Making It:设计师一定要懂的产品制造知识 产品设计制造教程图书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Chris Lefteri 著，張朕豪 译

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店铺： 艺力图书专营店

出版社： 旗標出版股份有限公司

ISBN：9789863121046

商品编码：10346539591

出版时间：2013-04-24

作者： Chris Lefteri 譯者： 張朕豪 出版社： 旗標出版股份有限公司  出版日期：2013-04-24 ISBN/ISSN：9789863121046 語言：繁體中文  ◎ 一本由设计师写给设计师的超级宝贝好书 ◎ 本书使用特别设计的图表、鲜活实用的案例、生产线的照片，来向读者说明各项艰深複杂的生产製造技术，将高深的製造技术由繁化简的传达给读者。 ◎ 作者特别编製《製程特性比较表》比较项目有： 机具设备投资成本、单位产出时间、成品表面粗糙度 成品形状複杂度、成品尺寸、成品尺寸精度、可加工材质 ◎ 收录了 131 种製造技术  其中『更先进的加工技术』所介绍的製造方法 很可能在未来能衍生成大型的量产方式， 甚至掀起下一波的工业革命。 ◎ 本书更罗列出各项技术的优点(＋)、缺点(－)， 适用生产规模、成本、生产速率、可加工材料、 和其主要产品等，更进一步的探讨了每种製造技术 的耗能和环保等议题。

《无界之境：当代艺术与科技的交汇点》 引言：当屏幕成为画布，当代码编织现实 我们正置身于一个前所未有的时代。艺术的边界不再局限于画廊的白墙之内，材料的定义也早已超越了亚麻布与油彩的传统范畴。技术，尤其是数字技术、人工智能与生物工程的飞速发展，正以前所未有的力度重塑着我们感知、创作和体验艺术的方式。《无界之境》并非一本关于如何操作特定软件的指南，而是一次深刻的智识漫游，探索在算法、数据流与物理实体交织的当代世界中，艺术创作的本质、媒介的嬗变以及创作者的全新角色。 本书旨在为那些对跨学科创作充满好奇、渴望理解技术如何赋能艺术表达，同时又警惕技术可能带来的异化效应的读者提供一个全面的思考框架。我们将深入剖析从赛博格美学（Cyborg Aesthetics）到生成式艺术（Generative Art）的演变路径，审视虚拟现实（VR）与增强现实（AR）如何颠覆了“在场”的概念，并聚焦于新兴的去中心化艺术生态（如NFTs）所引发的关于所有权与稀缺性的深刻哲学探讨。 第一部：媒介的拓扑学——从模拟到数字的本体论转变 本部分将追溯艺术媒介的历史性断裂。我们不再视媒介为被动的载体，而是将其视为具有能动性的参与者。 第一章：像素与颗粒：数字表征的权杖 数字图像的出现，标志着对传统再现理论的根本性挑战。本章将分析数字化过程如何重构了“真实感”的定义。我们探讨数字图像的易变性、可复制性以及其内在的非物质性。重点分析了早期计算机图形学（CG）如何从模仿自然光影，转向创造完全独立于物理世界的视觉语言。我们会深入研究媒介理论家如何看待屏幕作为新的观看空间，以及这种空间如何改变了观众的凝视习惯，从深度的沉浸转向表层的滑动。我们考察了“比特位深”（Bit Depth）和“分辨率”（Resolution）这些技术参数如何直接影响到艺术作品的情感传达力度，以及数字噪点（Digital Noise）作为一种新的审美符号的兴起。 第二章：算法即诗歌：生成系统的美学宣言 生成艺术（Generative Art）是理解当代艺术创作模式的关键。本章聚焦于那些将规则集或算法作为主要创作工具的艺术家。我们不会停留于基础的编程概念，而是深入探讨算法作为一种“看不见的雕塑家”所带来的哲学困境：当作者不再直接操控每一个笔触，而是设定初始条件和演化规则时，我们如何界定“作者身份”？我们将分析“混沌理论”（Chaos Theory）和“分形几何”（Fractal Geometry）如何被引入艺术创作，创造出既有秩序又充满不可预测性的视觉结构。此外，我们还会探讨那些利用机器学习（Machine Learning）训练出的模型，它们如何通过学习海量数据后产出“新颖”的作品，从而迫使我们重新定义“创造力”的边界。 第三章：物质的回归——嵌入式系统与智能材料 尽管数字媒介占据主导，但当代艺术的另一重要趋势是“物质的回归”，但这是一种被技术深度赋能的物质形态。本章关注交互式装置（Interactive Installations）和智能材料（Smart Materials）。我们将考察嵌入式电子元件、传感器网络（Sensor Networks）如何赋予静态物体以感知和反应的能力。作品不再是孤立的成品，而是与环境、观众持续进行“对话”的动态系统。深入分析了“具身认知”（Embodied Cognition）在装置艺术中的体现，即身体的在场和动作成为作品意义生成的一部分。探讨了诸如形状记忆合金、电活性聚合物等新兴材料如何使作品本身成为一个微型的、可编程的生命体。 第二部：体验的场域——空间、时间与临场感的重构 本部分将焦点从创作工具转移到体验媒介，探讨技术如何重塑了艺术作品的物理与心理空间。 第四章：虚拟的在场：沉浸式叙事的张力 虚拟现实（VR）和增强现实（AR）是重塑叙事和空间体验的核心技术。本章将区别探讨这两种技术在艺术中的应用：VR如何创造一个完全替代性的、封闭的世界，以及AR如何通过叠加信息层来“解构”或“改造”我们所处的现实。重点分析了沉浸式叙事（Immersive Storytelling）的特点——它要求观众从被动的观察者转变为主动的体验者，并讨论这种强迫性的参与如何影响情感共鸣的深度与持久性。我们还将讨论虚拟空间中的“身体性缺失”与“拟态身体”（Avatars）之间的复杂关系，以及艺术家如何利用这些工具来探索身份的流动性。 第五章：数据可视化作为景观：透明与失控的悖论 数据可视化（Data Visualization）已不再仅仅是科学工具，它演化成一种强大的艺术表达形式，用于揭示隐藏在庞大数据背后的社会结构、政治倾向和环境危机。本章探讨艺术家如何将抽象的数据流转化为引人注目的视觉体验。我们分析了那些旨在“揭露”或“批判”数据收集机制的作品，它们通过过度的可视化，反而制造出一种信息过载的压迫感，以此来讽刺数字时代的“透明度陷阱”。讨论了实时数据流（Live Data Streams）如何将时间维度强行嵌入到静态图像中，使作品成为一个永不停止的记录过程。 第六章：时间性的解构：延迟、循环与永恒的瞬间 在数字领域，时间的弹性被极大地拓展。本章探讨艺术家如何操纵时间轴——通过极度延长的播放时间（如某些长篇录像艺术）、精确的循环（Looping）机制，以及对高速运动的慢速回放。我们考察了“延迟”（Latency）本身如何成为一种美学元素，它不仅仅是技术上的滞后，而是被用来制造心理上的不适感或期待感。对比了传统摄影中对“决定性瞬间”的捕捉，与数字艺术中对“永恒瞬间”的持续构建或消解。 第三部：生态与伦理——数字公民的责任 技术驱动的艺术不仅关乎美学，更关乎其在社会系统中的位置和影响。 第七章：区块链上的签名：去中心化艺术市场的冲击 非同质化代币（NFTs）的出现，为数字艺术的所有权和流通带来了革命性的变化，也引发了巨大的争议。本章将客观分析区块链技术对艺术品稀缺性、真实性验证（Provenance）的影响。我们探讨了艺术家如何利用智能合约来预设作品的二次销售版税，从而改变艺术经济的权力结构。然而，本书也批判性地审视了围绕NFTs的能源消耗问题、市场炒作的泡沫化，以及去中心化哲学与实际市场运作之间的鸿沟。核心在于探究数字原生艺术如何在一个基于加密验证的框架内寻求价值认同。 第八章：人机共生的边界：伦理困境与后人类视角 随着人工智能日益深入地参与到创作流程中，我们必须正视伦理挑战。本章深入探讨了AI生成艺术的版权归属问题，以及数据集偏差（Dataset Bias）如何无意中复制和固化了社会偏见。我们审视了“后人类主义”（Posthumanism）的观点，即艺术家与非人类实体（AI、机器人）之间的合作关系如何挑战了以人类为中心的创作范式。讨论了艺术家在运用生物技术（BioArt）时所面临的公众接受度和法律界限，强调了负责任的创新在面对生命物质时的重要性。 结论：在不确定的未来中锚定意义 《无界之境》的终极目标，是鼓励读者将技术视为一种需要被审视和雕塑的原材料，而非一个被动接受的工具。在技术迭代速度持续加快的今天，艺术家的核心任务，正如本书所展示的，是保持敏锐的批判性视角，在无界的技术可能性中，锚定那些关乎人类经验、情感连接与社会责任的恒久意义。艺术的未来，不在于技术本身有多先进，而在于我们如何利用这些工具，去更好地理解我们自己和我们共同构建的这个日益数字化的世界。

评分☆☆☆☆☆

这本《Making It:设计师一定要懂的产品制造知识 产品设计制造教程图书籍》的封面设计得非常吸引眼球，光是看到那充满工业美感的排版和大胆的色彩运用，我就忍不住想翻开它。书的厚度适中，纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，给人一种扎实可靠的感觉。我原本以为这会是一本枯燥的教科书，充满了晦涩难懂的专业术语，没想到它的开篇就以一个引人入胜的案例，讲述了一个从概念到实物的曲折过程，瞬间就抓住了我的注意力。作者似乎非常擅长将复杂的设计制造流程，拆解成易于理解的步骤，并且穿插了大量的实际操作经验分享，让我感觉不像是在阅读一本理论著作，更像是在向一位经验丰富的前辈请教。这种平易近人的叙事风格，对于像我这样刚入行不久的设计师来说，简直是如获至宝，它解答了我许多关于“为什么这个材料不能这样用”或者“如何让设计更具可制造性”的困惑。我特别欣赏它对于不同制造工艺的分类和介绍，从注塑到钣金，再到3D打印，每种工艺的优缺点、适用范围以及成本考量都描述得丝丝入扣，让我的设计视野一下子开阔了许多，不再局限于自己熟悉的几种技术，而是能更全面地评估一个项目的可行性。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本书的过程中，我发现它对于细节的关注程度令人咋舌，几乎可以说是达到了吹毛求疵的地步。比如，在谈到公差设计时，书中不仅仅给出了标准的数值范围，还配有大量图表对比，清晰地展示了不同的公差标准对最终产品装配精度和成本之间微妙的平衡关系。我记得有一章专门讲解了模具的结构和维护，这部分内容通常在其他设计书籍中一带而过，但这本书却用了整整十几页的篇幅，细致入微地描绘了型腔、型芯、顶杆等核心部件的设计要点，甚至连脱模斜度对不同材料的影响都做了深入探讨。我立刻联想到我之前一个项目就因为忽略了脱模角度导致样品报废，当时真是浪费了大量时间和金钱，如果早点读到这本书，绝对能避免那个低级的错误。更值得称赞的是，作者没有停留在“是什么”的层面，而是深入挖掘了“为什么是这样”，比如为什么某些倒角需要特定的半径，为什么孔的位置需要避开应力集中区域。这种追根究底的研究方法，极大地提升了我对“设计合理性”的理解深度，让我明白，一件好的产品，其美感绝不仅仅是表面的造型，更是内在结构和制造逻辑的完美统一。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对于“成本控制”的探讨视角，这简直是为我这种“理想主义”设计师敲响的警钟。很多设计书籍只谈如何实现一个绝妙的想法，却很少深入剖析这个想法在量产时会付出怎样的代价。然而，《Making It》却将成本分析融入到了每一个设计决策的环节中。比如，它对比了使用不同材料、不同加工复杂度的零件，在小批量试产和大批量生产时，单位成本是如何变化的，并且详细解释了固定成本和变动成本是如何影响最终定价的。书中甚至提供了一些简化版的成本估算模型，虽然不是精确的财务报表，但足以让设计师在概念阶段就能对自己的设计“值不值”有个大致的判断。这让我学会了在“想要”和“能负担得起”之间找到一个优雅的平衡点。不再盲目追求那些技术上可行但经济上不可行的方案，而是主动去探索那些既能满足设计目标，又能实现最优成本效益的制造路径。这种思维的转变，对于任何希望产品能够真正走向市场的从业者来说，都是至关重要的。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，一个优秀的产品设计师，不应该只停留在“画图”的层面，而应该是一个能够与制造工程师无缝沟通的“多面手”。这本书无疑极大地填补了我在这方面的知识鸿沟。它让我明白了，设计不仅仅是关于形式和功能的结合，更是关于材料科学、公差配合、模具精度、以及供应链管理的综合艺术。其中对于表面处理工艺的介绍尤其细致，从电镀、阳极氧化到喷涂的各种化学和物理过程，以及它们对产品外观和耐用性的长期影响，都有清晰的说明。最有趣的一点是，书中还穿插了一些“反面教材”的案例，分析了哪些著名的产品因为制造上的缺陷导致了大规模召回，这让阅读过程充满了真实感和警示意义。通过这本书的学习，我发现自己看产品的眼光都变了，现在拿到任何一个新产品，我都会不自觉地去分析它的接缝是如何处理的，螺丝是如何隐藏的，以及它最有可能采用哪种制造工艺。这种由内而外的“逆向工程式”思考，是这本书带给我最持久的价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局，说实话，初期让我有些不适应，因为它与市面上那些追求极简主义或纯图文并茂的教程风格大相径庭。它更像是一份详尽的工程手册，信息密度非常高，每一页都塞满了密集的文字、流程图、以及看起来像是从CAD截屏里直接拿出来的剖面图。起初我感觉有些吃力，需要放慢速度，甚至需要对着书本上的术语查阅资料才能完全理解。但是，当我在实际工作中遇到棘手的问题，比如需要与供应商进行关于“拔模方向”的激烈讨论时，我发现这本书成了我的“救命稻草”。我迅速翻到相关章节，那些曾经觉得拥挤的图表和文字，此刻却如同精确的导航图，直指问题的核心。我意识到，这种“不美观”的布局，恰恰是它专业性和实用性的体现——它摒弃了花哨的装饰，只为高效地传递最核心、最关键的制造信息。它更像是一本工具书，一本随时可以被翻开来查阅具体参数和工艺限制的“制造圣经”，而不是一本睡前读物。