忠于生活：与大卫·霍克尼25年的谈话录 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 劳伦斯·韦施勒 著，夏存，方怡菁 译

图书标签:

• 大卫·霍克尼
• 艺术访谈
• 绘画
• 艺术史
• 自传
• 文化
• 艺术评论
• 传记
• 英国艺术
• 生活哲学

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534042638

版次：1

商品编码：11673247

包装：精装

开本：32开

出版时间：2015-04-01

用纸：胶版纸

页数：261

字数：200000

编辑推荐

　　对中国的读者来说，大卫·霍克尼的名字在十多年之前就已如雷贯耳。他的风景画系列、拼贴摄影系列和人物系列的作品都给我们耳目一新的感觉。近年来，霍克尼在国际画坛的地位又不断提升，“最具影响力英国艺术家”的桂冠和“功绩勋章”纷至沓来。
　　大卫·霍克尼最激励人心的便是他永不衰退的创新激情，展现在他眼前的世界就像每天升起的太阳那样充满新意。他自小就受过良好的皇家艺术学院的熏陶与抽象表现主义的影响，这陶铸了他灵活多变的艺术表现力和极具个性的创作灵感。他对欧洲绘画史了如指掌，他对文艺复兴以来经典油画的暗箱技法的发现，引起了世界画坛的震动，改变了人们对欧洲古典绘画的认知；之后他尝试摆脱光学设备对观察的禁锢，以多个焦点来观察物体，以拼贴摄影为现代绘画别开生面；他甚至还兴致盎然地在歌剧舞台设计领域一展他的创新天赋；任何现代新技术—传真机、宝丽来相机、智能手机以及ipad、iphone，到他手里便神奇地与现代绘画艺术结合起来，形成了新的绘画形式，给人们的心灵以巨大的震撼。
　　大卫·霍克尼艺术创新的一部分灵感来自中国艺术，这让每个中国读者闻之倍感亲切。他曾多次来到中国，畅游风景如画的桂林山水，接触过大量中国古代文人画。他的多焦点拼贴摄影的创作一度陷入困境，正是在看了中国画之后，才让他豁然开朗，形成完整的创新理念。

内容简介

　　大卫·霍克尼作为一位充满魅力的艺术家，总是探索着最前沿的艺术表现。他与劳伦斯交谈，让劳伦斯记录下他从1983年开始在艺术上的发现。
　　《忠于生活：与大卫·霍克尼25年的谈话录》从霍克尼精彩的拼贴作品入手，作者记录了这位艺术家千变万化的作品风格和他关于艺术的思考：他对毕加索立体主义的精辟见解，对欧洲近代绘画技术的惊人发现，对中国传统绘画的独到领悟，以及把现代科技作为绘画工具的探索……所有这些都与他的一幅幅充满创意的作品汇聚一起，娓娓道来，如临其境。这些谈话是霍克尼在他一生最具创造力时代的艺术总结，代表了他对艺术最核心的看法。

作者简介

　　劳伦斯·韦施勒，是著名杂志《纽约客》（New Yorker）的特派记者，同时也是纽约大学人文学院院长以及芝加哥人文艺术节的艺术主管。他的作品还有《威尔森先生神奇的柜子》（Mr.Wilson's Cabinet of Wonder) (该作品曾入围普利策新闻奖的最终评审），《维米尔在波斯尼亚》（Vermeer in Bosnia），以及《杂感集：往事历历》（Everything That Rises:A Book of Convergences）（本书获得了2007年国际图书批评家协会最佳评论奖）。

内页插图

精彩书评

　　劳伦斯是我的老朋友，他的这本书完整地记录了我在艺术上的探索，值得一读。
　　——大卫·霍克尼

　　霍克尼是一位具有高度审美自觉的画家，其每一幅创作的背后，鲜明的后现代面貌独具特点，意味深长，都浸润着他对艺术理论的思考，本书的出版对于中国读者来说很有意义。
　　——上海大学美术学院油画系主任章德明

　　劳伦斯·韦施勒是当前最具影响力的作家。他的文字把科学、图像、诗歌以及其他人类的一切成就变成了一张巨大的网络，这是一位优秀的作家、艺术家的责任，他让人们重新认识了世界。
　　——戴夫·埃格斯（DaveEggers)
　　《麦克斯文学》杂志主编

　　大卫·霍克尼作为一位充满魅力的艺术家，总是探索着最前沿的艺术表现。他与劳伦斯交谈，让劳伦斯记录下他在这几十年里的艺术发现。而劳伦斯也不仅仅是简单地复述霍克尼的观点，他尽力尝试理解并挖掘出艺术家作品的内涵，并在诙谐幽默的前提下给予读者一些艺术方面的指引。
　　——约翰·沃尔什（JohnWalsh）
　　前盖蒂艺术中心负责人

目录

第一章 摄影：照相机也会说谎（1983年)
第二章 拜访霍克尼和斯丹利：好莱坞山（1987年）
第三章 爱之死：特里斯坦的终结（1996年）
第四章 更广阔的视角：描绘约克郡和科罗拉多大峡谷（1998年）
第五章 镜子：在光学中探险（1999年）
第六章 透过镜子：更大的发现（2001年）
第七章 休闲时光：约克郡的水彩（2004年）
第八章 忠于生活：回归油画（2007年）
补记
大卫·霍克尼的“爱疯”（2009年）
为什么大卫·霍克尼对科技又爱又恨
——关于艺术家两种不同情感的分析（2013年）

前言/序言

　　传承经典 开创时代
　　（中文版代序）
　　对中国的读者来说，大卫·霍克尼的名字在十多年之前就已如雷贯耳。他的风景画系列、拼贴摄影系列和人物系列的作品都给我们耳目一新的感觉。近年来，霍克尼在国际画坛的地位又不断提升，“最具影响力英国艺术家”的桂冠和“功绩勋章”纷至沓来，以至于有人感叹，霍克尼若早生100年，他与洛杉矶的情缘，一定像梵·高与阿尔、高更与塔希提那样传为佳话。
　　大卫·霍克尼最激励人心的便是他永不衰退的创新激情，展现在他眼前的世界就像每天升起的太阳那样充满新意。他自小就受过良好的皇家艺术学院的熏陶与抽象表现主义的影响，这陶铸了他灵活多变的艺术表现力和极具个性的创作灵感。他对欧洲绘画史了如指掌，他对文艺复兴以来经典油画的暗箱技法的发现，引起了世界画坛的震动，改变了人们对欧洲古典绘画的认知；之后他尝试摆脱光学设备对观察的禁锢，以多个焦点来观察物体，以拼贴摄影为现代绘画别开生面；他甚至还兴致盎然地在歌剧舞台设计领域一展他的创新天赋；任何现代新技术—传真机、宝丽来相机、智能手机以及ipad、iphone，到他手里便神奇地与现代绘画艺术结合起来，形成了新的绘画形式，给人们的心灵以巨大的震撼。
　　大卫·霍克尼艺术创新的一部分灵感来自中国艺术，这让每个中国读者闻之倍感亲切。他曾多次来到中国，畅游风景如画的桂林山水，接触过大量中国古代文人画。他的多焦点拼贴摄影的创作一度陷入困境，正是在看了中国画之后，才让他豁然开朗，形成完整的创新理念。他写道：“中国画里的透视要求观众必须融入画中，而不是站在画前简单地观看。中国画把作品和观众之间的那堵墙给捅破了。”他记下了观赏中国画时独特的体验：“看画时，你会发现你的身体在不断地移动。你看，一开始是一个山上的村庄，而当我慢慢展开时，你也会跟着在动，这里我们好像走到了村庄下的山谷中，然后我们又慢慢地抬起头看到了山顶，接着越走越远，不知不觉又来到了山顶，这里可以看见远处的湖泊……”这种作品和观众互动的艺术效果也正是他的多焦点拼贴摄影的艺术追求。他将先锋艺术的创作观念融入他的绘画之中，并与通俗简洁的视觉效果结合得恰到好处。对于一个艺术家来说，这种追求没有中西古今之分，他只抱着一个宗旨：忠于生活，忠于他的观众。
　　目前国内介绍大卫·霍克尼的画册已经很多，但涉及他的艺术理论的尚嫌不够。霍克尼是一位具有高度审美自觉的画家，其每一幅创作的背后，鲜明的后现代面貌独具特点，意味深长，都浸润着他对艺术理论的思考。只有将作品和艺术理论联系起来，才能读懂他创作的每一个系列。正因为这个缘故，本书的出版对于中国读者来说很有意义。作为一个艺术大师的艺术理论，它始终没有脱离创作实践，这正是本书的一个重要特点。用霍克尼自己的话来说，本书“完整地记录了我在艺术上的探索，相当值得一读”，所以我很愿意借这个机会隆重地向大家推荐。
　　章德明
　　上海大学美术学院油画系主任
　　2014年12月28日

《色彩与光影的叙事：当代艺术的深度对话集》 书籍简介 本书汇集了当代艺术界最具影响力的几位人物，通过一系列深入、坦诚且富有洞察力的访谈，勾勒出过去数十年间视觉艺术领域的发展脉络、核心议题及其背后的思想驱动力。这不是一本侧重于特定艺术流派或个人风格的传记，而是一部横跨媒介、时间与地理界限的艺术对话录，旨在捕捉创造性思维在面对时代变迁时的反应与重塑。 全书分为五个主要部分，每一部分都聚焦于一个宏大的主题，并通过多位艺术家的声音进行多角度的阐释和辩论。 第一部分：图像的消亡与再生——媒介的边界与张力 在数字技术迅猛发展的时代，传统绘画、摄影乃至雕塑的本体性受到了前所未有的挑战。本部分收录了对几位坚持传统技法的大师的访谈，他们探讨了“手艺”在高度工业化和数字化的语境下意味着什么。访谈深入解析了颜料、光线、空间感这些构成艺术物质性的基本要素，是如何在新的技术界面中被重新定义或坚守的。 其中，对一位专注于光感捕捉的摄影师的访谈尤为引人入胜。他详细阐述了自己如何拒绝使用数字后期处理，坚持在暗房中进行复杂的化学反应来模拟某种特定的自然光线效果。他认为，每一次曝光都是一次与现实的物理性契约，而数字复制则破坏了这种契约的独特性和不可替代性。 另一位访谈对象，一位专注于大型壁画创作的艺术家，则着重讨论了“公共空间”的意义。他反思了艺术品从私人收藏走向公共视野的过程，以及在城市景观不断迭代中，如何确保一件作品能够超越短暂的时尚，与城市历史产生持久的对话。这部分内容不仅关乎技法，更关乎艺术品作为“物”的社会功能和文化重量。 第二部分：记忆的编织——历史、创伤与叙事重构 艺术往往是历史最敏感的接收器。本部分聚焦于艺术家如何处理集体记忆、个人创伤以及被官方叙事所遗漏的“灰色地带”。访谈对象群体中，包含了几位以装置艺术和影像作品闻名的创作者，他们擅长于挖掘和展示被时间磨损的档案、被掩盖的文献以及非官方口述史。 一位专注于后殖民语境的装置艺术家，分享了他对“纪念碑”概念的解构过程。他如何通过收集和重组来自不同文化背景的废弃物，来构建一个关于权力转移和文化身份冲突的复杂叙事迷宫。他的创作过程，如同考古发掘，旨在揭示隐藏在宏大历史叙事之下的个体经验的碎片。 此外，我们还探讨了“时间性”在艺术中的表现。一位以极简主义风格著称的雕塑家，解释了他如何通过缓慢、渐进的形态变化，来暗示历史的不可逆性与存在的持续性。他的作品要求观众以一种近乎冥想的方式介入，从而体验时间本身的密度和重量。这部分对话挑战了线性历史观，强调了记忆的复数性和不确定性。 第三部分：身体的政治学——身份、欲望与可见性 身份政治是当代艺术无法绕开的核心议题。本部分深入探讨了艺术家如何利用自身或他者的身体作为画布、工具和宣言，来探讨性别、种族、阶级和性取向的复杂性。 我们与一位以行为艺术闻名的表演者进行了长时间的交流。她详细描述了自己如何设计那些看似极端、实则精心计算的公共表演，以迫使观众直面那些日常生活中被习以为常的社会规范和偏见。她的身体不再是个人的，而是承载着社会矛盾的符号载体。 另一位访谈的焦点是一位专注于肖像摄影的创作者。他并非拍摄名人，而是致力于捕捉那些在社会边缘挣扎的群体的肖像。他谈到与拍摄对象建立信任的困难与必要性，以及如何避免将“他者的痛苦”变成一种廉价的观赏品。他强调，真正的肖像，是主体与观看者之间互相揭示的过程，而非单方面的审视。这部分对话充满了对伦理边界的探讨，以及艺术作为赋权工具的潜力。 第四部分：算法时代的审美——技术、代码与非人经验 随着人工智能和大数据渗透艺术创作，新的美学范式正在形成。本部分汇集了那些积极拥抱技术、甚至将代码本身视为一种创作媒介的艺术家。他们对“创造力”的定义进行了根本性的颠覆。 一位专注于生成艺术（Generative Art）的软件工程师出身的艺术家，展示了他如何构建复杂的算法模型，这些模型能够根据环境数据（如天气、网络流量）实时生成独特的视觉作品。他认为，人类的作用已从“绘制者”转变为“系统构建者”和“观察者”。 访谈中也出现了对这种新美学的警惕声。有评论家提出，当艺术的生成过程越来越依赖于不可见的计算逻辑时，作品是否会失去其必要的“人性的瑕疵”和偶然性。我们探讨了“美”是否可以被纯粹量化，以及人类审美经验在未来可能扮演的角色。这部分是关于未来的艺术语言与哲学基础的碰撞。 第五部分：艺术的生态——市场、教育与可持续性 最后一部分，视角转向了艺术界自身的生态系统。我们邀请了画廊主、策展人、艺术教育者以及关注艺术市场透明度的批评家，共同审视艺术如何作为一种文化商品、一种教育工具和一种可持续的职业路径。 一位资深策展人分享了她在国际双年展中筛选作品的幕后故事，她如何平衡艺术的实验性与观众的可理解性，以及如何应对日益增长的政治压力对展览内容的影响。 同时，关于艺术教育的讨论也占据了重要篇幅。多位受访者对当前艺术学院的课程设置提出了批评，认为其过于侧重理论构建而忽视了对材料和技艺的扎实训练。他们强调，真正的创新，往往诞生于对材料的深刻理解和不懈探索之中。 本书以开放式的结尾，邀请读者参与到这场持续的对话中，思考在快速变化的世界里，艺术的本质、目的与未来形态。它提供了一个多维度的观察窗口，去理解那些塑造我们视觉文化的最深刻的声音。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的节奏掌握得极其老道。它并非线性叙事，而是像一张精心编织的网，将不同时间点的对话碎片巧妙地拼接在一起，展现出一种螺旋上升的叙事张力。初读时，或许会有些许的散乱感，但随着阅读的深入，你会发现每一个章节、每一段对话，都在为最终形成一个完整、多维度的艺术人格添砖加瓦。它成功地避开了艺术传记中常见的“伟人化”倾向，而是聚焦于那些人性化的、甚至略显矛盾的侧面。比如说，对于创作瓶颈期的自我解嘲，对于同行间微妙关系的评价，都使得这位艺术巨匠的形象更加立体可感。这种编排手法，极大地增强了阅读的代入感和探索欲，让人忍不住想追溯时间线，去探究某一特定时期特定作品背后的心境。这本书的结构本身，就是一种高明的叙事策略的体现，让读者在不知不觉中完成了对一位艺术大师生命轨迹的深度考察。

评分☆☆☆☆☆

读完之后，最大的感受是充实，但这种充实并非知识量的增加，而是一种精神层面的拓展。它探讨的议题非常宏大，关于艺术在数码时代的角色，关于个人身份的流动性，甚至关于生命终结的坦然态度。然而，所有的宏大叙事都被包裹在一种非常亲切、接地气的对话语境中，使得那些深刻的哲学思考变得可以被日常理解和消化。不同于那些刻意拔高或故作高深的艺术评论，这本书的价值在于它的“诚恳”。它似乎毫不费力地将一个时代最前沿的艺术思潮，通过两个人的默契交谈，自然而然地呈现出来。对我而言，这更像是一份珍贵的“心灵档案”，记录了一个伟大的灵魂在漫长岁月里如何保持好奇心、如何抵抗遗忘、如何持续创造的全部密码。它激发了我内心深处对“活出自我”的强烈渴望，值得反复品读，每一次重读都会有新的领悟。

评分☆☆☆☆☆

翻开这厚厚的册子，最先吸引我的是那种近乎于私密的对话氛围。没有太多艺术史的陈词滥调，也没有刻意营造的权威感，取而代之的是一种坦诚到近乎赤裸的交流。那种感觉就像是，你正坐在一个温暖的房间里，听着一位睿智的长者娓娓道来他一生的经验与困惑。那些关于时间、记忆和媒介变迁的讨论，观点犀利而又不失温度。尤其是在谈及媒介转换时所表现出的那种既拥抱新技术又坚守核心创作理念的平衡术，令人拍案叫绝。它揭示了伟大灵魂在面对时代洪流时的复杂心态：既有对新工具的兴奋，更有对传统手艺流失的隐忧。作者的提问显然是经过深思熟虑的，总能在关键时刻切入要害，引发对方更深层次的思考。这种高水平的对话艺术本身，就构成了这本书不可替代的阅读价值。它不仅仅是关于某位艺术家的肖像，更是一部关于“如何思考”的教科书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力，很大程度上来源于它对“观察”这一行为的深度剖析。在我看来，真正的艺术大师与常人最大的区别，就在于他们对世界信息的接收和处理方式。通过这些长达二十五年的对话，我看到了艺术家如何将日常生活中最不起眼的事物——一块玻璃上的反光、一次偶然的谈话、某个特定时刻的天空颜色——系统性地转化为具有强烈个人风格的视觉语言。这种“提炼”的过程是极其痛苦且需要高度专注的，而书中对此的描述，充满了技术性的探讨和哲思的碰撞。它让我明白了，艺术创作并非一蹴而就的灵光乍现，而是无数次细致入微的观察、记录、反思和实验的累积。这本书让我对“看”这个动作有了全新的敬畏之心。它不仅仅记录了艺术家的言语，更记录了他认知世界的方法论，这对于任何从事创意工作的人来说，都是无价的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的震撼，远不止于文字的堆砌。它更像是一扇窗，让我得以窥见一个艺术家内心世界的幽微之处。阅读的过程中，我仿佛能真切地感受到那种在创作高峰期与自我拉扯的挣扎与欣喜。那些关于色彩的运用，关于光影的捕捉，不再是冰冷的理论，而是渗透着创作者生命力的鲜活体验。我尤其欣赏作者在捕捉那些不经意的瞬间时的细腻笔触，那些看似琐碎的生活片段，在艺术家的眼中是如何被提炼、升华，最终成为永恒的画面。那种对“真实”的执着追求，那种不妥协的艺术态度，深深地打动了我。这本书不是一本简单的访谈录，它是一部关于如何去“观看”世界的指南，教会我用更深、更富有同情心的目光去审视我们习以为常的日常。读完之后，我甚至觉得自己的感知力都变得敏锐了许多，对周围世界的色彩和线条有了全新的理解。这本“录”的价值，在于它将高高在上的艺术创作过程，拉回到了烟火气十足的生活之中，让每一个人都能从中找到共鸣。

评分☆☆☆☆☆

好好好好好好

评分☆☆☆☆☆

可以窥见一些霍克尼的见解，

评分☆☆☆☆☆

书还可以，学习使人进步，我就是爱看书

评分☆☆☆☆☆

包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。包装好，设计好，内容也好。

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评分☆☆☆☆☆

一直喜欢大卫霍克尼的书籍，能了解他的创作思路

评分☆☆☆☆☆

因为这本书渐渐的对往日不喜欢的油画有了兴趣，某种程度上也是一种自学与鉴赏。

评分☆☆☆☆☆

不错，质感挺好的。。。

评分☆☆☆☆☆

京东正版书籍，活动时购买，满意。