欧洲艺术：1700-1830城市经济空前增长时代的视觉艺术史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 马修·克拉斯克 著，彭筠 译

图书标签:

• 欧洲艺术
• 18世纪艺术
• 19世纪艺术
• 洛可可艺术
• 新古典主义艺术
• 浪漫主义艺术
• 城市文化
• 经济史
• 视觉艺术史
• 艺术史

出版社： 上海人民出版社

ISBN：9787208134027

版次：1

商品编码：11835443

品牌：世纪文景

包装：平装

丛书名： 牛津艺术史

开本：16开

出版时间：2016-01-01

用纸：纯质纸

页数：336

字数：272000

正文语种：中文

编辑推荐

　　★“牛津艺术史”系列
　　西方当代前沿、受欢迎的艺术史丛书
　　★抛开陈词滥调的术语，回归历史观看的原点，再现城市经济空前增长时代的欧洲艺术全景
　　18至19世纪的欧洲，经济空前增长，社会激烈变革，城市化进程已使得通向财富和权力的社会途径被不断拓宽。这一时期的欧洲艺术也因此产生翻天覆地的变化，文艺复兴艺术的传统土崩瓦解，代之而起的，是彼此之间迥然相异的艺术形式、风格与情感。面对这样一个复杂动荡的时代，仅仅靠“洛可可”、“新古典主义”和“浪漫主义”这些术语，已不足以阐释出这一时期的艺术发展。《欧洲艺术》作者大胆抛开陈词滥调的术语，将以往浮于作品表面的目光，拉回到历史观看的原点，鲜活展现出在巨大经济与社会变革影响下的欧洲艺术全景。

内容简介

　　18至19世纪的欧洲，经济空前增长，社会激烈变革，城市化进程已使得通向财富和权力的社会途径被不断拓宽。这一时期的欧洲艺术也因此产生翻天覆地的变化，文艺复兴艺术的传统土崩瓦解，代之而起的，是彼此之间迥然相异的艺术形式、风格与情感。
　　视觉艺术成为一种平等交流的媒介，艺术的公众群体范围前所未有地扩大，对于艺术品质标准的争论日趋白热化；艺术家不再只是为了少数人的愉悦而服务，他们寻找着新的创作方式，新的销售方式，以及新的谈论艺术的方式；同时，各地区经济发展的极大差异，也使得艺术作品中的文化态度呈现出惊人的多样性，统一性的“欧洲艺术”已然不复存在。
　　面对这样一个复杂动荡的时代，仅仅靠“洛可可”、“新古典主义”和“浪漫主义”这些术语，已不足以阐释出这一时期的艺术发展。本书作者大胆抛开陈词滥调的术语，将以往浮于作品表面的目光，拉回到历史观看的原点，鲜活展现出在巨大经济与社会变革影响下的欧洲艺术全景。

作者简介

　　马修·克拉斯克（Matthew Craske） 耶鲁大学客座教授，曾任英国国家肖像画廊利弗休姆研究员、剑桥大学邱吉尔学院研究员。

　　彭筠，中央美术学院美术史博士，中央美术学院学报编辑部助理研究员，《世界美术》编辑。主要从事西方美术史与方法论研究，已出版译著有阿·伯·奥利瓦的《马塞尔·杜尚的一生》。

内页插图

精彩书评

　　作者对这一时期的历史问题拥有深刻的洞见，使他得以对这一时期的艺术建立全新的理解框架，本书是一部富于精妙的原创性见解的杰作。

　　——大卫·宾德曼（David Bindman）伦敦大学学院教授

　　这部著作为这一时期的艺术研究注入了新鲜的空气。终于有了这样一部艺术史，能被适切地置于其广泛的历史语境之中。

　　——罗伊·波特（Roy Porter）伦敦大学学院荣休教授

　　令人印象深刻的完备著作，无论对于想要了解18、19世纪欧洲艺术的普通读者还是专业研究者，这本书都提供了易懂的，却是本质性的理解。

　　——理查德·里戈利博士（Dr. Richard Wrigley）牛津布鲁克斯大学

目录

导言
从洛可可到浪漫主义：定义的难题，还是信仰的质疑？
城市化的影响：新的艺术公众、艺术类型、艺术家和理论话语
第一章　超越有用与令人愉悦之人
艺术成为有教养的公众关注的焦点，而且远不止被这些人所关注
艺术名人、艺术失败者与艺术的自我表达：艺术家过多的问题
讨人喜欢的天才与不可羁勒的妖魔
英勇的“创作”之战
从家庭的梦想到梦魇
依靠与尊重的丧失
第二章　“商业与政治将世界连成一体”
普适性“启蒙”文化的希望与威胁
文化特性拥护者的价值化：
民族英雄，“历史的牺牲品”和敢于挑衅的民族艺术家
作为文化同一性手段的公共艺术政策
意大利“大旅行”及“世界主义”理想的实现与落空
第三章　“在欺骗的艺术中找茬，不过是徒劳……”
成为真理的妓女
不同层次的观看：道德短视、淫欲好奇心与深刻洞察力
遭遇“无处不在的”幻像：
魔术灯人、江湖郎中、骗子、变戏法的和炼金士导言
第四章　“自由为先，荣耀其后……”
艺术史的生物学观念进入公众意识
堕落与文化污染
消失的男性气概
北方的崛起
地图
注释
插图目录
参考文献
大事记
译名对照表

精彩书摘

　　文化特性拥护者的价值化：民族英雄，“历史的牺牲品”和敢于挑衅的民族艺术家
　　与当时许多马德里上流人士一样，戈雅也被平民女子“玛哈”（Maja）的文化与华丽衣饰所吸引，一种不受律法约束的、欢乐的街头文化。18 世纪末19 世纪初，整个欧洲上流社会都对平民大众的服饰风格颇为着迷。某种程度上来说，那是一个崇尚无产者时尚的时代。催生这一趋势的一个可能原因是，国际服装贸易的增长以及高级时装在城市中产阶级中日渐普及。在这种情况下，国际风格的威望日益下降。那些想要通过服装风格突显其与小资产阶级天壤之别的人，转而到下层人民的服装中寻找灵感——由于长期被排除于流行消费市场之外，这一阶层反而保留了某种吸引人的地方色彩。
　　18 世纪初，“教养”观念与普世价值联系最为密切，尤其是礼貌、服装、社交才艺，这些素养能使一个人在法国宫廷交际圈中如鱼得水。随着这种才艺形式的普及，必然有可能甚至是更有必要，从其他方面重新界定教养。在某些方面，教养被重新定义为：其行为要遵循某种与民族性格相契的价值观。对外国人心胸狭隘的仇视，绞尽脑汁嘲笑同胞的国际抱负，竟然都被视为一种真正的文明成就。
　　18世纪三四十年代，一场声势浩大的反世界主义的中产阶级运动在英国轰轰烈烈地开展起来，这对艺术史影响重大。大部分报纸读者，都起来响应了这场强烈的排外运动——根据朴素的新教礼仪重新界定教养。直白“不说废话”的观点被接纳，同时被采纳的还有一整套与欧洲大陆天主教宫廷的扭曲礼节对比强烈的新教礼仪。到1730 年代中期，英国“咖啡馆”中的报刊读者——这些先前对艺术一无所知的公众——已经开始呼吁，反对用世界性的眼光评判文艺作品。报纸上也出现了相关文章，比如，近期法国沙龙展的优劣，关于在罗马建立一个英国学院的建议，以及近来法国艺术批评领域的流行理论。
　　不过，其中相当大比例的公众，压根不愿学习那些国际化上流鉴赏家言辞激昂的批评“行话”（讽刺的是，“jargon”这个法国词，正是那时加入词汇表的）。由记者精心策划的媒体论战，与1730 年代中期以荷加斯为首的圣马丁巷美术学院有很大关系，这说明了一个事实，“坦白地说”，许多英国报刊读者并不相信国际鉴赏家佯装斯文的感叹。［23］报纸上发表了系列文章，抨击那些在伦敦工作的意大利艺术家，其中彼得罗· 阿米戈尼（Pietro Amiconi）尤其首当其冲。大致可以猜到，雇佣这些艺术家的贵族也同样受到抨击。
　　1737 年，荷加斯用笔名“Britophil”给报社写了一封公开信，成为第一个借着给媒体写公开信的方式影响艺术市场的英国艺术家。他告诫购买艺术的公众，千万不要效法那些自命不凡的国际鉴赏家的趣味，他们所崇尚的是欧洲大陆天主教画家早已过时的视觉修辞。欧洲第一次有组织地反对艺术市场中的世界性文化的公众运动，由此正式拉开帷幕。这场运动直到1750 年代末还在继续，荷加斯甚至表示，他之所以出版《美的分析》（Analysis of Beauty）一书，就是为了表明，并非只有“读万卷书、行万里路之人”，才能深入理解艺术的原则。他在书中辩称：“你会发现，比起在欧洲匆忙旅行时对所见之物的一知半解，对某些个中事物的精通与深解，更可能让你受益。”
　　正如杰拉尔德·纽曼（Gerald Newman）指出的，只有将这场排外运动，置于当时资产阶级民族运动不断发展壮大的广阔历史语境中，才能真正理解运动的实质。运动一开始，伦敦大部分公众都相信，形形色色“败坏道德”的外来事物毒害了社会风气。意大利流浪艺人、杜松子酒、法国舞蹈教师和意大利阉伶，都成了国家隐患的替罪羊。荷加斯当然明白，这场排外运动如果持续发酵，引发更大骚乱，会给自己的艺术生涯带来好处。他努力在道德版画中直白地抨击外来事物。比如，在1735 年的《浪子生涯》组画（Rake’s Progress）第二幅中，他描绘了浪子正滑向更深的道德险境，陪在其左右的正是一群意大利乐师和一名法国击剑教练。十年后，在《时髦婚姻》组画（Marriage à la mode，1745 年）中，我们又目睹了一桩时髦婚姻，如何在成堆的进口奢侈品和外国商品中支离破碎。在这对夫妇的时髦居所中，法式家具和服装仿若舞台道具般环绕四周，却难掩夫妻关系的名存实亡。房中悬挂的外国绘画太多，其中一幅如此下流，不得不藏于窗帘背后，凸显出主人公已完全迷失了道德方向。
　　荷加斯无疑是一位新式艺术家，诚如他所渴望的那样。他是第一位尝试以一种有组织的方式，从民族身份角度确立自身公共艺术形象的欧洲艺术家。荷加斯深感这一民族身份倍受威胁，而自己作为其捍卫者，也陷入重重困境之中，他那幅最有名的自画像，也反映出此种情绪。这幅版画自画像是荷加斯以1745 年的一幅自画像［图40］为原型创作的，画中还有那只叫“特朗普”的狗。这只体格小却好斗的英国犬，象征着荷加斯本人，同时也成为某种好战十足的英国独立品格的象征。荷加斯这幅自画像中的形象，仿佛让人看到了报纸上那个言辞坚定的“Britophil”。
　　此画表明，艺术家对国家与地区身份的态度，发生了重大转变。国际艺术收藏途径不断拓宽，欧洲各地的版画在市场上广泛流通，使得18世纪哪怕最藉藉无名的艺术家，也可以拥有一种世界性的视觉想象力。这种情形，加之地方作坊这一培养传统的衰落，使得社会环境在整体上逐渐不利于独特地方风格作品的自然产生。因此，随着民族身份诉求强烈的政治运动轰轰烈烈地展开，越来越亟需重新创造或彻底重建国家和地区艺术风格。究竟成为哪个国家或地区的艺术家，开始取决于艺术家的个人选择，不再由家庭出身决定。选择走这条路的人，往往本着一种战斗到底的决心——如战士一般，在这场必败的战斗中，对抗国际消费主义造成的社会萎靡之风，以及世界艺术市场的堕落影响。
　　荷加斯在《画家与狗》（The Painter and his Pug）中表达的立场，某种程度上仿佛预言了后来那些改变艺术史进程的运动。这也为阿姆斯勒在纪念版画中刻画卡尔· 福尔［图34］的怒目而视，并骄傲地题上“绘架星座海德堡”（Pictor Heidelberg），埋下了伏笔。阿姆斯勒的肖像完成于1818 年，当时欧洲艺术文化整体上更倾向于将艺术家视为一个愤怒、精神独立的边缘化事业的捍卫者。这些艺术家对组织化的艺术体制及中产阶级消费价值观敬而远之，更热衷于英勇捍卫那些饱受威胁的文化。作为社会“局外人”，艺术家总是第一时间对官方政策铁拳下或现代消费大潮中岌岌可危的文化事业，产生某种认同感。
　　……

前言/序言

欧洲艺术史：跨越中世纪的视觉篇章 导言：穿越时空的艺术之旅 本书将带领读者深入欧洲艺术史的长河，探索从史前时代到近现代的漫长演变历程。我们将聚焦于那些塑造了西方文明面貌的艺术运动、杰出艺术家及其不朽之作，而非特定时间段内特定主题的聚焦。这是一部旨在提供宏观视野的艺术通史，旨在为读者构建一个清晰、全面的欧洲艺术图景。 第一部分：起源与奠基——史前、古代与古典艺术的辉煌 本部分将追溯艺术的最初萌芽。我们将从欧洲大地上发现的史前洞穴壁画，如拉斯科洞窟的动物形象，探讨人类早期对世界进行符号化表达的尝试。随后，我们将目光投向古代文明——美索不达米亚和古埃及对纪念碑式建筑和雕塑的贡献，这些作品不仅体现了早期的工程技术，更承载了深厚的宗教与王权观念。 重点将放在古希腊和古罗马艺术的巅峰成就。希腊人对“理想美”的追求，在雕塑中达到了极致——从古风时期的僵硬到古典时期的和谐与平衡，再到希腊化时期的情感张力。我们不会探讨18世纪初的城市经济背景，而是着重于帕特农神庙的建筑秩序与哲学思想的统一。罗马艺术则展现了其强大的实用性与帝国精神，从宏伟的公共工程如万神殿，到记录历史的纪念碑和精湛的肖像雕塑，无不彰显着罗马的统治力与工程智慧。 第二部分：信仰的图景——中世纪的艺术与精神世界 中世纪的艺术是与基督教信仰紧密交织的产物。我们将全面考察这一时期，不再关注特定世纪的经济驱动力，而是深入理解艺术如何服务于教会的教义传播。 早期的基督教艺术，从地下墓穴的壁画到拜占庭帝国在君士坦丁堡的辉煌，奠定了以象征和神圣化为核心的视觉语言。罗马式艺术以其厚重的墙体、半圆拱和丰富的浮雕装饰，构建了坚固的“上帝之城”的形象。 随后，哥特式艺术的崛起标志着对光线和垂直高度的极致追求。我们将详细分析宏伟的大教堂，如圣但尼和沙特尔，它们如何通过高耸的拱顶、飞扶壁和绚丽的彩色玻璃窗，试图将信徒的目光引向上帝，创造出一种超越尘世的“天堂体验”。我们也会触及手抄本插图和雕塑艺术的演变，它们在服务于宗教叙事的同时，也逐渐回归对自然形态的观察。 第三部分：人文的觉醒——文艺复兴的艺术革命 文艺复兴时期是欧洲艺术史上一次彻底的转折点，核心在于“人”的价值的重新发现。本部分将系统梳理意大利文艺复兴，从佛罗伦萨的早期探索到盛期的巅峰。 我们将分析透视法的发明及其对空间再现的革命性影响，以及对古典人体解剖学的重新学习。从马萨乔对深度和体积感的把握，到达芬奇对科学观察和艺术表达的完美结合（如《最后的晚餐》中的构图与情感），再到米开朗基罗对人类形体力量的赞颂（如西斯廷教堂的天顶画和雕塑《大卫》）。 此外，威尼斯画派的色彩运用、北方文艺复兴（如扬·凡·艾克的油画技法）的细腻写实，都将得到独立且深入的探讨。我们关注的是艺术观念的转变——艺术家地位的提升，以及艺术品如何从单纯的宗教工具转变为世俗精英品味与学识的象征。 第四部分：动荡与对比——巴洛克与洛可可的戏剧性 巴洛克艺术是欧洲动荡、冲突与宗教复兴（反宗教改革）情绪的视觉体现。本章将聚焦于其戏剧性的光影对比（明暗对照法）、强烈的运动感和情感的直接冲击力。 我们将考察卡拉瓦乔的现实主义和深刻的人性描绘，贝尼尼雕塑中捕捉到的瞬间的永恒感（如《圣特蕾莎的狂喜》），以及鲁本斯作品中爆发性的生命力和丰腴的造型。在西班牙和佛兰德斯，宗教热情与宫廷需求的结合催生了如委拉斯开兹和伦勃朗这样的巨匠，后者对内心世界的探索和光线的驾驭达到了前所未有的高度。 洛可可风格则代表了对巴洛克宏大叙事的退却，转而追求私密性、精致的感官愉悦和贵族沙龙的轻盈氛围。我们会分析其柔和的色调、蜿蜒的曲线以及对田园牧歌式场景的偏爱，但这部分内容将不涉及18世纪初的特定经济扩张背景。 第五部分：理性的回归与情感的爆发——从新古典主义到浪漫主义 本部分将探讨18世纪后期至19世纪上半叶的艺术思潮。我们将详尽分析新古典主义如何作为对洛可可过度装饰的反叛，重新拾起古希腊罗马的理性、清晰的线条和崇高的道德主题。雅克-路易·大卫的作品是这一时期政治与道德理想的完美载体。 紧随其后的是浪漫主义的兴起，它将情感、想象力、自然的力量和异国情调置于理性至上的地位。我们将探讨浪漫主义画家如何通过强烈的色彩、动态的构图和对人类非理性冲动的描绘来震撼观众，如戈雅对人类黑暗面的揭示、德拉克洛瓦对色彩的解放性运用，以及透纳和康斯特勃对大气和风景的诗意捕捉。 结论：通向现代艺术的桥梁 本书的收尾将简要回顾上述主要阶段的艺术遗产，并将欧洲艺术史导向19世纪中叶的变革，为后续对印象派及现代艺术的探索做好铺垫。这是一部关于形式、技法、主题和精神演变的全景式论述。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的学术深度是令人敬畏的，但它绝非故作高深的象牙塔之作。作者的文笔老辣而富有洞察力，尤其擅长于将那些看似毫不相关的文化碎片，通过精巧的论证缝合在一起，形成一个令人信服的宏大叙事。我特别欣赏他对于“艺术赞助的权力转移”这一主题的探讨，那种从宫廷御用画家到独立工作室的转变过程，被描述得如同地缘政治格局的变化一样跌宕起伏。他没有简单地将这段时期的艺术归结为新古典主义或早期浪漫主义的简单二分法，而是深入挖掘了不同城市——比如罗马的学院派、巴黎的沙龙、伦敦的皇家艺术学院——之间微妙的权力竞争和风格渗透。这种多中心视角的构建，极大地丰富了我对18世纪末期欧洲文化地理的认知，打破了我过去那种“艺术中心只有一个”的僵化思维。每一章节都像是一个精心设计的迷宫，引导你不断探索隐藏在华丽画作背后的社会机制。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这部作品的学术积累之深厚，足以让任何严肃的艺术史研究者感到兴奋，但它的魅力远不止于此，它成功地将一幅关于“过渡时代”的社会心理图景徐徐展开。作者对于“审美的政治化”的阐释尤其深刻，他剖析了理性、自然与美德这些启蒙口号是如何被艺术媒介高效地转化为一种可供消费的政治符号，尤其是在法国大革命前夜的视觉宣传中，这种技巧达到了炉火纯青的地步。书中对“图像疲劳”现象的讨论也极具前瞻性，探讨了在信息爆炸的早期城市环境中，视觉符号如何迅速贬值，迫使艺术家不得不寻求更极端或更亲密的表达方式来抓住观众的注意力。这种对视觉文化生态系统动态变化的关注，使得这本书超越了单纯的美术鉴赏，而更像是一部关于人类如何认知和操纵世界的历史。读完后，我感觉自己对那个时代的人们是如何在“进步的激情”和“旧秩序的残余”之间进行艰难权衡，有了更加细腻和立体的理解。

评分☆☆☆☆☆

这部著作给我带来了极大的震撼，它所呈现出的18世纪欧洲社会图景，远比教科书上那种刻板的、只关注宏大叙事的历史要鲜活得多。作者对于城市经济腾飞这一背景的铺陈，简直就是一幅细节满满的社会风俗画。我特别欣赏他对新兴资产阶级赞助人如何影响艺术风格转向的精妙分析，那种从艺术品市场供需关系折射出的时代精神，着实引人入胜。例如，书中对特定时期室内装饰和小型肖像画流行趋势的解读，不再是简单地归因于“品味变化”，而是深入挖掘了财富流动、消费主义萌芽与艺术媒介之间的共生关系。那种强调“视觉文化”而非仅仅“艺术史”的视角，使得阅读体验远超传统艺术史书籍的范畴，它更像是一部关于物质文化与社会心理演变的时空报告。我感觉自己不再是旁观者，而是亲身站在那个烟囱林立、咖啡馆人声鼎沸的城市广场上，观察着那些刚刚富裕起来的人们是如何通过他们的视觉消费来构建自我身份的。这本书成功地将经济学的冷峻分析与艺术审美的热烈表达熔于一炉。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是学习历史，不如说是一场与那个时代最尖锐的知识分子的对话。叙事的节奏感把握得极佳，从开篇对启蒙运动后期理性思潮与巴洛克晚期奢靡遗风的碰撞进行铺垫，到中段对新古典主义如何被用来构建政治合法性的深入剖析，逻辑链条清晰而又充满张力。最让我拍案叫绝的是，作者对“公共领域”和“私人领域”视觉表达差异的细致区分。比如，他如何揭示在沙龙中展现的矫饰与在私人信件中流露的真实情感之间的巨大鸿沟。这不仅仅是风格的对立，更是社会角色扮演的体现。而且，书中对新兴的版画和插图媒介的论述，让我意识到在那个“印刷品爆炸”的时代，艺术的传播速度和广度是如何彻底颠覆了以往精英阶层的垄断。那种信息快速扩散带来的社会焦虑与兴奋，被作者用极其精准的学术语言捕捉并呈现了出来，读后让人不得不重新审视我们今天所处的媒介环境，历史的幽灵似乎从未远去。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角处理得非常巧妙，它没有沉湎于对古典主义的复兴或对浪漫主义的滥情渲染，而是将焦点牢牢锁定在“城市化进程”对视觉体验的重塑上。作者对1750年前后，随着城市人口的膨胀和中产阶级的崛起，艺术品的功能性是如何从“宣示神圣权威”转向“彰显个人教养”这一转变的论述，提供了全新的解读框架。他非常擅长于从建筑、家具设计到微小的装饰品中寻找那些具有时代特征的“微观线索”，并将其与宏观的经济数据进行交叉验证，这种跨学科的严谨性令人印象深刻。我尤其喜欢其中关于“旅欧见闻录”中视觉描述如何影响国内艺术品味的章节，它揭示了一种双向的文化流动：一方面，欧洲新兴的旅游业催生了对异域或古老遗迹的渴望；另一方面，这些见闻反过来塑造了本土艺术家的创作方向。阅读过程中，我的思绪不断地在现实的街道和画布上的描绘之间穿梭，历史的厚重感油然而生。

评分☆☆☆☆☆

很好。

评分☆☆☆☆☆

不太常见这一段的研究

评分☆☆☆☆☆

这套书内容不错，大部分翻译得太烂，不用心。这本翻译是相对不错的一本。

评分☆☆☆☆☆

学习历史，图文并茂。值得一看

评分☆☆☆☆☆

值得推荐的一本书。

评分☆☆☆☆☆

很好看，翻译得很好，我爱看

评分☆☆☆☆☆

书挺不错，值得购买。

评分☆☆☆☆☆

牛津艺术史的《欧洲艺术》对1700-1830欧洲城市兴起年代艺术的观察视角独特。

评分☆☆☆☆☆

书挺不错，值得购买。