对画II—线描 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李家友 编

图书标签:

• 线描
• 绘画
• 艺术
• 技法
• 素描
• 绘画技巧
• 艺术设计
• 绘画教学
• 速写
• 绘画入门

出版社： 重庆出版社 ， 重庆出版集团

ISBN：9787229122737

版次：1

商品编码：12187731

包装：平装

丛书名： 对画

开本：8

出版时间：2017-06-01

用纸：胶版纸

页数：176

内容简介

本书分为五大版块，分别是速写基础知识、快写训练、局部训练、三姿训练和主题训练。本书收录了大量以纯线技法为主的速写作品，以线的使用技法为切入点，加以快写训练及局部训练，让读者更易理解和掌握。全书图文并茂地讲解和分析了大量知识点，非常适合初学者学习临摹。

作者简介

李家友，毕业于四川美术学院美教系，多年从事美术高考图书的市场发行和策划工作，对该类图书有敏锐的判断力。

内页插图

画境寻踪：传统水墨的当代回响 图书名称： 画境寻踪：传统水墨的当代回响 图书简介： 本书并非关于线描技法的具体教程，亦非对某一特定艺术流派的深度剖析，而是一场关于中国传统水墨艺术精神与当代语境融合的深度探索。我们试图剥离现代艺术教育中过度强调的技法规范和束缚，将目光投向水墨艺术的本源——那份与自然共鸣、与哲学思辨相交的“气韵生动”。 第一辑：墨的哲学：虚实之间的存在论 本辑深入探讨了中国传统水墨画中“墨分五色”的哲学意蕴。我们不将墨视为简单的黑白两色，而是将其视为对宇宙万物“有”与“无”的理解载体。从唐代张彦远的“一点两点，万象森然”到宋代文人士大夫对“意在笔先”的追求，我们追溯了水墨艺术如何从描摹具象转向表达心象的过程。 留白之思： 详细解析了中国画中留白（空间留白）的审美功能。这种留白并非空无一物，而是“未成之物”的蕴含，是观者参与创作、进行想象的空间。我们将探讨禅宗思想中“空性”概念如何渗透于水墨布局之中，以及这种空间处理方式与西方透视法所代表的固定视角之间的本质区别。 笔触的温度： 考察了不同笔法（如皴法、点法）背后所蕴含的书写性。每一笔的提按顿挫，都记录了画家在特定心境下与毛笔、与宣纸的对话。书中收录了对历代名家笔墨特点的细致摹写分析，重点不在于模仿其形式，而在于理解其背后的情绪张力与控制力。例如，董源的“披麻皴”如何展现江南山水的温润，而范宽的“雨点皴”如何体现北方山脉的雄强冷峻。 第二辑：山水意境：造化与人境的交融 本辑聚焦于山水画的构建逻辑，阐释中国画如何通过“移步换景”的手法，构建一个超越现实、更贴近心灵尺度的自然世界。 “可行、可望、可游、可居”： 阐述了中国山水画中空间序列的建立。它不是单一视角的记录，而是一系列连续的、引导观者进行精神漫步的场景切换。我们会分析如何通过高远、深远、平远三种尺度的灵活运用，打破物理距离的限制，使山水成为可供精神栖居的理想之所。 物我两忘的境界： 探讨了宋代米芾等人倡导的“尚意”精神，以及这种精神如何要求画家在面对自然时，去除主观的功利色彩，达到与自然物我两忘的境界。我们将对比分析院体画的精工与文人画的写意，强调后者如何通过省略细节、捕捉神韵，来完成对“道”的呈现。 第三辑：当代转译：传统语汇的现代激活 水墨艺术的生命力在于其适应时代的能力。本辑将目光转向近现代及当下的水墨实践者，探讨传统语言如何在新的媒介、新的社会背景下获得新生。 材料的解放： 考察了艺术家如何突破传统的绢和宣纸，引入实验性的材料（如矿物颜料、混合媒介），以及这些材料的引入如何改变了水墨的质感和表现力。我们关注水墨的“渗透性”与“边缘性”，探讨其在抽象表达中的潜力。 图像的重构： 分析了当代艺术家如何将都市景观、科技元素或个人记忆碎片融入传统山水框架中。这并非简单的符号嫁接，而是利用水墨笔法的速度感和晕化效果，去表达现代人对时间流逝、信息过载的复杂感受。重点分析了如何运用枯湿浓淡的对比，来描绘现代文明的疏离感与内在的焦虑。 从叙事到观念： 探讨了水墨艺术如何从传统的叙事功能（如“高士图”、“渔樵问答”）转向纯粹的观念表达。当代水墨实践者如何利用水墨的“不确定性”，来探讨身份认同、文化冲突等当代议题，使水墨成为一种全球性的视觉语言，而非地域性的文化标签。 结语：超越技艺的求索 本书的核心在于引导读者超越对“画得像”或“技法娴熟”的简单评价，转而关注水墨艺术背后所承载的东方思维方式和审美趣味。它是一次对艺术本质的追问：在信息爆炸的时代，一笔墨痕如何依然能够触动人心最深处的共鸣。我们希望通过对这些历史脉络和当代实践的梳理，激发读者对中国艺术精神更深层次的理解与珍视。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用的哑光纸张，触感温润，那种低调的质感与“线描”这个主题完美契合，不像市面上很多画册那样追求花哨的色彩堆砌。内页的纸张厚实且平滑，即便是使用炭笔或钢笔进行临摹，纸张的纤维也能很好地承托住墨色，不易洇染。更值得称赞的是，书本的装订工艺非常扎实，可以完全平摊开来，这对于学习绘画的人来说简直是福音，再也不用担心画到中途书页合拢，破坏了创作的连贯性。我尤其喜欢其中关于古典建筑线条的处理部分，那种对结构透视的精确把握，以及线条的粗细变化所营造出的立体感，仅仅依靠黑白线条，就能构建出一个恢弘的空间，这种功力着实令人叹服。它不仅仅是一本临摹资料，更像是一部关于如何“观察”世界的视觉辞典。对于初学者来说，它提供了一个清晰的入门路径，而对于有一定基础的创作者，它则是一个提升细节表现力的宝库，每一次翻阅都能带来新的启发，让人忍不住想立刻拿起笔，模仿那些精妙的排线和转折。

评分☆☆☆☆☆

翻阅此书时，我有一个非常直观的感受：它像是一部沉默的、但极具感染力的“视觉对话录”。书中的许多场景描绘，并非孤立的个体，而是有着内在的联系和呼应。比如一组关于“光影”的练习，它不是简单地用排线去填充暗部，而是巧妙地利用线条的疏密变化，来暗示光源的方向和强度。那些被虚化处理的背景线条，它们仿佛在退让，让前景的主体线条更加突出，营造出一种空气的流动感。这种对空间层次的处理，非常考验作者对“留白”的理解。我注意到，很多大师级的线描作品，其力量往往蕴含在未被描绘的区域。这本书非常细腻地展示了如何通过线条的“呼吸”来控制画面的焦点和情绪节奏，这对于我这种习惯于“填满”画面的新手来说，是颠覆性的认知，学会克制，反而能带来更强大的表现力。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在寻找一本能够系统性地梳理人物动态速写基础的参考书，而这本《对画II》在这一点上确实超出了我的预期。它没有过多纠缠于复杂的解剖学理论，而是将重点放在了捕捉人体运动瞬间的“神韵”和“节奏”上。我发现书中的许多范例都是从极简的骨架线开始构建，然后逐步添加肌肉群的体积感，这种由简入繁的演示过程，对于理解动态的生成逻辑至关重要。特别是一些高难度动作，比如跳跃、扭转，作者用极其简练而富有张力的线条，精准地锁定了受力点和平衡轴，让人茅塞顿开。阅读这些线条，我能真切地感受到运动的惯性与力量的爆发，仿佛能听到骨骼与关节的摩擦声。这对于提高我自身的观察速度和提炼核心结构的能力，起到了立竿见影的作用。它教会了我，在速写中，线条本身就承载着叙事功能，优秀的线描，胜过千言万语的描述，这种对“力度美学”的展现，我极为推崇。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术价值和艺术鉴赏价值是并存的，它成功地搭建了一座从基础技法到高级美学理解的桥梁。我个人对其中关于“构成与韵律”的章节给予了极高的评价。它似乎在探讨，线条在二维平面上如何形成一种音乐般的韵律感。无论是重复的弧线构成的波浪纹理，还是对比强烈的直线组合成的网格结构，作者都赋予了它们内在的秩序和美感。这种韵律感，使原本冰冷的几何图形和写实对象，都带上了一种生命律动。我把它放在工作室里，偶尔会随机翻开一页，不是为了临摹技巧，而是为了让自己的眼睛和大脑重新校准对视觉平衡的敏感度。它像是一种视觉上的“冥想”练习，帮助我重新审视线条是如何组织信息、引导视线，并最终在观者心中唤起共鸣的。这本书绝对值得所有对线条艺术有追求的人，拥有并细细品味。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期从事插画设计工作的设计师，我深知线条的“情绪”对最终作品的影响。这本画集给我的最大感受是，它展示了线条的多样性和情感张力。书中的静物篇章，例如对花卉和器皿的描绘，完全颠覆了我对传统静物写生的刻板印象。作者似乎对不同的描绘对象赋予了不同的“性格”：描绘柔软的丝绸时，线条轻盈飘逸，带有水墨的晕染感；而刻画坚硬的金属时，线条则果断犀利，边缘锐利得像是刀切。这种对笔触质感的精微控制，简直是一场关于“触觉”的视觉盛宴。我尝试着用不同粗细的针管笔去模仿其中几幅作品的笔触，发现即便是相同的轮廓，不同的线条语言也会让物体散发出截然不同的气息，这种深层次的线描语言学，是教科书上难以系统教授的。这对于提升我作品的风格化表现力，无疑是一次极佳的滋养。