新媒体演艺灯光设计 [Stage Lighting Design for New Media] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵彤 著

图书标签:

• 舞台灯光
• 新媒体艺术
• 演艺工程
• 灯光设计
• 数字媒体
• 视觉艺术
• 舞台技术
• 照明工程
• 艺术设计
• 技术美学

出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787565714993

版次：1

商品编码：11928567

包装：平装

丛书名： 视听传播专业丛书

外文名称：Stage Lighting Design for New Media

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：215

正文语种：中文

内容简介

　　《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。

目录

第一章 新媒体演艺灯光概论
第一节 什么是新媒体艺术
第二节 新媒体演出艺术
第三节 新媒体演艺灯光

第二章 光与色彩
第一节 可见光
第二节 光的色彩
第三节 光色与物色
第四节 视觉
第五节 色彩心理学

第三章 光的空间
第一节 单一角色的布光方式
第二节 演出的空间
第三节 剧场灯位系统

第四章 光源
第一节 光的度量基础
第二节 演艺照明光源的发展
第三节 演艺照明光源的结构及特性

第五章 演艺灯具介绍
第一节 演艺灯具的主要功能
第二节 灯具的光学系统
第三节 演艺常规灯具
第四节 演艺电脑灯具
第五节 演艺LED灯具
第六节 舞台追光灯
第七节 其他灯具辅助设备

第六章 投影
第一节 投影的媒介与方式
第二节 投影技术
第三节 投影设备
第四节 新兴投影技术的发展与应用

第七章 演艺灯光控制
第一节 灯光控制发展概况
第二节 灯光控制系统构架
第三节 调光台

第八章 演艺灯光设计
第一节 演艺灯光的设计
第二节 演艺灯光的设计流程
第三节 不同演出形式中演艺灯光的设计应用

结语
参考文献

舞台灯光设计概论：从传统剧场到数字融合的视觉艺术 图书简介 本著作旨在为舞台艺术领域的从业者、灯光设计师、舞台技术人员，以及对视觉艺术与技术交叉领域感兴趣的读者，提供一套系统、深入且富有实践指导意义的知识框架。本书聚焦于舞台灯光设计在传统戏剧、音乐会、歌剧、舞蹈等核心领域的理论基础、技术应用与艺术表达，同时辅以对现代舞台技术发展趋势的客观梳理，但明确不涵盖任何关于“新媒体”技术（如沉浸式体验、AR/VR集成、实时生成内容或基于传感器/互动反馈的灯光系统）的具体设计方法、案例分析或技术详解。 本书将舞台灯光设计视为一门综合性的艺术与技术学科，它不仅关乎照明的物理原理，更承载着叙事、氛围营造和情感传达的核心使命。 第一部分：灯光设计的艺术原理与美学基础 本部分深入探讨灯光作为舞台视觉语言的本质，着重于经典美学原则在剧场环境中的转化与应用。 第一章：光线的物理学与光学基础 本章首先回顾了人眼对光的感知机制，包括光度学（Luminance, Illuminance）与色度学（Chromaticity）的基本概念。详细分析了不同类型光源（如白炽灯、HMI、卤素灯、LED灯具的早期应用）的光谱特性、显色指数（CRI）的重要性及其对舞台色彩再现的影响。重点解析了光学器件——透镜、反射器、滤色片——的工作原理，如何通过几何光学原理实现光束的塑形、聚焦与扩散。本章的重点在于建立对“光”这一媒介的精确、科学的认知，而非探讨其在数字系统中的编程控制。 第二章：色彩理论在舞台上的应用 色彩是舞台灯光表达情感和划分时空的关键元素。本章基于减色法与加色法理论，系统阐述了舞台照明中的色彩混合原理。深入研究了色彩心理学，分析了暖色调、冷色调、高饱和度与低饱和度色彩在不同戏剧类型（如悲剧、喜剧、历史剧）中所传达的情感倾向。详细介绍了传统滤色片（如Rosco、Lee标准色号）的物理特性、色彩衰减规律以及在多色光叠加时产生的视觉效果，强调了对标准色谱的精确掌握，而非依赖于数字调色系统。 第三章：形态、空间与结构 灯光设计是塑造舞台空间的隐形雕塑家。本章探讨了如何利用光线的角度、强度和密度来定义和改变舞台的物理空间。内容包括： 角度的影响： 分析了正面光、侧光（塑造体积感）、顶光（强调纵深或形成“上帝之光”）对演员形象和空间层次的决定性作用。 纹理与图案： 详细介绍了使用Gobo（模板）来模拟自然光线（如树影、窗棂）或抽象纹理的方法，强调其在创造视觉焦点和环境细节上的传统应用。 层次构建： 如何通过主光、辅光、背景光和轮廓光（Kick Light）的有效配合，分离前景主体与背景元素，增强画面的立体感和叙事焦点。 第二部分：剧场实践与设计流程 本部分侧重于将理论转化为可执行的设计方案，强调传统剧场制作中设计者与技术团队的协作流程。 第四章：剧本分析与概念发展 优秀的设计源于对文本的深刻理解。本章指导读者如何进行结构化的剧本分析，识别叙事中的关键转折点、情绪高潮和场景转换。探讨了如何从剧本的主题、时代背景和导演意图出发，发展出统一的“灯光概念”（Lighting Concept），并将其转化为可量化的技术指标。强调设计师在初期草图、故事板（Storyboarding）中的表现手法，这些是视觉表达的基础，与后续的数字控制无关。 第五章：灯位图、回路与设备清单的绘制 本章专注于灯光设计的技术文件准备，这是传统制作中至关重要的一环。详细讲解了标准化的舞台图纸符号，如何精确绘制灯位图（Lighiting Plot），标记灯具型号、投射角度和焦距。阐述了回路分配的逻辑，确保安全和功能性的电力负荷分配。此外，还包括设备清单（Fixture Schedule）的编制，精确列出所需灯具的数量、位置和基本功能要求，所有内容均基于实体硬件的部署和连接。 第六章：对焦、编程与联排的传统工作流 本章详细描述了剧场技术流程中“对焦”（Focusing）环节的重要性。强调了现场调试灯光、确定精确光斑和光强度的手工操作过程，以及如何与舞台监督紧密合作。讨论了早期的调光台（Dimmer Board）的操作逻辑，如何通过物理推子和记忆库（Cues）来记录和执行精确的场景切换，所有操作均基于对实时视觉效果的即时反馈，不涉及对计算机软件的复杂预编程或时间码同步。 第三部分：经典剧场类型的灯光处理 本部分针对几种主要的舞台艺术形式，阐述其独特的灯光需求和传统解决方案。 第七章：戏剧与叙事性灯光 戏剧灯光的核心在于服务叙事。本章侧重于如何运用灯光来暗示时间流逝（如日出、黄昏）、天气变化（雨、雾的模拟）以及角色的内心状态。分析了固定灯具组合（Hard Patching）在保证场景连贯性中的作用，以及如何使用较少的灯具资源创造出丰富的视觉层次和戏剧张力。 第八章：音乐会与高亮度照明 针对现场音乐表演，本章讨论了对高强度、高动态范围照明的需求。分析了如何使用强光束灯具（如早期的大功率面光灯和追光灯）来突出表演者的能量和舞台的规模感。重点在于舞台气氛的快速转换和对观众群体的直接影响，而非复杂的图像生成或互动效果。 第九章：歌剧与舞蹈的特殊要求 歌剧和舞蹈对灯光的纯净度和均匀度要求极高。本章探讨了如何利用柔和的边缘光和精确的颜色过渡来维护舞者或歌唱家的身体线条和服装细节。分析了大型歌剧布景中的灯光层次管理，以及如何在不干扰主要表演元素的前提下，利用背景光创造宏大和深远的视觉空间。 总结 本书旨在巩固读者对舞台灯光设计的核心——即光线物理、色彩理论、空间塑造以及经典制作流程——的深刻理解。它提供了一套坚实的基础，使设计者能够在一个完全由实体硬件和手工操作构成的环境中，创作出具有持久艺术生命力的视觉作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事逻辑有一种让人欲罢不能的跳跃感，它不是那种循规蹈矩的教科书，更像是一位资深灯光设计师在深夜里，一边喝着浓缩咖啡，一边向你倾诉他跨界创作时的兴奋与困惑。特别是在讨论“虚拟现实与增强现实在现场演出中的应用边界”那几章，作者的文字充满了哲学思辨的味道。他反复强调，在数字技术泛滥的今天，灯光设计师的角色正在从单纯的“照明者”转变为“环境叙事者”。我记得他用了一个很形象的比喻——“灯光不再是舞台的背景，而是角色的另一副皮肤”。这种对媒介属性的深刻洞察，让我开始重新审视我过去工作中那些看似成功的灯光设计，它们是否真的在与“新媒体”的语境深度融合，还是仅仅停留在用LED取代了传统光源的肤浅层面。这本书逼着你跳出舒适区，去思考技术背后的艺术价值。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我感觉自己像是在进行一次高强度的行业“知识迭代”训练。这本书对于如何整合AR头戴设备与现场灯光反馈的分析，尤其具有前瞻性。它没有停留在设想阶段，而是深入剖析了实现过程中延迟、同步和视觉叠加的难题。作者的笔触非常务实，没有过度美化新技术的难度，而是直白地指出了目前行业供应链和标准协议上的瓶颈。这对我这个负责采购和项目落地的角色来说，提供了宝贵的现实参考。它帮我提前预判了未来三年内技术可能成熟的方向，从而指导我目前的设备采购和团队能力建设。总而言之，这不是一本能让你立刻上手做一场酷炫演出的工具书，而是一部指导你如何规划未来五年职业发展方向的战略地图。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的是它对“去中心化”舞台美学的探讨。在传统的舞台概念里，灯光往往是依附于导演或舞美设计，是辅助性的存在。但新媒体的介入，使得灯光本身获得了极强的独立性和表现力，甚至可以成为演出的主要叙事驱动力。书中有一段落讨论了“像素级控制下的动态雕塑感”，描述了如何利用数百个微型灯点，在极短的时间内构建出一种视觉上“液体化”或“晶格化”的动态形态，这种形态的生命力甚至盖过了演员本身。这种视角转变，极其有助于那些希望在现有舞台框架外寻求突破的年轻设计师。它提供了一种全新的结构思维，教你如何将原本被视为“布景”或“效果”的东西，提升到“本体论”的层面去对待。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的理论深度有时候让人有点喘不过气来。当我期待能找到一些针对具体软件操作的快速上手指南时，它却给了我一篇篇关于“人机交互界面设计在灯光控制台上的优化方向”的学术探讨。这对于习惯了直观操作的从业者来说，绝对是一个挑战。比如，关于“基于深度学习的场景自适应光照系统”那一节，作者引用了大量计算机视觉和算法优化的文献，对于我们这些主要专注于艺术表达而非底层代码的人来说，理解起来需要反复查阅背景资料。但这同时也带来了巨大的价值——它让我意识到，要驾驭新媒体灯光，就必须建立起与技术开发者之间的有效沟通桥梁，而这本书，恰恰提供了理解技术开发者思维模式的钥匙。它不是教你如何按下按钮，而是告诉你那个按钮背后的逻辑结构是什么。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太抓人了，那种深邃的蓝色调配上霓虹的线条感，光是放在书架上就很有“新媒体”的未来感。我原本是抱着学习传统舞台灯光的基础知识去的，毕竟这个领域的新技术日新月异，总觉得需要一本能承上启下的教材。然而，当我翻开第一章时，立刻发现它并没有过多纠结于传统的色纸、追光灯这些经典元素，反倒是一开始就直奔主题，探讨如何利用互动投影、实时捕捉技术与灯光矩阵之间的无缝衔接来构建沉浸式的剧场体验。我印象最深的是其中一个案例分析，关于某场音乐节的视觉呈现，作者非常细致地拆解了如何通过DMX信号与观众的动作数据同步触发复杂的LED屏幕和地面灯光的变化，那种对数据流与光效的精确控制的描述，读起来简直像在看一部高级编程手册，远超出了我对于“灯光设计”的传统认知，感觉自己像是在窥探未来舞台的秘密蓝图。

评分☆☆☆☆☆

《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。

评分☆☆☆☆☆

新书，内容理论性简单

评分☆☆☆☆☆

《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。

评分☆☆☆☆☆

《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。

评分☆☆☆☆☆

新书，内容理论性简单

评分☆☆☆☆☆

《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。

评分☆☆☆☆☆

《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。

评分☆☆☆☆☆

《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。

评分☆☆☆☆☆

《新媒体演艺灯光设计》介绍了新媒体演艺灯光的相关概念和发展应用概况，并对演艺灯光设计中需要了解和掌握的相关基础知识，包括光的色彩、空间、光源、灯具、投影、控制等做了系统的介绍和梳理，最后又系统介绍了灯光设计的流程，以及其在不同演出形式中的应用，希望对相关从业人员及演艺灯光设计行业的初学者有所帮助。