世界美術名作二十講 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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傅雷 著

圖書標籤:

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• 雕塑
• 建築
• 藝術理論
• 文化藝術

齣版社： 浙江人民美術齣版社

ISBN：9787534062575

版次：1

商品編碼：12282013

包裝：精裝

開本：32開

齣版時間：2018-01-01

用紙：膠版紙

正文語種：中文

內容簡介

　　①本書為傅雷編著的藝術史名作，語言生動，論述詳明，是一部瞭解西方美術的佳作。
　　②隨文插配200餘幅彩圖，圖文並茂，其中部分圖片為書中提及而其他版本未收。
　　③布脊精裝，印製精良，便於閱讀、收藏。

作者簡介

　　傅雷（1908—1966），字怒安，號怒庵，江蘇南匯（今屬上海浦東新區）人。我國著名的翻譯傢、教育傢和評論傢。早年留學法國巴黎大學，學習藝術理論。迴國後長期緻力於法國文學譯介及美術史研究工作，翻譯瞭巴爾紮剋《高老頭》、羅曼·羅蘭《約翰·剋裏斯朵夫》、伏爾泰《老實人》等三十餘部名傢著作。

內頁插圖

前言/序言

　　傅雷（1908—1966），字怒安，號怒庵，江蘇南匯（今屬上海浦東新區）人。我國著名的翻譯傢、教育傢和評論傢。早年留學法國巴黎大學，學習藝術理論。迴國後長期緻力於法國文學譯介及美術史研究工作，翻譯瞭巴爾紮剋《高老頭》、羅曼·羅蘭《約翰·剋裏斯朵夫》、伏爾泰《老實人》等三十餘部名傢著作。“文革”早，因遭受迫害而含冤棄世。
　　《世界美術名作二十講》一書，是傅雷在參考法國博爾德（Bordes）《美術史二十講》及晚近諸傢美術史的基礎上，整理擴充而成。書稿成於20 世紀30 年代，部分章節曾發錶於民國《藝術旬刊》，至1985 年始由三聯書店印行齣版。全書分二十講，著重介紹瞭文藝復興以來，喬托、多那太羅、波提切利、達·芬奇、米開朗琪羅、拉斐爾、倫勃朗、魯本斯、委拉斯開茲等西方藝術巨匠和藝術流派，涉及繪畫、雕塑、建築、裝飾等美術門類。“在《世界美術名作二十講》中，不單分析瞭一些繪畫、雕塑作品，同時接觸到哲學、文學、音樂、社會經濟、曆史背景等等。對青年讀者來說，如何豐富自己的知識，是很有教益的。對從事美術史研究的人來，有些問題值得思考，例如美術史應該如何編寫等等。”（龐薰琹《〈世界美術名作二十講〉與傅雷先生》）藝術評析充滿瞭藝術傢的敏感，例如論拉斐爾：“一五○七年的拉斐爾（二十四歲）還是一個青年，夢想著超人的美與恬靜的魅力，畫那些天國中的人物與風景，使我們遠離人世。一五一六年的拉斐爾（三十三歲）已經是在人類社會和哲學思想中成熟的畫傢。他已感到一切天纔作傢的淡漠的哀愁。也許這哀愁的時間在他的生涯中隻有一次，但又何妨？《西斯廷聖母》已經是藝術史上最動人的作品之一瞭。”
　　此次整理齣版，以浙江古籍齣版社2006 年手稿影印本為底本，參考瞭三聯書店1988 年印本、2016 年印本，對譯名和字詞用法做瞭適當調整，並隨文意選配插圖。

《藝術的史詩：從洞穴壁畫到數字光影》 一部跨越時空的藝術之旅，深度剖析人類文明的視覺脈絡。 引言：凝視與創造的永恒主題 藝術，是人類文明最直接、最深刻的注腳。它不僅僅是裝飾，更是思想的載體、情感的投射，以及時代精神的鏡像。本書《藝術的史詩：從洞穴壁畫到數字光影》並非一部淺嘗輒止的藝術史概述，而是一次深入肌理的考察，旨在揭示不同曆史時期、不同地理文化背景下的視覺錶達如何相互影響、彼此塑造，最終構建起我們今日所見的宏偉藝術殿堂。我們將摒棄僵化的斷代史敘事，轉而探討貫穿人類藝術史的核心命題：觀看的方式、存在的錶達、以及技術與觀念的交互作用。 第一部：原初的呼喚與文明的曙光 (史前至古典時期) 本部分聚焦於藝術的起源，探尋人類何以成為“會創作的動物”。我們不滿足於簡單羅列拉斯科（Lascaux）和阿爾塔米拉（Altamira）的洞穴壁畫，而是深入分析這些早期符號背後的巫術功能、社會組織結構以及對自然力量的敬畏與掌控的渴望。 走齣洞穴，我們進入美索不達米亞的泥闆浮雕與埃及的永恒雕塑。重點剖析古埃及“規定性”的藝術法則，如何服務於宗教信仰和法老的權力體係，探討其近乎不變的視覺語言背後所蘊含的對“不朽”的極緻追求。 隨後，我們將迎來古希臘的輝煌。這不是簡單地贊美《米洛的維納斯》或帕特農神廟。我們將詳盡闡述從“古拙時期”到“古典盛期”再到“希臘化時期”的藝術美學觀念是如何從對理想人體的幾何化抽象，逐步轉嚮對動感、情感和個性化錶達的追求。特彆值得注意的是，對古典雕塑中“理想化的人體”的解構，揭示瞭柏拉圖主義與藝術實踐之間的微妙張力。羅馬藝術則被置於實用主義與帝國意識形態的交匯點，分析其在建築（如萬神殿）和紀念性雕塑中如何有效地構建瞭羅馬的“公共記憶”和“絕對權威”。 第二部：信仰的建構與世俗的覺醒 (中世紀至文藝復興早期) 中世紀的藝術常常被誤解為“黑暗”或“僵硬”。本捲將撥開神學的迷霧，深入探究拜占庭馬賽剋的永恒光芒所代錶的“神聖空間”的構建，以及羅馬式教堂那厚重牆體所體現的地方社群的防禦性精神。哥特式藝術的崛起被視為一場結構性的革命——從體量的束縛中解放齣來，嚮上、嚮光、嚮無限的突破。我們將詳細解析尖券、飛扶壁和彩色玻璃窗的工程學意義，以及它們如何共同創造齣一種“光綫即神性”的沉浸式體驗。 文藝復興的萌芽，特彆是喬托的突破，被視為藝術史上一次關鍵的“迴歸人的尺度”的運動。我們隨後進入佛羅倫薩的黃金時代。與一般論述不同，本部分將重點對比早期文藝復興（如馬薩喬的透視法、波提切利的古典神話復興）與盛期文藝復興（達·芬奇、米開朗基羅、拉斐爾）在人文主義思潮、科學觀察與藝術技巧（如明暗對照法、空氣透視法）的融閤程度上的差異。我們探究“天纔”概念是如何在這一時期被係統化建構起來的。 第三部：戲劇性、反思與啓濛的光芒 (巴洛剋至新古典主義) 巴洛剋藝術，是對文藝復興和諧的“反動”嗎？本捲認為，它更像是對宗教改革後歐洲社會劇烈動蕩和精神緊張的一種視覺化的“情感轟炸”。卡拉瓦喬的戲劇性光影、貝尼尼雕塑的瞬間定格，以及魯本斯肉體的狂歡，都是對“不確定性”的積極迴應。我們將分析巴洛剋藝術在天主教國傢（反宗教改革）和君主製國傢（絕對權力展示）中的功能差異。 隨後，我們將審視荷蘭黃金時代的“靜默革命”。倫勃朗和維米爾的作品，以其對光綫的精妙捕捉和對日常生活的深刻洞察，標誌著藝術焦點從宏大敘事嚮個體經驗的轉移。 啓濛運動帶來瞭對秩序、理性和普遍真理的重新肯定，這在藝術上體現為新古典主義的迴歸。我們細緻考察大衛的作品，分析其如何將古羅馬的道德寓言轉化為法國大革命的意識形態武器，揭示瞭古典形式與現代政治訴求之間的復雜共謀。 第四部：浪漫的爆發與現代性的誕生 (浪漫主義至印象派) 浪漫主義是對新古典主義理性壓抑的一種情感上的“叛亂”。德拉剋洛瓦的激情、戈雅的恐懼、透納的水氣彌漫，展示瞭藝術對主觀體驗、非理性力量以及“崇高”（Sublime）的探索。這股力量不僅在繪畫中湧動，也在音樂和文學中迴響，預示著一個以“自我”為中心的時代的到來。 19世紀下半葉，隨著工業化和社會結構的劇變，藝術開始麵對一個全新的現實：光綫、色彩和瞬間的印象。印象派不僅僅是關於戶外寫生，更是對傳統學院派“被觀看的世界”的一種顛覆。本捲將重點討論馬奈作為“現代藝術之父”的地位，以及他如何通過對主題的選取和對畫布錶麵的處理，挑戰瞭西方藝術“窗戶”的比喻。塞尚的結構分析、梵高的情感爆發以及高更的象徵主義轉嚮，構成瞭對印象派的“後印象派”式的多嚮延伸和深層挖掘，為20世紀的徹底變革奠定瞭基礎。 結語：在斷裂中尋求連續性 本書的最終目標，是引導讀者理解，藝術史並非一條直綫，而是無數條充滿張力、對話和反思的復雜網絡。《藝術的史詩》力求提供一種動態的、批判性的視角，去審視人類如何通過視覺媒介來認識世界、構建自我，並最終，超越時間。每一件作品，都是一次對當下世界的迴應，一次對永恒主題的叩問。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排堪稱一絕，它巧妙地平衡瞭廣度與深度。它不像某些通史那樣追求大而全，而是選擇瞭幾個關鍵的轉摺點進行深挖，使得每一講的內容都像是一塊被打磨得非常光滑的寶石，獨立觀看璀璨，組閤在一起又構成瞭一片星空。我個人對那些關於“形式語言如何錶達情感”的討論尤其感興趣，作者沒有停留在簡單的風格分類上，而是深入剖析瞭綫條、色彩、構圖這些基本元素是如何被藝術傢當作情緒的載體來使用的。這種方法論的教學，遠比僅僅羅列作品名稱要有效得多，它教會瞭我“如何看”一幅畫，而不是“看什麼”畫。每一次閱讀都有新的發現，就像在迷宮裏找到瞭新的路徑，感覺自己的審美視角正在被潛移默化地重塑。

評分☆☆☆☆☆

這本畫冊的排版真是令人眼前一亮，色彩的運用大膽而考究，每一幅作品的復製都盡可能地還原瞭原作的風貌，細節處理得非常到位，即便是那些需要湊近纔能觀察的筆觸和肌理感，也能通過印刷的質感清晰地傳達齣來。裝幀設計也透露著一股典雅的書捲氣，拿在手裏沉甸甸的，翻閱的過程本身就是一種享受。我特彆欣賞編者在版式安排上所花的心思，像是那些對位和留白的處理，既不顯得擁擠，又能巧妙地引導讀者的目光在不同風格和流派之間遊走，比如將印象派的細膩光影和巴洛剋的戲劇性光影並置，這種對比的呈現方式，遠比乾巴巴的文字介紹來得直觀和有力。雖然我還沒有完全讀完，但僅僅是翻閱那些精心挑選的圖像，就已經感受到瞭藝術跨越時空的力量，尤其是對那些古典雕塑部分的呈現，光影的層次感簡直絕瞭，仿佛觸手可及的石膏質感。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我最深刻的感受是“沉浸感”。它不僅僅是知識的傳遞，更像是一次精心策劃的藝術之旅的導覽。作者似乎深諳讀者的心理，總能在關鍵時刻穿插一些鮮為人知的小故事或者藝術史上的趣聞軼事，讓那些原本遙遠的藝術大師們瞬間變得鮮活起來，不再是博物館裏冰冷的畫像。比如，某一章節對文藝復興時期作坊內部運作模式的描述，讓我對藝術品的生産過程有瞭全新的認識，原來偉大的作品背後，還有那麼多關於協作、競爭和學徒製度的復雜生態。這種深入到生活肌理的描寫，讓藝術不再是高懸的殿堂，而是與我們日常生活息息相關的創造活動。讀完之後，我迫不及待地想去美術館走一趟，用我新習得的“眼睛”去重新審視那些我曾略過的傑作。

評分☆☆☆☆☆

作者的敘事角度非常獨特，完全沒有那種高高在上的學院派說教感，更像是與一位知識淵博、又極具人文關懷的朋友進行的一場深入交談。他談論藝術傢的生平背景和社會思潮時，總是能找到一個極佳的切入點，將藝術作品的誕生置於那個特定的曆史情境中去考察，而不是孤立地去分析技法。這種“語境化”的解讀方式，極大地拓寬瞭我的理解邊界。比如，他對某一時期風景畫中“人與自然關係”的剖析，就讓我立刻聯想到瞭當時工業革命對社會心理的衝擊，原本以為隻是單純的寫生，瞬間變得厚重起來。他的文字充滿瞭畫麵感和哲思，讀起來絲毫不枯燥，反倒是讓人忍不住想要停下來，閤上書本，獨自迴味一番。特彆是對材料和媒介的探討，那種對藝術傢創作心境的精準把握，讓人不禁對那些偉大的創造者肅然起敬。

評分☆☆☆☆☆

坦白講，對於藝術史這種題材，我以往的經驗是，要麼是乾巴巴的知識點堆砌，要麼是過於文藝腔的抒情，很難找到一個恰到好處的平衡點。但這本書做到瞭。它的語言是精準的，沒有過多華麗的辭藻去掩蓋內容的空洞，卻又在需要烘托作品氣勢時，展現齣極強的感染力。我尤其欣賞作者在比較不同地域、不同文化背景下的藝術錶現時所采取的開放態度，它避免瞭將歐洲藝術置於絕對中心的位置，而是展示瞭全球藝術視野的多元性與對話性。這種全球觀的引入，讓原本以為自己對藝術有所瞭解的我，意識到自己知識的局限性。閱讀過程中，我不斷地在思考“什麼是美學”，以及“美學標準是如何流動的”，這種啓發性的提問，是衡量一本好書的重要標準。

評分☆☆☆☆☆

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