美的历程 李泽厚 生活社科美学书籍 三联书店 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李泽厚 著

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出版社： 三联书店

ISBN：9787108030375

商品编码：13083638550

包装：精装

开本：32

出版时间：2010-06-01

基本信息

书名:美的历程

售价：56.00元

作者:李泽厚

出版社：生活.读书.新知三联书店

出版日期：2014-06-01

ISBN：97878030375

字数：

页码：

版次：1

装帧：精装

开本：32开

商品重量：

内容提要

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　　《美的历程》是中国美学的经典之作。凝聚了作者李泽厚先生多年研究。他把中国人古往今来对美的感觉玲珑剔透地展现在大家眼前，如斯感性，如斯亲切。其中提出了诸如原始远古艺术的“龙飞凤舞”，殷周青铜器艺术的“狞厉的美”，先秦理性精神的“儒道互补”，楚辞、汉赋、汉画像石之“浪漫主义”，“人的觉醒”的魏晋风度，六朝、唐、宁佛像雕塑，宋元山水绘画以及诗、词、曲各具审美三品类，明清时期小说、戏曲由浪漫而感伤而现实之变迁等等重要观念。多发前人之所未发。此书于一九八一年初版，多次再版重印达几册。

文摘

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一 龙飞凤舞 　　一远古图腾 　　中国史前文化比过去所知有远为长久和灿烂的历史。七十年代浙江河姆渡、河北磁山、河南新郑、密县等新石器时代遗址的陆续发现，不断证实这一点。将近八千年前，中国文明已初露曙光。 　　上溯到旧石器时代，从南方的元谋人到北方的蓝田人、北京人、山顶洞人，虽然像欧洲洞穴壁画那样的艺术尚待发现，但从石器工具的进步上可以看出对形体性状的初步感受。北京人的石器似尚无定形，丁村人的则略有规范，如尖状、球状、橄榄形……等等。到山顶洞人，不但石器已很均匀，规整，而且还有磨制光滑、钻孔、刻纹的骨器和许多所谓"装饰品"："装饰品中有钻孔的小砾石、钻孔的石珠、穿孑L的狐或獾或鹿的犬齿、刻沟的骨管、穿孔的海蚶壳和钻孔的青鱼眼上骨等。所有的装饰品都相当精致，小砾石的装饰品是用微绿色的火成岩从两面对钻成的。选择的砾石很周正，颇像现代妇女胸前配带的鸡心。小石珠是用白色的小石灰岩块磨成的，中间钻有小孔。穿孔的牙齿是由齿根的两侧对挖穿通齿腔而成的。所有装饰品的穿孔，几乎都是红色，好像是它们的穿带都用赤铁矿染过。"这表明对形体的光滑规整、对色彩的鲜明突出、对事物的同一性（同样大小或同类物件串在一起）……有了zui早的朦胧理解、爱好和运用[图版1]。但要注意的是，对使用工具的合规律性的形体感受和在所谓"装饰品"上的自觉加工，两者不但有着漫长的时间距离（数十万年），而且在性质上也是根本不同的。虽然二者都有其

作者介绍

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李泽厚，哲学家，巴黎国际哲学院院士、美国科罗拉多学院荣誉人文学博士，德国图宾根大学、美国密西根大学、威斯康辛大学等多所大学客座教授。主要从事中国近代思想史和哲学、美学研究。 　　李泽厚成名于五十年代，以重实践、尚“人化”的“客观性与社会性相统一”的美学观卓然成家。八十年代，李泽厚不断拓展其学术论域，促引思想界在启蒙的 路径上艰辛前行。九十年代，李泽厚客居美国，出版了《 论语今读》、《世纪新梦》、《美学三书》等著作，对中国未来的社会建构给予沉甸甸的人文关怀。 　　20年2月，美国*威的世界性古今文艺理论选集《诺顿理论与批评文选》第二版，收录了李泽厚《美学四讲》“艺术”篇中的第二章“形式层与原始积淀”。这套文集由柏拉图的论著选起，一直选到当代。李泽厚是进入这套一直由西方理论家统治的文论选的位中国学人。

编辑推荐

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《美的历程》从宏观鸟瞰角度对中国数年的艺术、文学作了概括描述和美学把握。其中提出了诸如原始远古艺术的“龙飞凤舞”殷周青铜器艺术的“拧厉的美”，先秦理性精神的“儒道互补”，楚辞、汉赋、汉画像石之“浪漫主义”，“人的觉醒”的魏晋风度，六朝、唐、宋佛像雕塑，宋元山水绘画以及诗、词、曲各具审美三品类，明清时期小说、戏曲由浪漫而感伤而现实之变迁等等重要观念，多发前人之所未发。此书于1981年初版，多次再版重印达几十册。已有英文、德文、韩文等多种译本问世。

目录

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一　龙飞凤舞
　（一） 远古图腾
　（二)　原始歌舞
　（三) “有意味的形式”
二　青铜饕餮
　（一） 狞厉的美
　（二） 线的艺术
　（三） 解体和解放
三　先秦理性精神
　（一） 儒道互补
　（二） 赋比兴原则
　（三)　建筑艺术
四　楚汉浪漫主义
　（一） 屈骚传统
　（二） 琳琅满目的世界
　（三） 气势与古拙
五　魏晋风度
　（一） 人的主题
　（二） 文的自觉
　（三） 阮籍与陶潜
六　佛陀世容
　（一） 悲惨世界
　（二） 虚幻颂歌
　（三） 走向世俗
七　盛唐之音
　（一） 青春、李白
　（二） 音乐性的美
　（三） 杜诗颜字韩文
八　韵外之致
　（一） 中唐文艺
　（二） 内在矛盾
　（三） 苏轼的意义
九　宋元山水意境
　（一） 缘起
　（二） “无我之境”
　（三） 细节忠实和诗意追求
　（四） “有我之境”
十　明清文艺思潮
　（一） 市民文艺
　（二） 浪漫洪流
　（三） 从感伤文学到《红楼梦》
　（四） 绘画与工艺
结语

《静水流深：中国艺术精神的千年回溯》 一、引言：艺术之河，不止息的奔流 人类文明的星空中，艺术无疑是最璀璨的星辰之一。它如同潺潺的溪流，从远古的洪荒时代一路奔腾而来，滋养着人类的精神土壤，映照着时代的变迁，也折射出我们内心深处最隐秘的情感与哲思。在漫长的历史长河中，中国艺术以其独特的东方韵味和深刻的哲学思考，在世界艺术的殿堂中占据着举足轻重的地位。它不拘泥于形式的繁复，却在简约之中蕴含着万象；它不追求一时的浮华，却在岁月的沉淀中彰显出永恒的生命力。 本书《静水流深：中国艺术精神的千年回溯》旨在深入探寻中国艺术精神的源头，追溯其千年来的演变轨迹，揭示其内在的脉络与力量。我们将不止步于对艺术作品的表面欣赏，而是试图穿透层层历史的迷雾，抵达那孕育了无数伟大作品的精神沃土，理解中国艺术家们是如何在不同的时代背景下，以独特的视角和深邃的思考，将民族的文化基因、哲学智慧以及对生命、自然、宇宙的感悟，融汇于笔墨、雕塑、建筑、陶瓷等艺术形式之中。我们将看见，中国艺术精神并非一成不变，而是在传承与创新中不断演进，既保持着古老的根基，又展现出鲜活的生命力，宛如一条静静流淌的大河，表面波澜不惊，内里却蕴藏着磅礴的力量。 二、早期文明的奠基：原始的呼唤与创世的神韵 中国艺术的序曲，在遥远的史前时代就已经奏响。那时的艺术，是与生存、祭祀、信仰紧密相连的。从新石器时代的彩陶纹饰，到红山文化、良渚文化的玉器，再到殷商青铜器的狞厉之美，我们看到了人类早期对于世界的好奇、对于神灵的敬畏，以及对于生命力量的原始崇拜。 这些早期的艺术品，并非仅仅是工具或装饰，它们承载着先民们对宇宙初生、天地万物的理解。彩陶上的几何纹样，可能象征着生殖、繁衍，或是太阳、月亮的循环；玉器上的神秘符号，暗示着与祖先、神灵的沟通，是权力与地位的象征；而青铜器上繁复而狰狞的兽面纹，则透露出一种强大的、令人敬畏的力量感，它们是用于祭祀天地、沟通鬼神的礼器，也是统治者权威的体现。 在这一时期，中国艺术的精神内核已经初步显现：一种对自然规律的朴素认知，一种对超自然力量的敬畏，以及一种通过艺术形式来祈求平安、繁荣和秩序的愿望。虽然此时的艺术尚显粗犷，但其背后所蕴含的生命力和哲学思考，已经为后世中国艺术的发展奠定了坚实的基础。我们将在这一部分，重点解析这些早期艺术品在纹饰、造型、象征意义等方面的独特之处，并尝试解读其中蕴含的原始哲学观。 三、诸子百家的智慧之光：哲学思潮与艺术的交融 春秋战国时期，是中国历史上一个思想空前活跃的时代，诸子百家争鸣，各种哲学思潮层出不穷。这股思想的洪流，不仅深刻影响了中国社会的方方面面，也为艺术创作注入了新的生命力。道家的“道法自然”、“无为而治”，墨家的“兼爱非攻”，儒家的“仁者爱人”、“礼乐教化”，都或明或暗地渗透到了艺术的创作理念之中。 道家思想对中国山水画的兴起产生了深远影响。艺术家们追求“天人合一”的境界，将自然视为艺术家创作的灵感源泉和精神归宿。他们不再仅仅描绘眼前的景物，而是试图捕捉山水之间那股“气韵生动”的内在生命力。在山水画中，留白的处理、笔墨的浓淡干湿，都成为表达画家内心世界和哲学思考的载体。 儒家思想则强调“文以载道”，艺术被视为教化人心、传递道德的重要途径。“礼”与“乐”的结合，更是将艺术上升到社会伦理的高度。雕塑、壁画等艺术形式，常常以历史故事、人物形象为题材，宣扬忠孝节义，弘扬社会美德。 兵家的思想，也以一种意想不到的方式影响了艺术。例如，军事战略中的“奇正相生”、“虚实结合”，在书法、绘画中也得到了体现。书法家们如何在点画之间找到“势”，如何在章法上做到“疏可跑马，密不透风”，都与军事策略有着异曲同工之妙。 这一阶段，我们将重点探讨诸子百家提出的核心哲学观念，分析这些观念是如何被艺术家们理解、吸收并转化为艺术语言的。我们将考察各个学派对“美”的理解，以及它们如何影响艺术的题材选择、表现手法和审美趣味。 四、统一帝国的辉煌与艺术的典范：秦汉魏晋的雄浑与雅逸 秦汉时期，中国的版图和政治体制得以统一，艺术也呈现出恢弘大气、气势磅礴的特点。秦代的兵马俑，以其庞大的规模和写实的力量，展现了帝国统一的威严和对生命永恒的追求。汉代的画像石、画像砖，虽然朴拙，却充满了生活气息和浪漫的想象力，飞天、乐舞、历史故事，都跃然石上。汉代艺术中，对“气势”和“力量”的强调，是对帝国强大国力的艺术回应。 进入魏晋南北朝，社会动荡，但却是艺术思想发展的黄金时期。玄学盛行，文人阶层崛起，艺术创作开始转向表现个体的情感和精神世界。“魏晋风度”成为了一个重要的文化符号，体现在书法、绘画、文学之中。王羲之的书法，飘逸灵动，如行云流水，展现了艺术家内心的自由与洒脱；顾恺之的绘画，注重“传神阿堵”，将人物的精神气质刻画得入木三分。这一时期，艺术逐渐摆脱了单纯的宗教或政治功能，更加注重审美体验和个人情感的抒发。 我们将在这一部分，细致分析秦汉艺术的宏伟风格，如陵墓壁画、石刻艺术的特点，以及它们所反映的时代精神。随后，我们将深入探讨魏晋时期玄学对艺术观念的影响，分析“以形写神”、“风骨”等美学范畴的形成，以及士人阶层如何通过艺术来寄托情怀，表达对人生、宇宙的感悟。 五、盛唐气象与宋元文人的雅趣：诗意与哲思的升华 唐代是中国历史上一个文化自信、兼容并包的时代，艺术也达到了前所未有的繁荣。唐代艺术，既有雍容华贵、色彩绚丽的宫廷艺术，也有写实生动、充满生活气息的民间艺术。佛教艺术在这一时期也得到极大的发展，石窟艺术、造像艺术都取得了辉煌成就，敦煌壁画更是集当时中外艺术之大成。唐代诗歌与绘画紧密结合，李白、杜甫的诗歌，白居易的叙事，都为后世艺术家提供了丰富的灵感。 宋代，社会经济文化空前发展，文人阶层日益壮大，艺术也呈现出更为内敛、雅致的风格。宋代绘画，尤其是山水画和花鸟画，达到了一个高峰。文人画兴起，强调笔墨情趣和士人品格。宋代的哲学思想，如理学，也对艺术创作产生了影响，艺术家们追求“理”与“意”的统一，在写实中寄托哲理。陶瓷艺术在宋代也达到巅峰，汝窑、官窑、哥窑、定窑、钧窑等五大名窑，各具特色，体现了宋代人对器物之美的极致追求。 元代，虽然政治上民族融合，但艺术上仍然继承和发展了宋代的文人传统。书画大家辈出，如赵孟頫，在继承传统的同时，也注重创新，提倡“古意”。元代的山水画，开始更加注重笔墨的趣味和形式的自由。 我们将重点描绘唐代艺术的雄浑与浪漫，分析其开放包容的精神，以及佛教艺术的影响。接着，我们将深入探究宋代文人画的兴起，解析其笔墨技法、题材选择以及哲学内涵，并品鉴宋瓷的温润内敛之美。最后，我们将审视元代艺术在承袭宋韵基础上的发展，以及文人画的独特风格。 六、明清的传承与变异：世俗的繁华与人性的探索 明清时期，中国社会经济和文化发展进入新的阶段。艺术创作更加注重世俗生活和个体情感的表达。明代的绘画，文徵明的雅逸，唐寅的浪漫，沈周的沉郁，各有千秋。小说、戏曲等世俗文学蓬勃发展，也为艺术创作提供了更广阔的空间。 清代的绘画，虽然仍有八大山人、石涛等大师的创新，但总体上呈现出沿袭和复古的倾向。同时，宫廷画院也培养了大量的画家，创作出精工细致、色彩艳丽的作品。瓷器在清代也达到了一个新的高峰，彩绘瓷器，尤其是珐琅彩、粉彩，色彩更加丰富，技艺更加精湛。 在明清时期，我们看到了艺术越来越走向民间，贴近普通人的生活。花鸟画、山水画中，对自然景物的描摹更加细致，对生活细节的捕捉也更加生动。同时，艺术家们对人性的探索也更加深入，通过作品来反映社会现实，表达个人情怀。 本部分将关注明清绘画在题材、风格上的变化，分析文人画与宫廷画、民间画的互动。我们将品鉴明清时期精美的瓷器，解读其工艺特色和审美价值。同时，也将探讨这一时期艺术中，对世俗生活和人性的关注如何体现。 七、近现代的转型与困境：东西方文化的碰撞与艺术的重塑 进入近现代，中国社会经历了翻天覆地的变化。西方文化的涌入，对中国传统艺术带来了巨大的冲击。油画、版画等新的艺术形式被引入，传统的绘画技法和审美观念受到挑战。国画大师们在继承传统的同时，也在积极探索创新，试图将中国画的笔墨精神与西方写实技法相结合。 这一时期，艺术家们面临着巨大的困境：如何在保留民族文化根基的前提下，吸收外来文化，创作出既具有时代精神，又具有中国特色的艺术作品？这是一个艰难而又充满挑战的课题。 我们将审视近现代以来，中国艺术在西方文化影响下的转型过程。分析新艺术形式的引入，以及传统艺术所面临的挑战。我们将探讨老一辈艺术家们如何在东西方文化的碰撞中，进行艺术的创新与融合，为中国艺术的未来发展奠定基础。 八、结论：艺术精神的传承与未来展望 中国艺术精神，是一条绵延不绝的长河，它在历史的长河中不断积淀、汇聚，也时刻流淌着新的生命力。从原始的呼唤到哲学的升华，从盛唐的气象到宋元的雅趣，再到明清的世俗与近现代的转型，这条艺术之河始终与中华民族的命运紧密相连，映照着时代的变迁，也塑造着民族的精神品格。 本书《静水流深：中国艺术精神的千年回溯》所做的，正是对这条艺术之河的一次细致的探寻。我们希望通过对不同时期艺术作品的解读，对艺术背后哲学思想的挖掘，以及对艺术家创作理念的分析，让读者能够更深刻地理解中国艺术精神的独特魅力和价值。 在当今世界，文化交流日益频繁，中国艺术也正以前所未有的姿态走向世界。理解中国艺术精神的根源，不仅有助于我们更好地传承和发展中华优秀传统文化，也有助于我们与其他文明进行更深层次的对话与交流。中国的艺术精神，并非固步自封的古老遗存，而是充满活力、不断演进的智慧结晶，它将继续在新的时代背景下，以其独特的东方韵味，为世界贡献出更多令人惊叹的艺术瑰宝。 本书并非一部枯燥的艺术史论，而是试图以一种娓娓道来的方式，引领读者走进中国艺术的千年画卷，感受那份静水流深般的东方智慧和审美情趣，体会中华民族在艺术中不断追求的生命意义和精神境界。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的魅力在于它提供了一种极富批判性的视角，它不盲目推崇任何一种“美”，而是将其置于流动的历史长河中进行考察，时常会提出一些挑战既有认知的观点。例如，书中对某些被传统美学奉为圭臬的特质的解构，初读时会让人感到一丝颠覆性的冲击，但深入思考后，便会明白那是一种更深层次的诚实——承认审美标准从来不是永恒不变的，它们是特定历史条件下“生成”的产物。这种对历史必然性的深刻揭示，让人在面对当下纷繁复杂的审美选择时，能够保持一种清醒的头脑，不被表面的光鲜所迷惑。它教会我们如何穿透装饰的表象，直抵其核心的逻辑结构。对于任何希望建立自己独立审美判断体系的人来说，这本书无疑是一剂强效的“清醒剂”，让你在品味艺术时，能拥有更坚实、更具穿透力的思想基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏掌握得极佳，几乎没有丝毫拖沓，每一章的过渡都像是精心编排的乐章，高潮迭起，低谷沉静，形成了一种内在的韵律美。我最震撼的体验在于，作者并非仅仅罗列事实和风格演变，而是深入挖掘了审美观念背后的社会结构和时代精神。比如，当他探讨某个特定历史阶段的“美”是如何被权力、信仰乃至生产方式所塑造时，那种穿透力是惊人的。这不像是一本冷冰冰的学术著作，倒像是一部用哲学和历史交织而成的史诗。我常常在阅读过程中，会不自觉地联想到我们现在生活中接触到的各种视觉文化——从建筑的线条到日常用品的设计，都会被套用书中提供的那个分析框架去审视一番。这种即时的、可操作的启发性，是很多理论书籍所欠缺的。它教给我的不是“应该欣赏什么”，而是“如何去欣赏，以及为什么会欣赏成这样”。这种由内而外的视角转变，价值千金，让我对“美”这个概念的理解一下子立体和丰满了许多。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手里的时候，首先吸引我的就是它那沉甸甸的分量感，那种纸张的质地，带着一股淡淡的油墨香，让人一下就沉浸到一种认真阅读的氛围中去。封面设计得很有品味，简洁却不失深度，很符合我对艺术史类书籍的期待。我特地挑了一个安静的午后，泡了一杯清茶，准备开始这段思想的旅程。翻开扉页，那排版布局就让人赏心悦目，不是那种密密麻麻塞满文字的架势，而是留有足够的呼吸空间，仿佛作者在用一种非常克制而优雅的语调，邀请你进入他的世界。我尤其欣赏作者在论述宏大理论框架时，那种抽丝剥茧般的清晰逻辑。他不像有些理论家那样故作高深，而是总能找到一个非常接地气又充满智慧的切入点，将复杂的审美变迁梳理得井井有条。读起来，你会感觉自己不是被动地接受知识灌输，而更像是在跟随一位经验丰富的向导，一起探索人类审美意识的演变脉络。那种对传统与现代之间张力的深刻洞察，让人忍不住要停下来，反复摩挲那些精妙的句子，思考我们当下所处的文化语境。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，初读可能略显凝重，但细品之下，却充满了古典的韵味和现代的思辨力量。作者的遣词造句非常讲究，精准而富有画面感，即便是描述抽象的美学范畴，也能勾勒出鲜明的图像。我记得有一次读到他对某种古典园林意境的描述，简直让人有身临其境之感，那些关于“虚实相生”、“以少胜多”的探讨，并非空泛的理论，而是带着泥土芬芳的体悟。更难能可贵的是，作者在维护学术严谨性的同时，保持了一种文人的情怀，那种对文化遗产的敬畏与热爱是溢于言表的。这使得阅读过程充满了情感上的共鸣，你清晰地感受到作者是真正热爱他所研究的这片文化土壤，而不是仅仅将其视为研究对象。这种热忱，极大地感染了读者，让我们在跟随他进行理性分析的同时，也进行了一次心灵的洗礼，重新审视我们与自身文化血脉的关系。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书的阅读体验是一种渐进式的、需要投入心力的过程，但其回报是极其丰厚的。它不像那些快餐式的读物，读完即忘，而是像一坛陈年的老酒，后劲十足，每次重温都会有新的感悟。我特别喜欢作者在总结陈词时展现出的那种宏观视野，他总能将无数零散的艺术现象，纳入一个巨大而和谐的文明图景之中，让人对人类审美活动的整体脉络产生一种豁然开朗的感觉。它不是一本提供标准答案的书，而是一本激发无限提问的书。它成功地搭建了一座桥梁，连接了遥远的过去和充满不确定性的未来，让身处其中的我们，能够更好地理解自身文化身份的重量与价值。对于任何对人文思考抱有热情的人来说，这本书都是书架上不可或缺的基石。