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[日] 辻惟雄 著

图书标签:

• 日本美术史
• 美术史
• 艺术史
• 日本文化
• 图说
• 艺术
• 历史
• 文化
• 绘画
• 雕塑

出版社： 生活·读书·新知三联书店

ISBN：9787108054609

版次：1

商品编码：11992667

品牌：三联书店

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-10-01

用纸：特种纸

页数：422

字数：290000

产品特色

编辑推荐

　　《图说日本美术史》是日本美术通史的里程碑之作。
　　对既往所谓的标准型日本美术史提出了质疑和挑战。
　　以“装饰性”“游戏性”和“万物有灵论”阐释日本美术精髓。
　　近四百帧的彩色图版，深入全面地展现了日本美术的特质。

内容简介

　　本书是日本美术通史的里程碑之作，探索了自绳纹时代以来直至现代的日本美术发展史，跨越了一万数千年；涉及领域从传统的绘画、雕塑到工艺、建筑，包括近代以来的摄影、设计、漫画等，可谓包罗万象。
　　作者对以往所谓的标准型日本美术史提出了质疑和挑战，试图运用不同于西方美术史研究的方法论来诠释。全书贯穿了作者对日本美术特质的精辟概括：即“装饰性”“游戏性”和“万物有灵论”。“装饰性”具有广泛的通融性，使得日本美术形成了不同于西方的概念；“游戏性”揭示出日本文化与游戏之心的深层关系；“万物有灵论”则代表了日本人崇尚自然的精神世界。这三种特质跨越了时代和领域，可以说是理解日本美术魅力的金钥匙。
　　全书包含近四百帧的彩色图版，深入全面地展现了日本美术的特质。

作者简介

　　辻惟雄，1932年生于日本爱知县，毕业于东京大学研究生院美术史专业。历任东京国立文化遗产研究所美术部研究员、东北大学文学部教授、东京大学文学部教授、国立国际日本文化研究中心教授、千叶市美术馆馆长、多摩美术大学校长、MIHOMUSEUM馆长等职，现为东京大学和多摩美术大学名誉教授。主要著作有：《奇想的系谱》《奇想的图谱》《日本美术之表情》《日本美术之解读》《游戏之神佛》《日本美术的发现者们》《辻惟雄集》《奇想的发现——一个美术史家的回忆》等。

精彩书评

　　这是本重量级的书，完整得几乎无可挑剔。令人惊讶的是所涉领域包罗万象，且相辅相成。……最后必须说的是彩色图版如虎添翼，像是本小型的名画撷英册子；按图索骥，索引便是本日本美术事典。
　　——作家丸谷才一《每日新闻》

　　本书是本大胆创新、简明扼要的（日本美术）通史……为大学生而写的教科书，为了清晰地勾勒出日本美术的森林全貌，而绝不剪切贸然长出的枝叶。整部书保持了作为史书的首尾一致，而全彩三百八十帧图版又体现了日本美术的多样性。这不就是当今既可求又可得的很好的教科书吗！
　　——中条省平《朝日新闻》

西方艺术的脉络：从古典到现代的视觉之旅 书籍简介 书名： 西方艺术的脉络：从古典到现代的视觉之旅 作者： （此处留空，或填入虚构的艺术史学家姓名） 出版社： （此处留空，或填入虚构的出版社名称） --- 第一部分：神圣与秩序的奠基——古代至中世纪的艺术 本书旨在带领读者穿越西方文明漫长而辉煌的艺术史长河，深入剖析艺术如何作为时代精神、宗教信仰和社会结构最直观的载体。我们首先从西方文明的摇篮——古希腊和古罗马的艺术遗产讲起。 第一章：古典的理想与理性之光 本章详述古希腊雕塑如何从早期的“库罗斯”和“科蕾”的僵硬造型，发展到古典盛期对“理想美”的极致追求。米隆的《掷铁饼者》和波留克列特斯的《荷叶边》（《持矛者》）所体现的对人体比例的数学化理解，以及对“完美平衡”的哲学思辨，构成了西方艺术美学规范的基石。接着，我们将探讨希腊化时期（Hellenistic Period）艺术如何突破古典的宁静，转向对情感的强烈表达，例如《萨莫色雷斯的胜利女神》和《拉奥孔群像》，预示着艺术主题的深刻转变。 随后的罗马艺术部分，重点关注其工程技术与实用主义的结合。罗马人继承了希腊的艺术语汇，但更侧重于肖像的真实记录（如奥古斯都的“潘提摩尔肖像”）以及宏伟的公共建筑（万神殿、斗兽场）。我们将分析罗马浮雕（如图拉真纪念柱）如何叙事化，成为政治宣传和历史记录的工具。 第二章：信仰的图景与黑暗的时代 随着基督教的兴起和罗马帝国的衰落，艺术的焦点彻底转向了精神领域。本章聚焦于早期基督教艺术（如地下墓穴壁画）如何从异教符号中汲取元素，构建新的宗教符号系统。 拜占庭艺术，以君士坦丁堡为中心，则确立了高度程式化、象征性和平面化的审美标准。重点分析圣像画（Icons）的制作工艺、其神学意义，以及对“神圣之光”的视觉化尝试。在西欧，查理曼大帝的加洛林文艺复兴和奥托王朝的复兴运动，虽然在技术上相对原始，但为后来的罗马式艺术奠定了地域性的基础。 第三部分：信仰的壮丽与人文的萌芽——中世纪的辉煌 第三章：罗马式：堡垒中的虔诚 本章深入研究公元1000年后，随着欧洲社会相对稳定而兴起的罗马式（Romanesque）建筑与雕塑。以厚重的墙体、半圆拱和严谨的比例为特征的教堂，如同信仰的堡垒。我们将详细考察修道院（如克吕尼修道院）的壁画和雕塑（如门楣雕刻）中，对《最后的审判》等末世主题的恐惧性描绘，以及其对文盲大众的教化作用。 第四章：哥特式：飞向天国的尖塔 哥特艺术是中世纪艺术的巅峰。本章将着重分析尖拱、肋架拱顶和飞扶壁这三大结构创新如何彻底解放了墙体，使建筑得以向天空无限延伸。光线成为新的媒介，通过巨大的彩色玻璃花窗，将世俗空间转化为神圣的光影剧场。我们将对比法兰西（如圣但尼、沙特尔大教堂）和德意志地区哥特艺术在自然主义程度上的差异，并讨论哥特雕塑如何开始展现出前所未有的情感细腻度和人物动态。 第四部分：人性的觉醒与文艺复兴的理性之美 第五章：文艺复兴的曙光——早期与盛期 文艺复兴（Renaissance）的爆发，标志着艺术史的一次彻底转向——从以“神”为中心转向以“人”为中心（人文主义）。本章首先探讨佛罗伦萨的复兴，乔托（Giotto）对三维空间和情感深度的初步探索。随后聚焦于透视法的发明（布鲁内莱斯基）和解剖学的回归（达芬奇）。 盛期文艺复兴（High Renaissance）的“三巨头”——达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔——的成就将被细致剖析。我们将研究《蒙娜丽莎》中晕染法（Sfumato）的运用，米开朗基罗雕塑中“未完成感”所蕴含的内在精神力量，以及拉斐尔作品中和谐、古典的构图原则如何成为学院派的永恒典范。 第六章：北方的细密与宗教的变革 与此同时，在阿尔卑斯山以北的尼德兰地区，艺术的发展路径截然不同。本章探讨早期尼德兰绘画（如扬·凡·艾克）如何利用油画媒介的优越性，实现了对现实世界物体表面的极致逼真描绘（细节的微观世界）。我们也将分析北方文艺复兴如何更紧密地与宗教改革（马丁·路德）的思潮相结合，艺术的功能性与道德审视变得更加尖锐。 第五部分：动荡、奢华与理性——巴洛克到新古典主义 第七章：巴洛克的激情与戏剧性 十七世纪的巴洛克（Baroque）艺术是欧洲反宗教改革（Counter-Reformation）的视觉武器，也是绝对君主制权力的彰显。本章重点分析卡拉瓦乔（Caravaggio）的“暗光派”（Tenebrism）如何通过强烈的明暗对比，将神圣事件拉入凡人的日常场景，制造出强烈的心理张力。 我们将对比分析意大利巴洛克（贝尼尼雕塑对动态和材料的精妙处理）与佛兰德斯巴洛克（鲁本斯奔放的肉体和色彩）的特点。在法国，古典主义的巴洛克（如凡尔赛宫）则体现了秩序对激情的约束。 第八章：洛可可的轻盈与新古典的回归 十八世纪初期，洛可可（Rococo）作为对巴洛克宏大叙事的精致化回应，以柔和的色彩、曲线和对私人享乐主题的偏好（如华托）占据主导。然而，随着启蒙运动的兴起，对古希腊罗马的重新考古发掘催生了新古典主义（Neoclassicism）。本章着重分析大卫（Jacques-Louis David）如何运用清晰的线条、冷静的构图和道德主题（如《贺拉斯兄弟之誓》），为法国大革命提供了一种公民美德的视觉蓝本。 第六部分：革命与碎裂——浪漫主义至印象派的变革 第九章：浪漫主义的狂飙突进 浪漫主义（Romanticism）是对新古典主义理性的激烈反叛。本章探讨艺术家们如何转向情感、想象力、自然伟力以及异国情调。德拉克洛瓦（Delacroix）笔下奔放的色彩和动态，以及戈雅（Goya）对战争与人性的黑暗面的深刻洞察，体现了个体经验的至高无上。英国的风景画家（透纳、康斯太勃尔）则将自然视为一种崇高（Sublime）的力量。 第十章：现实的凝视与光影的捕捉 十九世纪中叶，工业革命和摄影术的出现，迫使艺术直面现代生活。现实主义（Realism）（库尔贝）拒绝一切理想化的叙事，专注于工人阶级和日常的粗粝真相。 最后，本章深入解析印象派（Impressionism）如何彻底颠覆了传统绘画的焦点。莫奈、雷诺阿等艺术家放弃了工作室的固定描绘，转而捕捉转瞬即逝的光线和色彩在空气中的相互作用。他们将焦点从“描绘什么”转移到“如何观看”，为二十世纪的艺术探索铺平了道路。 --- 本书特色 本书结构清晰，以时间为轴线，辅以地域差异的横向对比，深入分析了每一艺术运动背后的哲学思潮、社会经济背景和技术革新。书中将重点放在关键作品的视觉语言分析上，帮助读者理解为什么这些作品在艺术史上具有里程碑的意义。我们避免冗余的文献堆砌，力求以引人入胜的叙事方式，构建起西方艺术发展中理性与感性、古典与现代之间不断拉扯、相互转化的宏大图景。阅读本书，即是一场对西方文明视觉记忆的深刻回顾与思辨之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑和设计功力绝对值得五星好评。作为一个对细节有要求的人，我非常看重工具书的排版质量。市面上很多美术史书籍，不是图片太小，就是文字挤得太满，看着特别费劲。但这本书的留白恰到好处，字体选择清晰易读，而且关键术语的解释都做了加粗或脚注处理，非常人性化。更值得称赞的是，作者对不同时期艺术风格的“对比”处理得非常高明。比如，在讲解室町水墨画如何从中国宋元风格中汲取营养并发展出本土特色的那几页，通过左右对照的版面布局，能让人一眼看出其微妙的差异和日本化转型的路径。这种直观的比较分析，比单纯的文字描述有效得多，极大地帮助我理清了历史演变的逻辑线索。对于想要深入研究的读者来说，它提供的参考资料和索引部分也做得非常扎实。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为初学者量身定做的入门指南！我之前对日本艺术史完全是一头雾水，什么平安时代的贵族绘画、室町时代的禅宗水墨，听起来都像是天书。但拿起这本《图说日本美术史》后，情况完全不一样了。作者的叙事方式非常流畅，不是那种干巴巴的教科书式描述，而是像在和一个经验丰富的导游聊天，他会带着你一步步走过历史的长河，从远古的绳文陶器到现代的流行艺术，每一个关键时期的风格演变都讲得清清楚楚。最让我惊喜的是它的视觉呈现，那些高清的图片和详尽的局部放大图，简直是艺术品的特写镜头，让你能清楚地看到笔触的细腻和色彩的层次感。尤其是对那些经典作品的解读，不再是简单的“这是什么，谁画的”，而是深入挖掘了作品背后的社会背景和美学思想，让我对日本艺术的“物哀”和“侘寂”有了更直观的理解。这本书的结构安排也十分合理，章节间的过渡自然，让人读起来毫无压力，非常推荐给所有想系统了解日本艺术脉络的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处在于它并没有将日本艺术视为一个孤立的体系来考察，而是巧妙地融入了全球艺术交流的大背景中去审视。我尤其欣赏它对近代化进程中日本艺术所经历的剧烈变革的论述。当西方写实主义和印象派思潮涌入日本时，本土的画家们是如何反应的？他们是全盘接受还是进行了有选择的吸收？这本书对此进行了非常精彩的剖析，展示了明治维新时期日本艺术界那种既挣扎又充满活力的状态。这种宏观的视野，让读者能跳出单一文化的框架，去理解艺术发展背后的普遍规律。此外，全书的叙事节奏把握得非常好，不会让人感到冗长，每一个章节都像是一部精心剪辑的纪录片，充满了信息量但又保持了极高的可读性，是那种可以放在床头随时翻阅，每次都能发现新东西的宝藏书籍。

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期关注西方现代艺术，想拓宽视野的读者来说，这本书提供了一个绝佳的视角转换器。我过去总觉得日本艺术是某种封闭、内敛的存在，但这本书通过对各个断代史的梳理，揭示了其惊人的开放性和融合性。比如，书中对奈良时代（天平文化）中受到盛唐文化强烈影响的佛教造像的介绍，就展现了日本古代艺术家如何“消化”外来文化并进行再创造的过程。作者的语言风格偏向于一种温和而坚定的引导，没有过于炫耀学识，而是非常耐心地搭建知识的阶梯。读完后，我感觉自己对日本美学中的“间”（Ma，即空间和留白）有了更深层次的理解，这不仅仅是构图技巧，更是一种哲学思考的体现。这本书成功地将枯燥的美术史知识，转化为了一场跨越千年的审美体验。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这本关于日本美术史的书会是那种学术性很强、晦涩难懂的“砖头书”，毕竟要涵盖从古至今的脉络，内容必然庞杂。但读完之后，我的看法完全被颠覆了。它真正做到了“以图证史”，每一页的图文排版都经过精心设计，让你在视觉上就不会感到疲劳。这本书的深度挖掘能力也令人印象深刻。它没有停留在对艺术形式的表面描述，而是深入剖析了佛教东传对日本雕塑的影响，以及后来幕府时代武士阶层对绘画风格的塑造。特别是关于浮世绘部分的论述，作者巧妙地将葛饰北斋和歌川广重等大师的作品置于江户市民文化的大背景下进行分析，让我看到了艺术如何作为大众娱乐和信息载体的功能。这种将艺术置于宏大历史叙事中的写法，让抽象的美术概念变得鲜活起来，极大地提升了阅读的趣味性和知识的留存度。

评分☆☆☆☆☆

还不错，按时间顺序介绍的，好好学习看看。

评分☆☆☆☆☆

包装完好，618活动 3折左右入手 开心

评分☆☆☆☆☆

春江水暖，竹外桃花。

评分☆☆☆☆☆

放在购物车里很久了，这次趁着活动价买入，三联出版社的质量值得信赖，图片精美。

评分☆☆☆☆☆

中国美术史，并不是只有美术学院的学生才需要读。《写给大家的中国美术史》是一本大家需要读也读得懂的美术史。本书作者就是“单纯的像孩子一样，去再一次观看那中国古老的彩陶、斑驳的青铜器；看故宫博物院一片一片发黄残破的绢帛上，晋唐人的字迹和墨痕；看矗立在石壁上巨大的北魏石刻佛像的庄严；看深藏在洞窟中暗无天日、然而依旧灿烂夺目的敦煌彩绘。”

评分☆☆☆☆☆

很大一本，对了解日本美术很有帮助

评分☆☆☆☆☆

今夜为君龙吟动山川。

评分☆☆☆☆☆

给小孩的课外书慢慢看

评分☆☆☆☆☆

很便宜包装好用券之后爽