美国独立电影

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[英] 约翰·贝拉(JohnBerra) 著,朱鸿飞,萧达 译
图书标签:
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出版社: 上海交通大学出版社
ISBN:9787313172938
版次:1
商品编码:12188129
包装:平装
开本:16开
出版时间:2017-07-01
用纸:特种纸
页数:486
字数:451000
正文语种:中文

具体描述

编辑推荐

美国独立电影是美国电影洪流当中特色鲜明、气质迥异的一个支流——那些或是古灵精怪、或是口味超重的影片很难用“类型电影/作者论”、“商业电影/艺术电影”这样纯粹的二元对立视野将它们服服帖帖地归类研究。它们徘徊在主流电影的边缘。“独立”这个名头对于它们和其创作者来说更像一枚别在胸口的勋章——那是一种对“叛逆”气质的认可和“不媚俗”精神的表彰。

从约翰?卡萨维兹的粗砺现实主义,到大卫?林奇的后现代主义梦魇,美国独立电影领域涌现的作品代表着一个国家的电影已经激起了世界范围的热爱和讨论。《美国独立电影》借助对名片佳作的评论分析、对知名导演的个案研究以及对关键体裁的文化工业景观的审视思考,深刻洞察了美国独立电影发展状况。功能失调的家庭、X一代都市浪人和变态杀人狂的电影谱系在本书中占据了一席之地,加之对美国地下电影的毫不隐晦的表达,这些使得本书成为了真正兼收并蓄的影评合集。


内容简介

这是一本汇集了众多影评人详细记录美国独立电影的影评集,更是一本美国独立电影发展史。全书以类型为依据,涵盖了美国黑人电影、 酷儿电影等14个独立电影全类型, 通过昆丁?塔伦蒂诺、吉姆?贾木许等30多位伟大的独立电影人、150余部影片的精彩演绎,贯穿起整个美国独立电影史。细述了美国独立电影的发展趋势、社会环境的影响,以及国际奖项和票房背后的内在价值观念。通读这本书虽然不能让你一夜之间就变成一个美国独立电影的行家,但却可以真实地将你带入一个新奇而丰富的电影世界。

作者简介

约翰·贝拉:电影研究课程的讲师,著有《独立宣言:美国电影和独立制片的偏爱》。他同时也是《世界电影目录:日本》的编辑,以及《电子羊》、《国际电影》、《银幕和视野:电影研究在线杂志》的撰稿人。

目录

年度电影:《拆弹部队》

产业聚光灯:对亚当·格林和韦恩·克莱默的采访
亚当·格林专访
韦恩·克莱默专访

文化路口:约翰·沃特斯与巴尔的摩

电影配乐:《穆赫兰道》

导演
斯图尔特戈登
查理·考夫曼
大卫·林奇

美国黑人电影
《大流氓》
《杀夫记》
《科菲》
《冷酷的世界》
《川流熙攘》
《杀羊人》
《她说了算》
《冲出布鲁克林》
《斯维特拜克之歌》
《黑皮肤的白人》

美国噩梦
《美国精神病人》
《女巫布莱尔》
《灵魂狂欢节》
《月光光心慌慌》
《杀手的肖像》
《蜜月杀手》
《干尸屋》
《干尸屋2》
《猛鬼街》
《活死人之夜》
《德州电锯杀人狂》

毒品世界
《酒心情缘》
《绝色惊狂》
《不羁夜》
《迷幻牛郎》
《浪子回头妙事多》
《半个尼尔森》
《毒海鸳鸯》
《梦之安魂曲》
《迷途》
《受影响的女人》

犯罪电影
纪录片
美国剥削电影
问题家庭
混乱叙事
在路上
酷儿电影
美国乡村电影
都市浪人
郊区电影
美国地下电影
撰稿人简介

精彩书摘

  梦境当然永远不能与好莱坞争光彩,但本着美化坏品位的“造作”精神,沃特斯打造了一个“垃圾美学”,与好莱坞电影竞争。这个策略完全利用了巴尔的摩的堕落特征。沃特斯在《冲击值》一书中写道:“你可以到处去找,但你永远找不到一个比巴尔的摩更奇怪的风格如此极端的城市。”虽然他的《穿黑皮夹克的哈格》、《浪漫烛光》,以及《吃掉化妆品》等早期电影里表现出纽约地下电影的影响,沃特斯也开始利用“垃圾美学”方式推广其电影的“巴尔的摩出品”特征。《浪漫烛光》的广告传单把它描述为一部“垃圾故事片”。沃特斯的第一部长片甚至更出格,他称之为《垃圾世界》。这部电影由与沃特斯早期电影联系最密切的迪万(Divine)主演。迪万本名哈里斯·格伦·米尔斯特德,体重300磅(约136千克),反串演女性,他的厚重假发和极端化妆完美表达了巴尔的摩的极端风格。
  20世纪70年代,沃特斯设计出供迪万和梦境人在银幕上表演的更加骇人的动作,将垃圾提高到污秽的水平,将坏品位推到极致。吸毒、裸体、犯罪和变态在沃特斯的电影中随处可见,但他制造电影争议的万能灵药是将不正常的性行为与宗教热情混为一体。迪万的名字是沃特斯取其宗教含义特别选择的,他是梦境制片厂的宗教争议挑拨人的典型。作为天主教徒,沃特斯在美国天主教影响最大的城市之一长大。巴尔的摩是美国第一个主教区所在地,拥有第一个主教和第一座大教堂,其所在州也是拥有最后一个实际运行的审查委员会的州。20多年来,马里兰州审查委员会的女王是一个意大利天主教老奶奶,名叫玛丽·阿瓦拉。她出名既是因为与约翰尼-卡松、麦克·道格拉斯、迪克·卡威特等人一起上电视脱口秀节目,也是因为她在审查委员会预算问题重提时总会出现在马里兰州参议院。阿瓦拉会用手指着那些立法人,用她浓重的巴尔的摩口音问道:“你喜欢污秽吗?”她对沃特斯电影的反感四海皆知,但在《冲击值》一书中,沃特斯称阿瓦拉为“我能获得的最好的宣传员”。作为一个天生的表演者,沃特斯认识到,对他的反主流文化的观众而言,阿瓦拉的谴责相当于强烈推荐。
  《疯狂人生》中,迪万扮演一个性变态表演团的凶残团长。从独特的天主教角度看,这是沃特斯最污秽的一部电影。迪万在巴尔的摩一条小巷被强奸后,看到了布拉格圣婴耶稣,他引领她进入圣塞西莉亚教堂。在那里,她遇到放荡的修女明克。明克一边念叨《苦路14处》,一边对迪万做“念珠工作”,电影则在写实的耶稣受难场面和迪万在教堂长凳上的性兴奋之间切换。该片被禁止在巴尔的摩上映,直到1981年马里兰州审查委员会解散,但20世纪70年代初,“十二号放映厅”连锁影院才拿到这部片子,在16个城市巡回放映。该片在旧金山获得的成功最大。在《冲击值》中,沃特斯宣称,“《疯狂人生》确实帮助我驱走体内的天主教信仰,但我认为你永远不可能完全失去它……做一个天主教徒总是让你更做作。”
  ……
《光影的彼岸:欧洲现代主义电影的百年回响》 一、 导言:风暴中的黎明——现代主义电影的诞生与语境 本书深入剖析了二十世纪欧洲电影作为一种独特艺术形式的崛起与演变,聚焦于其在两次世界大战的夹缝中,如何挣脱好莱坞式叙事工业的束缚,转而探索电影语言的内在潜力与社会批判的深刻内涵。我们不讨论美国独立制片的热潮,而是将目光投向欧洲大陆上那些拒绝平庸、勇于实验的先驱者们。 欧洲现代主义电影,并非一个单一流派,而是一系列相互影响、彼此对话的艺术运动的总称。它植根于当时欧洲社会剧烈的政治、哲学和美学变革之中:尼采哲学对传统道德的颠覆,弗洛伊德对潜意识的探索,以及城市化进程带来的异化感,都为电影这门新兴的“第七艺术”提供了丰富的土壤。本书旨在梳理这些思潮如何被转化为具体的镜头语言、剪辑策略和声效运用,构建出一种既是艺术品、又是对现实深刻反思的影像文本。 二、 先锋的激流:从达达主义到超现实主义的影像实验 (1910s - 1930s) 二十世纪初期,欧洲的艺术前卫运动率先对既有的审美规范发起了挑战。在巴黎和柏林,艺术家们开始将电影视为一种动态的、非线性的表达工具,用以冲击观众的理性认知。 2.1 德意志表现主义的阴影与梦魇: 我们细致考察了《卡里加里博士的小屋》、《诺斯费拉图》等作品。这些电影通过扭曲的布景、极端的明暗对比(Chiaroscuro)以及夸张的表演,将角色内心的恐惧、偏执和社会的焦虑外化于银幕之上。这种风格不仅是对一战后德国社会心理创伤的反映,更是对客观现实的一种主观重构,预示了后来心理惊悚片的发展方向。 2.2 法国印象派与“纯粹电影”的诗意: 路易·德吕克、让·爱普斯坦等理论家和导演,提倡“纯粹电影”或“摄影诗”,主张电影应回归其光影本质,而非依附于戏剧。本书详尽分析了他们如何利用慢镜头、景深镜头和视觉韵律,试图捕捉瞬间的感性体验和光线在物体上的流动,追求一种近乎冥想的观影状态。 2.3 超现实主义的无意识入侵: 布努埃尔和达利在《一条安达鲁狗》中投下的那颗石子,彻底打破了叙事的逻辑链条。我们分析了超现实主义如何运用梦的逻辑、随机的并置和令人不安的意象,来揭示被压抑的欲望和社会的伪善。这不仅是对资产阶级道德的嘲讽,也是对电影作为“造梦机器”的颠覆。 三、 意大利的诗性与对日常的凝视:新现实主义的诞生 (1940s - 1950s) 二战的创伤不仅摧毁了欧洲的城市,也摧毁了对宏大叙事和虚假美好的信仰。在意大利,电影工作者将摄影机推向了废墟、街头和普通人的生活之中。 3.1 道德的重建与伦理的困境: 本书重点分析了罗西里尼的“罗马,不设防的城市”和德西卡“偷自行车的人”等经典之作。我们探讨了新现实主义如何拒绝使用职业演员、布景,转而采用自然光和真实地点,其核心在于对个体在极端困境下道德选择的关注。这种对“真实”的追求,形成了与好莱坞光鲜亮丽制作的鲜明对比。 3.2 镜头中的沉默与等待: 新现实主义不仅仅是题材上的写实,更是手法上的克制。我们研究了长镜头在这一时期的运用,它如何强迫观众与银幕上的人物共同经历时间的流逝和无望的等待,从而建立起深厚的共情关系,这与后来的欧洲艺术电影对时间性的探索一脉相承。 四、 欧洲艺术电影的黄金时代:作者论与形式的解放 (1950s - 1960s) 五十年代中后期,欧洲电影迎来了思想和形式上最为活跃的阶段,理论的武器——“作者论”(Auteur Theory)被确立,并引发了一系列深刻的电影运动。 4.1 法国新浪潮的叛逆与自由: 《电影手册》的影评人转向导演,将他们视为拥有独特签名和世界观的“作者”。我们详细梳理了特吕弗的个人情结、戈达尔对叙事和画面的解构。戈达尔的“跳接”(Jump Cut)和直接对镜头说话(Breaking the Fourth Wall),不是技术失误,而是对传统电影语言规则的主动瓦解,是对“电影的陈词滥调”的宣战。 4.2 瑞典的内省与形而上的追问: 英格玛·伯格曼的作品是欧洲现代主义电影中最具哲学深度的部分。我们分析了他在《第七封印》、《野草上的 সপ্ত》中如何利用极端特写镜头,探讨信仰的缺失、人与上帝的隔阂以及死亡的本质。他的电影语言是内省的、极简的,专注于人类精神困境的微观层面。 4.3 东欧的寓言与政治的隐喻: 在铁幕的阴影下,波兰的波兰斯基、捷克的米洛什·福尔曼等人,发展出一种将荒诞、黑色幽默与深刻的政治批判相结合的叙事方式。他们的作品往往充满象征和隐喻,以规避审查,同时对官僚主义和个体的无力感进行了辛辣的讽刺。 五、 结论:现代主义的回响与欧洲电影的持续遗产 欧洲现代主义电影的遗产在于其对“电影何以为电影”这一问题的持续追问。它成功地将电影从纯粹的娱乐媒介提升到了严肃的哲学对话平台。这些电影强迫观众动脑,而非仅仅满足感官。它们证明了电影不仅仅是讲述故事的工具,更是观察、质疑和重塑世界的独特棱镜。本书最后将探讨这些形式实验如何渗透到后来的世界各地(包括欧洲之外)的独立电影创作中,成为一种永恒的艺术精神和反思的动力。

用户评价

评分

这本书的封面设计简直是视觉的享受,那种粗粝的质感和斑驳的色彩,一下子就把我拉进了那个充满汗水、胶片气味和地下室放映的年代。拿到手里沉甸甸的,翻开扉页,那种对电影的虔诚感扑面而来。我原本以为这会是一本枯燥的理论分析集,或者充斥着晦涩难懂的电影术语,但事实证明,我错得离谱。作者的叙事像极了一部精彩的纪录片,镜头在不同独立制片人之间快速切换,每一个转折都充满了戏剧张力。比如他对八十年代中期那些先锋派导演的描摹,简直是活灵活现,你仿佛能听到他们在简陋的片场里争吵、大笑,为了几分钱的胶片而绞尽脑汁。更让我惊叹的是,作者对于“独立”这个概念的探讨,并非停留在低成本制作上,而是深入到了精神层面——那种对主流体制的反叛、对个人表达的极端执着,甚至是那种近乎偏执的艺术洁癖。这本书读起来完全没有负担感,它更像是一个老电影人坐在你对面,用他那沙哑的嗓音,向你娓娓道来那些被好莱坞光环掩盖的,却无比真实的“美国梦”的另一种可能。每次读完一个小章节,我都会立刻去搜索那些被提及的电影,那种发现“宝藏”的激动,是其他任何同类书籍都无法给予的。

评分

这本书的语言风格非常大胆和个人化,完全不像一本正经的电影史著作。作者似乎毫不掩饰他对某些作品的狂热喜爱,以及对某些主流趋势的尖锐嘲讽。行文间充满了强烈的节奏感,时而像一首激昂的摇滚乐,直抒胸臆;时而又像一首低沉的蓝调,带着一丝无奈和对逝去黄金时代的缅怀。特别是关于女性导演在独立电影圈的挣扎与突破那几章,写得极具穿透力。作者没有使用那些空洞的口号,而是聚焦于具体的案例和她们在争取拍摄资源、对抗审查机制时的具体策略。那种细致入微的描写,让我对她们的敬佩之情油然而生。我甚至觉得,这本书与其说是在介绍电影,不如说是在描绘一群“斗士”的群像。读到某一处,我甚至能想象作者在键盘前敲打这些文字时,眼中闪烁着兴奋和不甘的光芒。这种情感上的共振,是任何流水线作业的产品都无法复制的。它让我明白,真正的艺术往往诞生于边缘地带,而不是在聚光灯最亮的地方。

评分

这本书最大的惊喜,是它完全打破了我对“美国”电影的固有印象。我过去总觉得美国电影就等同于好莱坞的工业化产品,宏大叙事、完美结局。但这本书像一把锋利的手术刀,切开了那层光鲜亮丽的外皮,展示了下面血管里流淌着的,那些关于边缘群体的挣扎、关于城市废墟的迷茫、关于身份认同的焦虑等更真实、更令人不安的主题。作者在介绍某位导演的作品时,会花大量篇幅去解释其背后的社会文化背景,比如某个特定州份的经济衰退如何影响了角色的世界观。这种深度挖掘,让原本可能显得晦涩难懂的独立作品,变得触手可及。阅读体验非常流畅,作者的文笔简洁有力,没有多余的修饰,直奔主题,但情感的张力却丝毫不减。读到最后,我感觉自己不仅了解了一批优秀的电影,更像是上了一堂生动的美国当代社会史课程。这本书无疑是所有对非主流艺术抱有好奇心的人,必备的案头书。

评分

这本书的价值,不仅仅在于它梳理了某个特定时期内的重要作品,更在于它构建了一个完整的“独立电影生态系统”的概念。作者将目光投向了那些默默无闻的发行商、那些在狭小影院里坚持放映非主流影片的影院经理,甚至是那些热衷于在午夜场捧场的铁杆观众。他清晰地展示了,如果没有这个由各个环节的“信徒”组成的网络,那些伟大的独立作品根本无法存活。其中关于九十年代末期独立电影市场泡沫破裂的分析,尤其到位,冷静而客观,毫不留情地揭示了商业资本如何侵蚀艺术的纯粹性。我喜欢作者在论述中保持的那种批判性的距离感,他既是这个圈子的参与者和热爱者,又是冷静的观察者和记录者。书中的排版和插图选择也颇具匠心,那些低分辨率的剧照和海报,本身就带着一种历史的沧桑感,与文字完美地融为一体。读这本书的过程,就像是进行了一次深入的田野调查,收获远超预期。

评分

说实话,我一开始是被“独立电影”这个标签吸引的,毕竟如今的商业大片越来越趋同,能找到一些真正有棱角、不迎合大众口味的东西太难了。这本书的结构处理得非常巧妙,它没有采用简单的编年史叙事,而是围绕着几个关键的“断裂点”来展开,像是萨克那令人咋舌的早期作品,或者那些九十年代初在圣丹斯(Sundance)掀起的波澜。最让我印象深刻的是,作者对“预算”和“创意”之间复杂关系的剖析,他并没有一味地拔高独立制作的“纯粹性”,而是坦诚地展示了资金短缺如何既是束缚,又是激发无限创意的催化剂。他提到某位导演为了省钱,不得不将一个本该是大场面的追逐戏,巧妙地转变成了一场心理上的博弈,这种“化腐朽为神奇”的过程,简直比电影本身还要精彩。文字的密度非常高,但又夹杂着大量的访谈摘录和幕后轶事,使得阅读体验非常饱满。它不是那种让你在沙发上昏昏欲睡的学术读物,而是需要你全神贯注,甚至需要准备好笔和纸来记下那些让你眼前一亮的观点和片名。读完后,我感觉自己的观影品味得到了极大的提升,看电影时会不自觉地去寻找那些“独立”的印记。

评分

没有什么学术价值。叙事学是文学研究中的热门领域,而本成果所开展的“空间叙事研究”则是此领域中新的理论方向,是目前叙事学研究中最有发展前景、最具学术潜力的领域之一。其研究目的,是对传统叙事学重视不够甚至严重忽视的叙事的空间维度或叙事作品的空间元素进行系统考察,进而对叙事与空间所涉及的问题展开了全面、系统的论述,从一个新的视角对叙事问题进行了深入的思考,属于文艺基础理论的创新研究,对于叙事学本身的学科建设,对于文学乃至其他学科的理论创新和研究方法的革新,都具有较为重大的价值。龙迪勇,江西宜春人,主要从事叙事学和文艺学基础理论研究,主持过国家社科基金项目和省级课题多项,论著获省级以上科研成果奖多项。近年来所从事的空间叙事研究,拓展了叙事学研究的领域,是国内最早提出建构“空间叙事学”的学者。

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