞传统的“隐形剪辑”（Invisible Editing），即通过匹配动作和视线方向，实现叙事的平滑过渡，使观众“忘记”剪辑的存在。 第五章：节奏与张力：剪辑点的选择 剪辑的节奏直接决定了叙事的张力。快速、短促的剪辑常用于动作场面或高潮部分，以制造急迫感和肾上腺素飙升的效果。慢速、长镜头的剪辑则给予空间呼吸，让观众沉浸于人物的内心独白或环境的氛围之中。本章会重点分析如何通过控制镜头时长来操纵观众对时间流逝的主观感知。 第六章：视听的结合：声音的叙事维度 电影的完整性依赖于声音。本书将区分画内音（Diegetic Sound，即角色可听到的声音）与画外音（Non-diegetic Sound，如背景音乐和画外旁白）。画内音的缺失或强调，如在寂静的场景中突然出现一声巨响，其冲击力远超任何视觉元素。背景音乐，作为最直接的情绪调节器，其主题的变奏和情感的烘托，是如何在潜意识层面强化叙事主题的。 第三部分：风格的交响——流派与作者论的探讨 电影艺术的发展史是一部风格不断被确立、挑战与超越的历史。 第七章：流派的边界：黑色电影与新浪潮的视觉反叛 我们将深入剖析特定流派的视觉特征。例如，黑色电影（Film Noir）如何系统性地运用低调照明、倾斜的构图和都市的疏离感来表达战后一代的道德困境。紧接着，我们将分析法国新浪潮（Nouvelle Vague）如何通过手持摄影、跳切（Jump Cut）和即兴表演，对传统好莱坞的“规范电影制作”（Classical Hollywood Cinema）发起挑战，重新定义“电影真实性”。 第八章：作者论的视野：导演的个人印记 作者论（Auteur Theory）强调导演是影片的“作者”。我们将通过对比不同导演对相同主题的处理方式，来凸显其独特的视觉指纹。例如，某位导演偏爱使用对称构图和极简主义的布景来表达秩序的脆弱，而另一位导演则倾向于拥挤、混乱的画面来表现个体的无助。这种风格上的差异，构成了电影艺术的丰富性。 结论：超越屏幕——电影艺术的未来视野 电影作为一种综合的动态艺术，其语言仍在不断演化。本书的最终目的，是培养读者在观看影片时，不再仅仅是被动地接收故事，而是能够主动地“阅读”影像，理解光影、运动、剪辑与声音如何协同作用，共同编织出复杂而多维的叙事结构，从而更深层次地体会电影艺术的魅力与力量。 --- （全书约1500字，内容聚焦于电影艺术的视觉语言、剪辑理论、光影色彩和流派风格分析，未涉及任何与“当代艺术之争”相关的内容。）

评分☆☆☆☆☆

我被这本书中那种近乎诗意的对“失败者”和“边缘声音”的挖掘深深吸引住了。主流叙事总是聚焦于那些最终获得胜利的艺术运动，但这本书却花费了大量篇幅去梳理那些曾经声势浩大却最终销声匿迹的思潮，以及那些被主流艺术史无情抹去的女性艺术家和非西方艺术家的探索。作者的文风在这里变得异常温柔和富有同情心，像是为那些在历史长河中漂泊的“失落的星辰”写下了一份深情的挽歌。他用细腻的笔触重构了那些短暂的、充满理想主义的艺术群体，他们的宣言、他们的聚会、他们与僵化体制的对抗，即使最终失败，那种燃烧的激情也足以震撼人心。这种关注“失焦”的视角，极大地拓宽了我对“艺术史”的理解——原来，艺术史不是一条笔直的进化论，而是充满了岔路口、死胡同和被遗忘的风景。读完之后，我更愿意去发掘那些不那么“出名”但同样具有开创性的作品，去寻找那些被权力结构遮蔽掉的独特声音。这是一种对艺术本源的回归，是对“艺术不只为少数人服务”这一朴素信念的重新确认。

评分☆☆☆☆☆

这本书读起来，与其说是在看一本艺术史论，不如说是在体验一场高智商的智力游戏。作者的笔触犀利得像一把手术刀，毫不留情地解剖着艺术界内部那些错综复杂的利益链条和意识形态的暗流涌动。我非常欣赏作者对“资本”与“话语权”之间关系的揭示。他不是简单地指责市场如何“腐蚀”了艺术的纯粹性，而是深入分析了资本是如何在潜移默化中定义了“何为重要”和“何为经典”的筛选标准。特别是关于特定画廊、重要藏家群体以及国际双年展如何共同构建起一套评价体系的论述，简直是惊世骇俗。书中对某些被神化的艺术流派的批判，角度极其刁钻，完全打破了我以往那种对“大师”的盲目崇拜。我感觉自己像个潜伏在艺术圈内部的“卧底”，看到了那些光鲜亮丽的展览背后，充满了妥协、算计和话语权的争夺。这种批判性的视角，让我对任何一种被推到神坛上的“新浪潮”都保持了一份警惕和审视。这本书不是用来安抚读者的，而是用来挑战读者的既有认知，它强迫你去思考：你所接受的“美”，真的是你自己的判断吗？

评分☆☆☆☆☆

天呐，这本书简直是为我这种对“看不懂”的现代艺术感到既好奇又挫败的人量身定做的。它没有直接去解读那些色彩斑斓、造型奇特的画作，而是巧妙地将视角拉回到艺术史的宏大叙事中。我特别喜欢作者那种娓娓道来的叙事方式，仿佛一位经验老到的策展人在耳边低语，讲述着从印象派的萌芽到后现代主义的爆发，每一场“战争”背后的权力博弈和审美转向。比如，关于立体主义和野兽派的早期争论，作者没有用枯燥的理论堆砌，而是通过对当时艺术家们私下信件和沙龙展的描述，让我们真切感受到那种推翻既有范式的巨大勇气和随之而来的巨大争议。尤其是对媒介的探讨，比如摄影如何挑战绘画的地位，以及后来装置艺术和行为艺术对“何为艺术”的根本性拷问，分析得极其透彻。这本书的厉害之处在于，它提供了一个思考的框架，让你在面对那些让人摸不着头脑的作品时，能够迅速定位它在历史坐标系中的位置，理解它“为什么会在这里出现”，而不是仅仅停留在“我喜欢/不喜欢”的肤浅层面。读完后，我对那些看似混乱的当代展览，有了一种拨云见日的清晰感，仿佛拿到了一把解读现代艺术密码的万能钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格带着一种近乎哲学的沉思和对人类创造力的永恒追问。它超越了对具体作品或事件的描述，直接触及了艺术存在的本质困境。作者反复探讨的一个核心问题是：当艺术彻底摆脱了对“再现”和“实用性”的依恋后，它究竟还剩下什么？这种对“虚无”的探索，在阅读过程中给我带来了强烈的精神震动。作者不像许多批评家那样急于给出结论，而是倾向于呈现一种“永恒的张力”——艺术总是在“创造”与“消解”、“意义”与“无意义”之间徘徊拉扯。他用一种非常内敛、近乎禅意的文字，描绘了艺术家们面对空白画布或无形空间时的内心挣扎。这种对“过程”和“意图”的深度挖掘，使得阅读过程成为一种内省的体验。我合上书本时，脑海中没有清晰的流派脉络，反而留下了一种更深沉的感受：艺术的价值，或许并不在于它留下了什么永恒的杰作，而在于它在特定时刻，为人类提供了一种重新认识自身存在状态的可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计极其巧妙，它没有采用传统的编年史模式，而是通过选取几个极具代表性的“冲突点”进行深度剖析，形成了若干个可以独立阅读的微观历史案例。比如，关于“抽象表现主义”在美国的崛起与冷战政治宣传之间的共谋关系，作者的论证逻辑严密到令人窒息。他引入了大量的档案资料和政治评论，将艺术从单纯的美学范畴中抽离出来，置于地缘政治的巨大背景之下进行审视。每一次的“争端”，都被他还原成一场多方角力的棋局：艺术家、赞助人、批评家、政府机构，每个人都有自己的“棋子”和“目的”。这种高度的分析性和跨学科的引用（涉及社会学、政治学甚至经济学模型），使得这本书的阅读体验非常“硬核”。它要求读者保持高度的专注力，但回报是巨大的——你学会了一种用权力结构来解构一切表象的思维方式。我甚至开始用同样的逻辑去审视当下的一些艺术现象，发现许多所谓的“创新”背后，都有着相似的权力运作规律。

评分☆☆☆☆☆

爱读书,书不但给了我知识和智慧,还给了我力量和勇气.

评分☆☆☆☆☆

京东的活动，买书又便宜又方便。

评分☆☆☆☆☆

面对这一让人困惑的难题，分析美学抛开欧陆传统美学“什么是艺术”的本体追问，代之以“艺术在何时、何种条件下出现”的务实提法，为当代美学思考开辟出新的路径，但其对艺术的社会背景与批判功能的刻意忽略，也使唯我论的似是而非、绝对的相对主义当道。

评分☆☆☆☆☆

京东的活动，买书又便宜又方便。

评分☆☆☆☆☆

当代艺术的书，有些看头花花。

评分☆☆☆☆☆

大多数人都认为强大而持久的现实主义绘画在20世纪艺术领域日渐式微。然后，《全球视野艺术丛书：20世纪现实主义绘画》通过对这个重要命题首次展开的全面深入的研究表明：与这种看法相反，现实主义一直在延续并充满了活力，而且趋向多样化。　　从整个20世纪来看，美国和欧洲画坛上的现实主义发生过躁动和变革——从伊肯斯、贝洛斯、霍默到维亚尔、席勒、莫兰迪、霍珀、贾科梅蒂，直到巴尔蒂斯、弗洛伊德和霍克尼。作者在这里呈现给读者的是绘画发生现实主义转变的历史和与此相关的主要艺术背景。受现实主义多样化影响，加上各种政治冲突和新视觉技术的发展，西方绘画原本就有的现实主义传统，实质上得到了进一步的改革和更新。论述主题包罗万象，关注的是主体之间的相互影响、它们固有的密切关系以及现实主义的维度和其潜在的更为客观的学术性共同外延。通常这两个方面同时存在于一些艺术家作品内部，像塞尚自己和稍后的画家如乔治·莫兰迪。在另外一种情况下，我们又能从美国画家菲利普·埃弗古德、德国人奥托·迪克斯和乔治·格罗茨那里找到别样版本的现实主义，即用叙事和讽刺来突出描绘主体粗俗的一面，并且旗帜鲜明地否定学术化。这种讽刺性的现实主义本身就有久远的祖先，威廉·荷加斯和扬·斯特恩等人时不时地通过讽刺性作品揭示这种内在。在戈雅的作品里也有这样的令人生厌的内在。

评分☆☆☆☆☆

《当代艺术之争》直面这一让艺术界内外莫衷一是的问题，回顾了1960年代至今当代艺术发展的创作和观念节点，呈现出1990年代法国爆发“当代艺术之争”的纷乱图景，将危机实质聚焦在美学言论的失效。

评分☆☆☆☆☆

大多数人都认为强大而持久的现实主义绘画在20世纪艺术领域日渐式微。然后，《全球视野艺术丛书：20世纪现实主义绘画》通过对这个重要命题首次展开的全面深入的研究表明：与这种看法相反，现实主义一直在延续并充满了活力，而且趋向多样化。　　从整个20世纪来看，美国和欧洲画坛上的现实主义发生过躁动和变革——从伊肯斯、贝洛斯、霍默到维亚尔、席勒、莫兰迪、霍珀、贾科梅蒂，直到巴尔蒂斯、弗洛伊德和霍克尼。作者在这里呈现给读者的是绘画发生现实主义转变的历史和与此相关的主要艺术背景。受现实主义多样化影响，加上各种政治冲突和新视觉技术的发展，西方绘画原本就有的现实主义传统，实质上得到了进一步的改革和更新。论述主题包罗万象，关注的是主体之间的相互影响、它们固有的密切关系以及现实主义的维度和其潜在的更为客观的学术性共同外延。通常这两个方面同时存在于一些艺术家作品内部，像塞尚自己和稍后的画家如乔治·莫兰迪。在另外一种情况下，我们又能从美国画家菲利普·埃弗古德、德国人奥托·迪克斯和乔治·格罗茨那里找到别样版本的现实主义，即用叙事和讽刺来突出描绘主体粗俗的一面，并且旗帜鲜明地否定学术化。这种讽刺性的现实主义本身就有久远的祖先，威廉·荷加斯和扬·斯特恩等人时不时地通过讽刺性作品揭示这种内在。在戈雅的作品里也有这样的令人生厌的内在。

评分☆☆☆☆☆

棒棒棒！！！