電影聲音製作實用技巧 第4版 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[美] 大衛·路易斯·耶德爾（David Lewis Yewdall） 著，黃英俠 譯

圖書標籤:

• 電影聲音
• 聲音設計
• 錄音
• 混音
• 後期製作
• 電影製作
• 實用技巧
• 第4版
• 音效
• 對白

齣版社： 人民郵電齣版社

ISBN：9787115469465

版次：4

商品編碼：12371512

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2018-06-01

用紙：膠版紙

頁數：544

正文語種：中文

産品特色

編輯推薦

基於作者本人和諸位知名聲音設計師的經驗，堅定著眼於實際操作，在傳授實用技巧的同時也包含瞭對於創造高超藝術聲音經驗的賞析，它從聲音設計師的角度來解析聲音，包含瞭不少令讀者走齣聲音製作睏境的實用建議。本書對影視聲音製作的講述深入淺齣，整本書給人感覺平易近人，實用性和指導性非常強，是一本從初學者到知名電影人都應該閱讀的著作。

內容簡介

本書囊括瞭電影和電視聲音製作的各個方麵，側重實際工作中的問題與解決方案。本書為你展示瞭如何在預算少、設備缺乏、錄音條件不佳的情況下製作齣優秀的聲音。基於作者和其他知名聲音剪輯師們的經驗和實際操作技巧的堅實基礎，本書提供瞭實際的案例和相關技術數據，還涉及創作藝術化聲音體驗的應用過程。本書從聲音部門至關重要的創作人員的角度檢視聲音，不僅描述瞭當代的實際操作，而且提供瞭實際建議，帶領讀者繞過無數的陷阱。
本書附帶的DVD光盤中包含來自作者個人聲效庫的超過1000個聲效文件，同時本書的配套網站提供瞭實際的範例、上百種圖錶、照片和練習，《電影聲音製作實用技巧（第4版）》將奉獻給你一部整體套裝（詳見附錄3）。
本書作者大衛·路易斯·耶德爾（David Lewis Yewdall）是一位製作瞭超過140部電影聲音的老手，多數作品都收錄於互聯網電影資料庫IMDB網站中。他自1984年始即是美國電影藝術與科學學院（Academy of Motion Picture Arts and Sciences，AMPAS）的成員，自1986年始成為美國電影聲音剪輯師協會（Motion Picture Sound Editor，MPSE）的會員，同時還是2000—2010年美國北卡羅來納藝術學院教師中的一員。

作者簡介

本書作者大衛·路易斯·耶德爾（David Lewis Yewdall）是一位製作瞭超過140部電影聲音的老手，多數作品都收錄於互聯網電影資料庫IMDB網站中。他自1984年始即是美國電影藝術與科學學院（Academy of Motion Picture Arts and Sciences，AMPAS）的成員，自1986年始成為美國電影聲音剪輯師協會（Motion Picture Sound Editor，MPSE）的會員，同時還是2000—2010年美國北卡羅來納藝術學院教師中的一員。

目錄

第 1章　聲音的能力 1
第 2章　我們業餘的初始 5
2．1　早期的應用 7
2．2　對布魯斯·坎貝爾（Bruce Campbell）的采訪 9
2．3　培養你的眼睛和耳朵去觀察、探聽 14
2．4　保護你最珍貴的財産 15
第3章　傳統的消失和新時代的到來 16
3．1　傳統的消失 16
3．2　程序的演變 18
3．3　如何達到這一步？ 20
第4章　成功還是失敗：決定於攝影機轉動之前 21
4．1　理解聲音的藝術形式 24
4．2　“間接的”威脅隨時會齣現 25
4．3　保瞭芝麻丟瞭西瓜 27
4．4　積纍基礎常識 28
4．5　臨時混錄 30
4．6　細讀閤同條款 31
4．7　但是，你說它應該便宜些！ 33
4．8　預算基礎 33
4．9　消失的聲音導演 44
4．10　斯科特·伯恩斯（Scott Byrns）和保羅·熱弗雷（Paul Geffre） 45
4．11　理查德·剋萊博（Richard Clabaugh）和約翰·魯什頓（John Rushton）［紅狼（Crimson Wolf）製片公司］ 46
第5章　拍攝現場的挑戰 52
5．1　同期錄音團隊 53
5．2　同期錄音的步驟 55
5．3　基本錄音設備 56
5．4　模擬還是數字 57
5．5　備份磁帶 58
5．6　參考電平 58
5．7　錄音報告 60
5．8　話筒和指嚮性圖 63
5．9　“智慧”拍闆 70
5．10　棚內話筒杆 71
5．11　減震架和防風罩 71
5．12　魚竿式話筒杆 72
5．13　好的舉杆技巧 73
5．14　使用無綫話筒 75
5．15　錄製房間音和非同步聲音 76
5．16　分開有源聲 77
5．17　X-Y話筒配置 78
5．18　立體聲極頭話筒 80
5．19　現場錄音監聽的幻覺 80
5．20　多聲道混錄 82
5．21　實際錄音中的耳機對話 82
5．22　在雪中錄音的危險 84
5．23　用話筒杆所以靈活 85
5．24　“視覺”導演和電影攝影師應該形成的觀點 91
5．25　終 極目標和挑戰 94
第6章　從現場到洗印廠 95
6．1　轉錄工序 95
6．2　數據是金子 103
6．3　35mm電影膠片的變體 103
6．4　標準電平（Line-up Tones） 105
6．5　時間碼：討厭的電子蟋蟀 107
第7章　畫麵剪輯和聲音媒介的使用 114
7．1　絕 對的堡壘 114
7．2　從洗印廠到剪輯颱 114
7．3　膠片的頭和尾牽引片 116
7．4　編碼記錄本 120
7．5　浪漫神話的危險 122
7．6　保險的力量 122
7．7　利安德·塞爾斯（Leander Sales） 123
7．8　馬剋·高德布拉特（Mark Goldblatt）A．C．E．（美國電影電視剪接師協會會員） 124
7．9　節省成本和高價失誤 125
7．10　快速完成主角度的拍攝 126
7．11　非綫編問題 128
7．12　聲音和畫麵剪輯師 129
7．13　霍華德·史密斯（Howard Smith）A．C．E（美國電影電視剪輯師協會會員） 132
7．14　一連串機遇 134
7．15　羅恩·魯斯（Ron Roose） 137
7．16　接觸它—體驗它 139
7．17　尋找步入剪輯工作的途徑 140
7．18　更多的有色人種技師 142
第8章　臨時混錄和試映：一種批評的客觀視角 144
8．1　試映 144
8．2　臨時混錄的用途 146
第9章　為聲音和音樂製作拉片 149
9．1　評估同期聲帶 149
9．2　最初的臨時音樂和聲效 150
9．3　“看片”之後 151
9．4　需要精 確的記錄：一種法律文書 151
9．5　聲音監督的“聖經” 152
9．6　拉片過程 153
9．7　有何可能的啓示 154
第 10章　定製聲效錄音真正又有趣又冒險 156
10．1　定製錄音的冒險 160
10．2　為什麼要有定製錄音的專傢？ 162
10．3　聲音剪輯師錄製自己的素材 164
10．4　劇本分解的重要性 183
10．5　以5．1聲道錄製現場聲 184
10．6　為成功的錄音做準備 186
第 11章　聲音資料員：聲音帝國的管理員 189
11．1　本章序幕 189
11．2　定製錄音新的聲效 189
11．3　“找到它”方法的改進 190
11．4　從光學聲帶到磁性膠片 190
11．5　形成一個係統來尋找內容 193
11．6　存檔的穩定性 194
11．7　音頻文件的基本清理 198
11．8　復雜聲效的母版製作 200
11．9　聲音文件協議 206
11．10　多聲道母版製作技巧 207
11．11　多聲道母版製作 208
11．12　聲效目錄數據庫 211
11．13　傳統目錄數據庫 215
11．14　將庫升級到96kHz/24-bit 217
第 12章　聲音設計：傳說與現實 219
12．1　“大聲效”（Big Sound） 220
12．2　美國聲音設計 221
12．3　聲音設計的錯誤信息 223
12．4　鮑勃·格利夫（Bob Grieve）和西部片 225
12．5　設計與一團糟之間的差異 227
12．6　巨大的槍聲 234
12．7　什麼使爆炸更大 235
12．8　對細節的滿意 236
12．9　真實之於娛樂 236
12．10　“環境化”（Worldizing）的聲音 238
12．11　《十萬火急》（Daylight）中的環境化 242
12．12　需要考慮的一些忠告 242
12．13　製作約翰·卡朋特的《怪形》 243
第 13章　聲音剪輯：同步-同步，剪-剪 245
13．1　聲音剪輯團隊的組成 246
13．2　策略的醞釀 252
13．3　哪種準備技巧？ 258
第 14章　聲音剪輯：超低成本的策略 281
14．1　受到“你不知道你不知道什麼！”之苦 282
14．2　聲音方麵的忠告 283
14．3　同期聲 283
14．4　聲音編輯策略 289
14．5　嚮剪輯師與混錄師結閤的演變 292
14．6　雄心大—手頭緊 296
14．7　保持緊張—精益求精 297
14．8　重新思考創作的連續性 299
14．9　不要忘瞭M&E;（音樂和聲效） 301
14．10　解決超低成本難題的範例 302
14．11　奇尼·凱伊（Kini Kay） 304
14．12　底綫 307
第 15章　對話剪輯：好萊塢的無名英雄 308
15．1　後期製作之前的質量控製 308
15．2　對話剪輯策略 309
15．3　對話順序單（Dialog Sequence Sheets）或剪輯決定單（EDL） 309
15．4　自動套底：OMF還是相位匹配同步 312
15．5　從影片的原始素材重新轉錄對話 314
15．6　套剪對話聲軌的策略 316
第 16章　ADR和配音使口型保持同步 325
16．1　ADR 327
16．2　正確使用語言 333
16．3　配音ADR颱詞 336
16．4　ADR錄音棚：團隊 345
16．5　話筒的選擇及布置 347
16．6　ADR保護報告 348
16．7　ISDN遠距離通信聯鎖 348
16．8　循環圈錄音的迴歸 349
16．9　亞力山大·馬可斯基（Alexander Markowski） 354
16．10　非人類聲音的配音 358
16．11　剪輯ADR的技巧 360
第 17章　動效：腳步聲、道具聲和運動時衣服聲音的技藝 362
17．1　傑剋·弗利（Jack Foley） 362
17．2　現代動效 365
17．3　這是真的地麵 367
17．4　道具室 372
17．5　動效剪輯監督 376
17．6　強調動作的創作 377
17．7　領銜動效師的選擇 378
17．8　突破聲音障礙的電視 379
17．9　在動效過程中監督 381
17．10　動效提示單 383
17．11　剪輯動效 388
17．12　最終全部閤成 394
第 18章　作麯傢：是聲音的閤 作者，還是混亂與破壞者 396
18．1　為銀幕作麯的挑戰 397
18．2　盡早定下音樂作麯傢 399
18．3　基本機製 400
18．4　巴索·普列多斯（Basil Poledouris） 401
18．5　電影作麯的觀念 403
18．6　音樂剪輯師 406
18．7　洞察力的優雅遊戲 408
18．8　影響創作的類似問題 408
18．9　美國境外銷售的指標 409
第 19章　混錄棚——預混和終混 411
19．1　混錄 411
19．2　機架 413
19．3　混錄師 417
19．4　預混：戰術流程 419
19．5　調音颱的新領隊 422
19．6　誰在真正管理混錄？ 424
19．7　適當的禮貌與配閤 425
19．8　混錄磁底 426
19．9　國際聲帶 430
19．10　混錄動作片《特工紹特》（Salt） 431
第 20章　同期聲四種數字便攜錄音機 436
20．1　Zaxcom Deva 5．8和Deva 16 436
20．2　SOUND DEVICES數字錄音機 439
20．3　FOSTEX PD-6數字錄音機 442
20．4　AATON CANTAR-X數字錄音機 447
20．5　最終目標和挑戰 455
第 21章　值得尊敬的Nagra IV-S（模擬）錄音機 456
21．1　實用的Nagra專業錄音機 456
21．2　電池供電 458
21．3　速度和EQ選擇 459
第 22章　正在齣現的技術 聲音的復原與著色 479
22．1　從5．1到6．1以及更高 479
22．2　質量控製的遊戲 482
22．3　沉浸式的機會 483
22．4　音頻復原 485
22．5　著色處理：來自內心的偏見 490
22．6　互動遊戲的聲音設計部門 502
22．7　視頻遊戲業的聲音 504
22．8　一切都取決於你 529
附錄1　詞匯錶 530
附錄２　本書附贈DVD相關信息 536
DVD——如何使用本光盤 536
附錄３　本書配套網站 539
如何使用網站 539
附錄４　如何轉換音頻文件 542
法律提示 544

《視覺敘事與光影構建：數字影像的深度解析》 內容簡介 本書深入探討瞭數字影像製作領域的核心理論與實踐技巧，旨在為電影製作人、攝影指導、後期製作專傢以及對視覺藝術有濃厚興趣的讀者，提供一套全麵且具有前瞻性的知識體係。不同於側重於特定技術環節（如聲音設計）的專著，本書將焦點完全置於影像的語言、光綫的運用以及場景的構建上，緻力於提升讀者對“如何用畫麵講述故事”的理解和執行能力。 全書共分為七大部分，係統地梳理瞭從前期視覺概念的形成到後期數字閤成的完整流程，尤其強調瞭藝術洞察力與尖端技術相結閤的重要性。 --- 第一部分：影像敘事的哲學基礎 本部分首先確立瞭視覺敘事在當代電影中的核心地位。我們探討的不是聲音如何輔助畫麵，而是畫麵本身如何成為敘事的主體。 敘事的光學原理： 分析經典電影案例中，鏡頭運動、景彆選擇如何潛移默化地影響觀眾的情感共鳴和信息接收速度。深入研究“凝視”理論在不同文化背景下的視覺接受差異。 構圖的心理學基礎： 超越傳統的“三分法”，探討黃金比例、負空間（Negative Space）在製造視覺張力與引導視綫流嚮中的作用。討論如何利用視覺重量和對角綫結構來暗示衝突與和諧。 色彩理論與情緒映射： 詳細闡述色輪理論在數字影像調色中的實際應用。重點分析特定色調（如青色-橙色、高調/低調）如何直接與角色的心理狀態、環境的氛圍形成強關聯。不涉及聲音對情緒色彩的疊加影響。 --- 第二部分：光綫的雕塑藝術：照明設計進階 光綫是電影的骨架。本部分完全聚焦於如何在三維空間中精確地“雕刻”場景，使光影成為故事的有機組成部分。 自然光與模擬： 研究日光在不同時間、不同地理位置的物理特性，以及如何使用高效的燈光設備和反射闆，在室內精確地模擬齣特定時刻的自然光。重點分析窗口光、頂光在塑造角色麵部立體感上的細微差彆。 三點布光法的解構與重構： 不僅講解主光、輔光、輪廓光的標準配置，更側重於如何通過改變光的硬度（柔光箱、格柵、紗片）和角度，來錶達角色的道德立場或內在矛盾。 環境光的整閤與控製： 探討如何將現場光源（如霓虹燈、屏幕光、火焰）有效地融入畫麵，並確保它們在數字閤成階段能與後期添加的光效無縫銜接，保持物理真實感。 --- 第三部分：鏡頭語言與鏡頭運動的精準控製 本部分旨在提升操作者對焦段、光圈和運動軌跡的掌控力，使每一次鏡頭選擇都服務於敘事節奏。 焦段的敘事選擇： 對廣角（誇張空間感）、標準（還原人眼視角）和長焦（壓縮空間、隔離主體）進行深度對比分析。特彆關注超長焦在特定戲劇場景中營造的壓迫感。 景深在焦點敘事中的應用： 討論大景深（Deep Focus）如何允許觀眾自主選擇關注點，以及淺景深（Shallow Focus）如何強製觀眾聚焦於角色的細微錶情變化。 運動鏡頭的動態美學： 詳盡分析搖攝（Pan）、移攝（Tilt）、跟拍（Tracking）和斯坦尼康（Steadicam）在傳達主觀體驗和客觀觀察之間的微妙平衡。探討無人機鏡頭如何打破傳統運動的物理限製，構建宏大視角。 --- 第四部分：數字成像原理與感光介質模擬 本部分深入技術核心，關注數字傳感器的工作原理以及如何模仿傳統膠片的質感。 傳感器與動態範圍： 解釋CMOS/CCD傳感器的工作原理，重點解析“動態範圍”的概念，以及如何在曝光設定中最大化保留高光和陰影區域的細節。 噪點與紋理的控製： 區分“有用噪點”（如膠片顆粒的模擬）與“無用噪點”（數字僞影）。教授如何通過降噪工具和紋理疊加技術，為數字素材注入特定的“年代感”或“粗糲感”。 色彩空間與工作流程： 詳細介紹Log格式的原理及其在後期調色中的優勢，對比Rec.709、DCI-P3等主流色彩空間標準，確保從拍攝到顯示的一緻性。 --- 第五部分：場景構建與美術指導的視覺協同 影像的成功不僅依賴於攝影師，更依賴於與美術部門的無縫閤作。 場景的視覺密度分析： 如何評估一個場景中元素的豐富程度，避免畫麵“過載”或“過於空洞”。 道具與服裝的色彩語匯： 分析特定紋理和道具的選擇如何增強環境的可信度，以及服裝色彩如何在不喧賓奪主的情況下，與場景的整體調性保持一緻。 微縮景觀與數字背景的融閤： 探討傳統的小型實景模型與後期閤成的數字環境（Matte Painting）如何進行優化匹配，確保光影過渡的自然。 --- 第六部分：後期調色：實現最終視覺意圖 本部分是視覺製作的收官之戰，專注於使用專業軟件工具來精確執行前期的視覺藍圖。 調色流程的節點管理： 建立從初級校正（白平衡、曝光平衡）到次級調色（膚色校正、風格化）的係統化步驟。 遮罩技術與局部控製： 詳細介紹如何使用Power Window、HSL選擇器等工具，對畫麵中的特定對象（如人物麵部、天空）進行精細化處理，而不影響整體風格。 電影級Look的標準化與輸齣： 探討LUTs的創建、應用與反嚮工程，確保最終成片在影院、電視及流媒體平颱上的視覺一緻性。 --- 第七部分：前瞻：沉浸式影像與虛擬製作的視覺挑戰 展望未來的製作趨勢，本書關注如何將二維的視覺語言拓展到新的維度。 虛擬製片（Virtual Production）的布景優化： 在LED牆環境中，如何根據攝像機運動預設虛擬背景的光照參數，避免“平麵感”。 HDR與寬色域的視覺升級： 探討比傳統SDR更高的亮度與更豐富的色彩對觀眾體驗的顛覆性影響，以及在製作中需要注意的“溢齣”控製。 空間視頻與交互式敘事的光學布局： 初步探討針對VR/AR環境的鏡頭設計理念，強調在360度空間中引導觀眾注意力的新的視覺策略。 本書旨在提供一套純粹聚焦於圖像生成、光綫運用和視覺語言錶達的專業指南，幫助讀者在數字電影時代，打造齣具有強大感染力和技術深度的視覺作品。

評分☆☆☆☆☆

我不得不說，這本書的編排邏輯簡直是教科書級彆的典範，它完全顛覆瞭我對傳統技術書籍那種枯燥乏味的刻闆印象。作者在深入探討後期混音的復雜性時，所采用的類比和舉例都非常巧妙，讓那些原本晦澀難懂的動態範圍壓縮、均衡器設計等概念變得像聽故事一樣引人入勝。我尤其欣賞它對“聲音敘事”這一核心理念的強調。很多初學者都容易陷入追求“酷炫音效”的誤區，而這本書卻始終提醒我們，聲音的終極目的是為故事服務。書中通過幾個經典電影片段的案例分析，細緻入微地展示瞭聲音如何悄無聲息地推動情節發展、塑造人物內心。比如，在某個關鍵角色的獨白場景中，背景環境音如何微妙地變化，從而暗示他情緒的波動，這種對細節的關注度令人嘆服。此外，作者還分享瞭大量關於不同錄音棚布局對最終效果的影響，以及如何根據預算和場地特點來權衡取捨的經驗談。這些都是在任何軟件手冊裏都找不到的，是無數個日夜打磨齣來的真知灼見，對於希望將自己的作品提升到專業水準的從業者來說，這份真誠的經驗分享價值韆金。

評分☆☆☆☆☆

老實說，市麵上關於音頻製作的書籍汗牛充棟，但很多都流於錶麵，或者內容更新緩慢。這部作品之所以脫穎而齣，在於它對“現場錄音”和“後期整閤”之間張力的探討達到瞭一個前所未有的深度。作者並沒有把後期製作描繪成一個可以彌補所有現場錯誤的“魔法工廠”，而是強調瞭現場素材質量的決定性作用。書中關於麥剋風的選擇、擺位策略以及如何應對復雜的現場噪音環境，提供瞭大量實戰性的建議，這些建議的精確度高到令人咋舌，比如在嘈雜街道上收錄對白時，如何利用建築物邊緣進行聲學反射來“隔離”目標聲音。更妙的是，作者隨後將這些現場素材帶入後期，詳細演示瞭如何通過精細的噪聲抑製和聲場匹配技術，將不同來源的聲音無縫融閤在一起。這種從源頭到終點的完整鏈條式教學，讓讀者能夠建立起一套貫穿始終的質量控製思維。對於那些需要在有限資源下完成高品質製作的獨立電影人來說，這本書無疑是提升效率和質量的最佳指南。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我印象深刻的，是一種對藝術完整性的執著追求。它不僅僅是一本技術手冊，更像是一篇關於電影聲音美學的宣言。書中花瞭大量的篇幅討論“留白”的藝術，也就是什麼時候“不加聲音”比添加任何音效都更具力量。作者通過對一些大師級作品的解構分析，揭示瞭沉默在敘事中的強大作用，這是一種非常高級的技巧，往往是那些隻關注於堆砌音效的初學者所忽視的。書中還非常前瞻性地探討瞭沉浸式音頻（如杜比全景聲）不僅僅是增加聲道數量的問題，而是一種全新的空間敘事語言，它要求聲音設計師從觀眾的“位置”齣發去構思聲音的運動軌跡。這種理論高度和實踐結閤的深度，使得這本書即便在幾年後依然保持著極強的生命力。它教會我，電影聲音製作的最高境界，是讓觀眾忘記聲音的存在，卻讓他們全身心地沉浸在那個由聲音構築的、真實可感的虛擬世界之中，這對於每一個有誌於此的創作者來說，都是一個值得反復研讀和思考的終極目標。

評分☆☆☆☆☆

拿到這本書的時候，我本來還有點擔心它會不會過於偏重某一種特定的數字音頻工作站（DAW），畢竟市場上的軟件五花八門。但讓我驚喜的是，作者的視野非常開闊，他成功地建立瞭一個超越軟件平颱的通用聲音哲學框架。書中討論的原理，無論是關於聲學物理基礎還是聽覺心理學，都具有極強的普適性。特彆是關於立體聲與環繞聲場構建的那幾個章節，作者用圖示結閤文字的方式，清晰地解釋瞭如何利用相位和延遲來“欺騙”人腦，從而營造齣逼真的三維空間感。我試著按照書中的指南，在我的傢庭影院係統上重新混製瞭一個短片中的雨景，效果簡直是天壤之彆。以前的聲音是平麵的，這次的聲音聽起來像是真的雨點在我的房間裏落下，能清晰分辨齣遠處的雷聲和近處的滴水聲。這不僅僅是技術上的突破，更是對我們如何感知世界的一種重新教育。這本書不僅教會瞭我“做什麼”，更重要的是教會瞭我“為什麼這樣做”，這種底層邏輯的梳理，讓我麵對未來的任何新技術挑戰時，都能保持清晰的判斷力。

評分☆☆☆☆☆

這部書真是讓我大開眼界，尤其是對於像我這樣剛入行的新手來說，簡直就是一本“救命稻草”。我記得我剛開始接觸聲音設計的時候，麵對那些復雜的軟件和術語簡直是暈頭轉嚮，完全不知道從何下手。這本書的講解方式非常貼近實際操作，它沒有那種高高在上的理論說教，而是非常務實地一步步帶你走進電影聲音的世界。書中對環境音的捕捉和構建那段，讓我印象特彆深刻。作者詳細地描述瞭如何利用一些看似不起眼的日常物品來創造齣極具張力的音效，比如用大米摩擦製造沙土飛揚的感覺，或者用特定的樂器模擬爆炸的餘波。這種“動手做”的指導，讓我立刻就能在自己的小工作室裏嘗試起來，那種成就感是看再多視頻教程也體會不到的。而且，它對於不同場景下聲音的側重點也分析得頭頭是道，比如在緊張的追逐戲中，聲音的節奏感和空間感如何影響觀眾的心跳，這些細節的把控，這本書都講透瞭。我感覺讀完這本書，我的耳朵似乎都變得更敏銳瞭，看電影的時候，我不再隻是被畫麵吸引，而是開始下意識地分析和欣賞那些隱藏在幕後的聲音設計大師們的傑作，這種觀影體驗的提升，真是無價之寶。