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九妹著 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549593323

商品编码：11900839918

出版时间：2017-02-01

作  者:九妹 著 定  价:45 出 版 社:广西师范大学出版社 出版日期:2017年02月01日 页  数:230 装  帧:线装 ISBN:9787549593323 ●柳月：西河柳花
●花月：青藤老人
●桃月：东瀛桃源
●梅月：禅僧牧溪
●蒲月：寂寥冬心
●荷月：八大山人
●兰月：板桥先生
●桂月：潇湘水云
●菊月：苦瓜老人
●阳月：阳春白雪
●葭月：花之寺僧
●腊月：梅花三弄
●跋：碗米坡的九妹

内容简介

本书名为《古画之美》，内容却不仅仅局限于古画。就像序者所言，作者九妹始终是以作家的身份在写作，关于故乡，关于历史，关于文学，关于生活，关于写作，关于书画……这一切都以一种奇妙的方式糅合进本书中。明明是文字，读起来却像一幅用墨笔渲染的画；而一提起书画，历史与人物又穿越时空隧道来到你的面前，带着或浓或淡的情感。因此，这本书又写故事，谈历史，忆人物，追古今。 九妹 著 九妹，湘西女子。案上新诗翻醉墨，梦中昨夜到边城。 不负我心    九妹是一位作家，但艺术，尤其是书画，对她似乎有着更特别的吸引力。    于是，比起上一本《叠梦》来，她虽然依旧写花写草，却因为与书画的关系，这花这草仿佛像画一样，是用笔墨写出的：有的风格像郑板桥，有的风格像金冬心。即使她看梅花、看荷花、看桃花，也不是“植物学”甚或“文学”化地看，而是“笔墨”化地看，于是，除了桃花、荷花，我们还可以看到柳如是或方婉仪，这花这草里就多了许多许多故事。    虽然，她原来也是这样。比如她看到古乾州的梅花，会想到她15岁时在凤凰听涛山沈从文墓地次看到梅花开始，就无法拒绝花开时的思念，而且会唤起久远的回忆。如今，这回忆延展到过去，一直到三百年前、四百年前、五百年前，甚至更久远！    原来，她等

《千年丹青：中国绘画艺术的演进与辉煌》 本书是一部关于中国绘画艺术的深度探索，它不拘泥于某一特定的绘画技法或流派，而是以时间为轴线，勾勒出中国绘画自远古萌芽直至近代发展的宏伟画卷。我们旨在揭示中国绘画数千年间在审美观念、表现形式、哲学思想以及社会功能等方面的演变与传承，展现其独有的艺术魅力与文化底蕴。 引言：笔墨之间，千载流芳 中国绘画，是一门古老而充满活力的艺术。它不仅仅是色彩与线条的组合，更是中国哲学思想、人文精神、自然观照的生动载体。从原始社会的彩陶纹饰，到汉唐盛世的壁画与人物画，再到宋元山水的极致追求，以及明清文人画的意趣盎然，每一幅传世之作都凝聚着创作者的生命体验与时代印记。本书将带领读者穿越时空，领略中国绘画的千年风华，理解其“以形写神”的独特艺术追求，以及“天人合一”的哲学意境。 第一章：源起与初探（史前至汉代） 本章将追溯中国绘画的起源，探讨史前时期岩画、陶器纹饰中所蕴含的原始艺术意识。继而，我们将目光聚焦于楚汉时期的帛画、壁画，分析其早期的人物形象塑造、叙事功能以及神秘主义色彩。汉代的画像石、画像砖，则以其朴拙的艺术风格和生动的现实主义精神，展现了当时社会生活的方方面面，为我们理解早期中国绘画的母题与表现手法提供了宝贵的资料。我们将深入探讨这些早期作品的材料运用、构图方式，以及它们如何反映了当时的宗教信仰、政治意识与生活习俗。 第二章：辉煌的奠基（魏晋南北朝至隋唐） 魏晋南北朝时期，是中国绘画走向自觉与成熟的关键时期。“以形写神”的艺术理论初步形成，人物画开始注重刻画人物的内在精神气质。顾恺之、陆探微、张僧繇等大师的作品，虽然多已散佚，但其艺术精神却对后世产生了深远影响。本书将通过对文献记载和传世作品（如《洛神赋图》的摹本）的分析，解读这一时期人物画的风格特点和审美取向。 隋唐是中国绘画的鼎盛时期，气象恢宏，风格多样。佛教艺术的兴盛催生了大量精美的寺院壁画，如敦煌壁画，它们集叙事、装饰、宗教教化于一体，展现了中外文化交流的成果。人物画方面，阎立本、吴道子等名家各树一帜，前者精于写实，后者以“吴带当风”的线条勾勒出飘逸洒脱的人物形象。山水画的早期发展，如李思训、李昭道的金碧山水，也为后来的山水画奠定了基础。本章将详细剖析这一时期绘画在题材、技法、构图、色彩等方面的革新与成就。 第三章：意境的深邃（宋元） 宋代是中国绘画史上的又一高峰，尤其在山水画和花鸟画方面取得了辉煌的成就。宋代山水画注重写实与写意相结合，追求“可行、可望、可游、可居”的理想山水境界。范宽、郭熙、李唐、马远、夏圭等大家，以其对自然细致入微的观察和深刻的理解，创作出一幅幅气势磅礴、意境悠远的杰作。本书将重点分析宋代山水画的“全景山水”与“折枝山水”的特点，以及“理”与“趣”在宋画中的体现。 花鸟画在宋代也达到了新的高度，赵昌、黄筌、徐熙等名家，以其对自然界花鸟草虫的细致描绘，展现了生命的灵动与自然的和谐。同时，文人画的兴起，将绘画的创作从宫廷与民间推向士大夫阶层，强调“士气”与“逸格”。 元代绘画在继承宋代传统的基础上，更加强调笔墨情趣与个人抒发。赵孟頫提倡复古，融合南北画派，为后世山水画的发展开辟了新的道路。而“元四家”（黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇）则以其独特的笔墨语言和高洁的品格，将中国山水画推向了新的艺术境界。本书将深入探讨宋元时期绘画在哲学观念、美学追求以及笔墨技法上的深化与发展。 第四章：雅趣的品格（明清） 明清时期，中国绘画在继承前代成就的基础上，呈现出更加多元化的发展趋势。文人画在这一时期得到了进一步的发展，形成了众多流派和风格。如明代的浙派、吴门画派，以及清代的扬州八怪等，都在题材、技法、审美趣味上展现出各自的特色。 山水画方面，沈周、文徵明、董其昌等大家，在继承传统的同时，形成了自己独特的风格。“新安画派”等地域性画派的崛起，也丰富了山水画的内涵。花鸟画方面，陈淳、徐渭、八大山人等，以其奔放的笔墨和强烈的个人情感，赋予花鸟画新的生命力。人物画方面，虽然不如唐宋时期辉煌，但陈老莲等人的作品，以其奇崛的造型和深邃的思想，仍具有重要的艺术价值。 本书将重点分析明清时期绘画在“雅趣”的追求，以及文人画在艺术表达上的自由度与个性化发展。同时，也将探讨这一时期绘画在商品经济发展背景下的市场化倾向，以及对海外绘画的影响。 第五章：传承与变奏（近现代） 进入近现代，中国绘画面临着前所未有的挑战与机遇。西方绘画的传入，冲击了中国传统的绘画观念与技法。然而，在危机中也孕育着新的生机。一批有识之士，如任伯年、吴昌硕、齐白石等，在继承中国传统绘画精髓的基础上，积极吸收西方绘画的养分，创造出既有民族特色又具时代精神的新画风。 本书将梳理近现代中国绘画在技法、题材、观念上的革新与融合，分析写实主义、印象派等西方绘画思潮对中国画坛的影响，以及中国画在应对时代变迁中如何保持其艺术生命力。我们将探讨“中西融合”的探索，以及当代中国画的发展走向，展现中国绘画在新的时代背景下焕发出的勃勃生机。 结语：墨韵新生，永恒之光 《千年丹青：中国绘画艺术的演进与辉煌》旨在通过对中国绘画史的梳理与解读，让读者深刻理解中国绘画作为一种独特的艺术形式，是如何在数千年的历史长河中不断发展、演变，并始终保持其强大的生命力。它不仅是物质文明的结晶，更是中华民族精神气质的凝聚。通过本书，我们希望读者能够体悟中国绘画的深厚文化内涵，欣赏其独特的艺术语言，并从中获得启迪与感悟。中国绘画的墨韵，将继续在新时代的光辉中，绽放出更加璀璨的艺术之光。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的叙事方式简直太吸引人了！我之前认为艺术史的书籍可能会比较沉闷，但这本书完全颠覆了我的认知。作者仿佛是一位讲故事的高手，他将每一幅画作都变成了一个鲜活的故事，有曲折的情节，有鲜明的人物，有深刻的情感。他不仅讲述了画作的创作过程，还挖掘了画家的人生故事，以及画作在历史长河中的命运。读到关于顾恺之《洛神赋图》的章节时，我仿佛能感受到他内心对洛神那种复杂而又深沉的情感，那种“骨气”、“神韵”的追求，远超出了简单的色彩与线条。书中对佛教绘画的解读也让我印象深刻，那些庄严而又慈祥的佛像，背后蕴含的不仅仅是信仰，更是古代艺术家们对宇宙、对人生的深刻思考。作者的文字非常有感染力，读到动情处，甚至会让人产生一种与古人对话的感觉。这本书让我明白，艺术从来不是孤立存在的，它与时代、与人心紧密相连，是理解历史、理解文化的重要窗口。

评分☆☆☆☆☆

这本书就像一位知识渊博的导游，带领我穿越时空，领略中国古代绘画的璀璨星河。作者对每一幅画作的解读都极富洞察力，他不仅仅描述了画面的元素，更深入挖掘了其背后的历史背景、文化寓意以及画家精湛的技艺。例如，书中对《清明上河图》的分析，我之前只是泛泛地欣赏其热闹非凡的市井景象，读完这本书，我才真正理解了画中人物的身份、他们的生活状态，以及这幅画作为一部“流动历史文献”的巨大价值。作者对笔墨、色彩、构图的讲解，也让我这个绘画领域的门外汉茅塞顿开，原来那些看似随意的线条，背后蕴含着如此深厚的功力与巧思。我尤其喜欢书中对古代文人画的解读，那种超然物外、寄情山水的意境，仿佛能让我暂时逃离现实的喧嚣，沉浸在宁静致远的东方美学之中。这本书的语言风格温润如玉，读起来丝毫没有学术论文的枯燥感，反而像是与一位老朋友在品茗论画，畅谈古今。我迫不及待地想翻到下一页，继续这段美妙的艺术之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书为我打开了一扇通往古代中国艺术殿堂的大门，让我得以窥见其中令人惊叹的辉煌。它的独特之处在于，它并没有仅仅罗列图画和文字，而是以一种更加互动、更加引人入胜的方式，将读者带入到艺术创作的语境中。作者不仅仅是知识的传授者，更是引导者，他鼓励读者去观察、去思考、去感受。例如，书中关于《五牛图》的分析，让我不再仅仅看到几头牛，而是感受到了韩滉笔下那种生命的律动，那种朴实而又充满力量的美。作者对画幅的尺寸、装裱的方式，乃至当时的绘画工具的介绍，都让我对古代绘画的制作有了更直观的了解。我最欣赏的是，书中并没有回避古代绘画中的一些争议和不足，而是以一种客观、公正的态度进行评述，这反而让我对古代艺术有了更加全面、立体的认识。这本书读完后，你会觉得自己的眼界被大大拓宽了，看待艺术的视角也变得更加多元和深刻。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我感觉“相见恨晚”的书。在阅读之前，我总以为自己对中国古代绘画已经有所了解，但这本书让我意识到，那只是冰山一角。作者的专业知识毋庸置疑，但更难能可贵的是，他将那些高深的艺术理论，用一种极为浅显易懂、生动形象的方式呈现出来。书中对不同绘画风格的对比分析，让我能够清晰地分辨出宋代山水的细腻写实，与元代文人画的写意洒脱之间的差异。我尤其喜欢书中关于“留白”艺术的讲解，它让我明白了在中国画中，“无”比“有”更能引起无限的遐想，这种东方特有的含蓄与意境，在西方艺术中是很难找到的。作者对中国古代绘画的分类，从人物、山水、花鸟到文人画，都有详尽的阐述，让我对整个古代绘画体系有了更清晰的认识。这本书的价值，不仅仅在于知识的获取，更在于它能够潜移默化地提升你的审美能力，让你在欣赏任何艺术作品时，都能拥有更敏锐的洞察力和更深刻的理解。

评分☆☆☆☆☆

这简直是一场视觉与思想的双重盛宴！我一直对中国古代艺术抱有浓厚的兴趣，但总觉得在理解深度上有所欠缺，直到遇到这本书。它没有流于表面的赞美，而是用一种极其细腻、严谨的笔触，剖析了不同朝代、不同流派的绘画特点。书中的案例选取非常独到，那些我曾忽略的细节，在作者的笔下被放大、被解读，让我看到了前所未有的图景。比如，书中对山水画中“皴法”的详尽讲解，让我明白为什么每一座山峰、每一片云霭都有其独特的“皮肤纹理”，这不仅仅是技巧，更是一种对自然形态的深刻体悟。作者对书法与绘画关系的阐述也让我耳目一新，原来那些遒劲的笔力，是如何在画面中赋予生命力的。读这本书，我感觉自己仿佛置身于画家的工作室，亲眼见证一幅幅杰作的诞生。那些古老的技法、传承的理念，在现代的语境下被重新阐释，让我对中国文化的博大精深有了更深层次的认识。这本书不仅仅是关于绘画，更是关于一种生活态度，一种精神追求。