杜布菲：反美學的現代藝術大師 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李依依 著

图书标签:

• 杜布菲
• 反美学
• 现代艺术
• 艺术史
• 绘画
• 雕塑
• 材料艺术
• 抽象艺术
• 艺术大师
• 法国艺术

出版社： 藝術家出版社

ISBN：9789862820926

版次：1

商品编码：16056728

包装：平裝

出版时间：2013-02-08

页数：176

正文语种：繁體中文

内容简介

　　《杜布菲：反美學的現代藝術大師》是反美學現代藝術大師杜布菲生涯與代表作品介紹，追溯其對材質美感的探索、對原生藝術的興趣、對另種美感的展現。
　　讓·杜布菲（Jean Dubuffet，1901-1985）的藝術在現代是居於一個奇特的地位。從立體主義初期，畫家對於原始藝術感到興味，到後來更深入藝術實質的裡層的抽象，杜布菲的畫直接抓取了原始藝術家們的單純意念，而排斥了文明所帶給現代藝術家的複雜的重壓。
　　杜布菲生於法國諾曼第海岸的勒哈佛港，少年時曾在勒哈佛地區的美術學校就讀。1918年搬到巴黎拉丁區，入朱利安學院習畫6個月。1920年到1922年間獨自創作，對文學、音樂、哲學和語言發生興趣、後來和勒澤、馬松等藝術家交往。1924年杜布菲因懷疑文化的價值，認為過去所學的傳統本領徒勞無功，宣佈放棄繪畫，次年接手父親勒哈佛賣酒的生意。一直到1942年才完全投入藝術創作。
　　杜布菲是率先使用Assemblage（集合藝術）一詞的人，他的創作充分展現藝術家對於材質美感的興趣，媒材也非常多變，從如瀝青、礫石等原始材料、拼貼到塗鴉，到後期的石版畫、知名的白紅藍黑色系的「烏路波」系列，以及聚苯乙烯雕塑作品，他的表現主義來自童稚的藝術，富於原始性。杜布菲從1945年起開始蒐集一些不受文化洗禮的現代人所作的作品，不久，他與布魯東、保羅漢、達比埃等人組織「原生藝術家學會」，專門研究這類作品，他把這類畫家的作品稱為「原生藝術」（L'Art Brut），意指今日因為某些理由未受文化教育和社會薰陶的人所創造的作品。杜布菲一直肯定唯有這類作品才具有真正的創造力。他的創作特別珍視人類心靈原始的創造力，向生活在文明社會規範的文化人，提供了原始人性的心靈世界，提出反文化的觀點，展現另一種的美。

精彩书评

　　「美學令我厭倦，美學一點也不能使我興奮，就我而言，稍有美學幹擾，即足以阻礙有效的機能，而且非常掃興。所以我要將一切可能有美學氣味的東西逐出我的作品。」——杜布菲

前言/序言

《抽象先锋的视界：二十世纪艺术的革新之路》 简介 本书以二十世纪初至中叶的欧洲和北美艺术场域为经纬，深入剖析了在现代性思潮的冲击下，艺术观念如何经历一场深刻的解构与重塑。我们聚焦于一系列挑战既有美学范式的艺术运动和关键人物，探讨他们如何通过对材料、形式和意义的激进探索，为现代艺术的边界划定了新的疆域。这不是一部传统的艺术史编年体，而是一次对“何为艺术”这一核心命题的深度追问之旅。 第一部分：颠覆的序曲——现代主义的内在张力 二十世纪初，以立体主义、未来主义和表现主义为代表的先锋艺术运动，已然撕开了古典美学的精致面纱。然而，当这些运动在形式上取得巨大突破的同时，它们内部蕴含的矛盾也日益显现。本部分首先回顾了立体主义如何通过多重视角分解对象，预示着对传统再现手法的终结。接着，我们深入分析了表现主义，尤其是在德语区，艺术家们如何将内心的焦虑、社会的不安转化为扭曲、夸张的视觉语言，这不仅仅是风格的转变，更是对启蒙理性自信的一次精神反叛。 特别值得关注的是，我们探讨了达达主义的兴起。在一战的巨大创伤面前，达达主义者以其彻底的虚无主义和反逻辑的姿态，对“理性”和“进步”等核心价值观进行了最尖锐的嘲讽。这种对既有文化和艺术制度的系统性排斥，为后来的激进行为提供了思想准备。我们分析了杜尚的现成品（Readymades）如何将艺术的定义从“技艺的展现”彻底转向“观念的选择”，这为后续的观念艺术奠定了坚实的基础，也标志着艺术品本体论的一次根本性转移。 第二部分：材料的解放与非再现的探索 随着艺术创作的重心从描绘外部世界转向探索内部结构和媒介本身，材料的运用进入了一个前所未有的实验阶段。本部分详细考察了构成主义和风格派如何追求绝对的秩序与普遍性。俄罗斯的构成主义者试图将艺术融入工业生产和社会建构之中，他们的几何抽象并非是脱离现实的，而是对未来社会蓝图的一种理性预演。而在荷兰，蒙德里安通过对红、黄、蓝三原色和水平、垂直线条的严格限制，试图揭示宇宙中最纯粹的结构和谐，这种对视觉元素极简化的追求，构成了抽象艺术的理性高峰。 然而，并非所有人都认同这种冷峻的秩序。我们转而关注那些利用材料的原始质感和偶然性来表达情感深度的艺术家。例如，西班牙的立体主义画家和某些表现主义者，开始重视拼贴（Collage）的可能性，将日常的碎屑带入艺术作品，模糊了艺术与生活的界限。随后，我们将目光投向美国，分析了抽象表现主义的“行动绘画”如何通过泼洒、滴流等即兴动作，将画布转化为艺术家身体活动的记录场域。这代表了对欧洲中心主义的结构化抽象的超越，强调了个体经验的不可复制性和瞬间性。 第三部分：对“美学”的解构与“反美学”的立场 本书的核心论点在于，二十世纪的伟大变革往往源于对“美学”（Aesthetics）这一传统概念的质疑。传统美学强调和谐、愉悦、崇高，这些标准在战后的社会景观中显得苍白无力。许多艺术家开始主动拥抱“丑陋”、“粗糙”、“日常”甚至是“媚俗”的元素，以表达对既有权力结构和审美规范的反抗。 我们考察了战后欧洲，特别是意大利和法国的一些艺术流派，他们试图将艺术的关注点从工作室转移到城市废墟和大众文化之中。这不仅是对西方文化衰落的悲观表达，也是一种积极的姿态：如果美已经不再可靠，那么艺术的任务就变成了揭示真实，无论这种真实多么令人不适。这种对感官愉悦的拒绝，并非简单的厌恶，而是一种更深层次的伦理立场——艺术必须承担起批判的责任，而不是提供逃避现实的慰藉。 我们详细分析了“新写实主义”（Nouveau Réalisme）如何通过截取城市碎片和消费垃圾，将现实的暴力和冗余直接呈现在观众面前，这是一种对流行文化符号的反向挪用，其目的在于暴露资本主义美化之下的空洞。他们拒绝了抽象的纯粹性，坚持回到具体的、可触摸的、被社会污染过的物质世界。 第四部分：媒介的边界与艺术的社会介入 二十世纪中叶，随着录像技术、装置艺术的兴起，艺术的物质性再次受到挑战。艺术家们开始质疑绘画和雕塑作为主要媒介的地位，转而探索时间、空间和观众的参与性。本部分讨论了环境艺术和大地艺术的早期实践，这些作品往往规模宏大，难以收藏和展示，从而挑战了艺术品作为商品化的逻辑。通过将作品置于广袤的自然之中，艺术家试图重新建立一种与环境的原始对话，并质疑艺术机构对艺术作品的定义权。 最后，本书探讨了艺术如何日益关注社会政治议题，从对个体心理的关注转向对集体经验的介入。这批艺术家不再满足于在画廊中展示作品，他们开始在公共空间进行干预，通过行为艺术和文本实验，直接与观众进行对质。这种“反美学”立场，实质上是一种艺术介入社会行动的努力，它主张艺术的价值不在于其形式的完美，而在于其对现状提出的挑战的有效性。 总结 《抽象先锋的视界》勾勒出一条清晰的脉络：二十世纪艺术是对传统美学的一次长达百年的审判。从对形式的几何化解构，到对材料的偶然性接纳，再到对“美”本身的系统性疏离，这场变革的核心驱动力是对艺术作为独立价值体系的信念动摇，以及对艺术在动荡世界中角色的重新定位。本书旨在为读者提供一个理解二十世纪艺术如何拒绝被简单归类、不断突破自身边界的深刻框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深刻之处，还在于它毫不留情地揭示了艺术创作背后的权力运作和市场机制。它没有将艺术家塑造成一个脱离世俗的、高高在上的天才形象，而是将其置于一个充满妥协、抗争与商业考量的复杂网络之中。作者坦诚地探讨了赞助人制度、画廊体系乃至博物馆收藏标准是如何无形中塑造了我们今天所理解的“艺术史合法性”的。这种清醒的批判视角，让阅读体验带有一种近乎麻辣的痛快感。它迫使读者反思，我们所推崇的“反美学”本身，是否已经因为被主流话语接纳而变得“美学化”了？这种对悖论的深入挖掘，展现了作者极高的思想穿透力。读完之后，我发现自己看待任何一场艺术展览时，都会不自觉地带上这本书所教导的“审视的眼光”，去探究那些被美化表象之下的结构性问题，这无疑是对读者思维方式一次彻底的重塑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格变化多端，让人始终保持着高度的警惕性。在某些章节，它呈现出近乎论文的严谨性，充斥着精准的术语和清晰的论证结构，逻辑推进无可挑剔，仿佛一位冷峻的结构主义者在解构。然而，在下一章，笔锋却陡然一转，变得极富个人色彩和情感张力，充满了强烈的修辞和近乎诗歌般的抒情，仿佛是艺术家本人在向你倾诉创作时的内心挣扎与狂热。这种在客观分析与主观体验之间流畅切换的能力，极大地增强了文本的生命力。我尤其喜欢作者在引用他人观点时所采用的对话模式，他不是简单地堆砌引文，而是将不同的声音并置、碰撞，甚至直接让不同时代的评论家在书页上“争论”起来，使得原本单向度的阅读体验变成了一场多维度的思想剧场。这种叙事上的灵活处理，避免了将复杂的艺术史写成枯燥的教科书，让阅读过程充满了发现的乐趣和智力上的挑战。

评分☆☆☆☆☆

读完这本厚厚的著作，我最深刻的感受是作者在梳理艺术史脉络时的那种近乎偏执的细致。他并没有简单地将某位艺术家的生平事件罗列出来，而是像一位技艺高超的考古学家，层层剥开历史的表象，挖掘出那些被主流评论界长期忽略的“边缘声音”和“反主流逻辑”。书中对特定时期社会背景和哲学思潮的交叉分析，提供了全新的解读视角，让我对过去习以为常的艺术概念产生了强烈的颠覆感。尤其是关于材料选择的段落，作者深入探讨了艺术家如何通过那些“不登大雅之堂”的物质——比如泥土、残骸、工业废料——来挑战既有的美学规范，这种对“非美”的执着，简直像是一场对学院派精致主义的集体宣战。阅读过程中，我不得不时常停下来，查阅大量相关的哲学文本和当时的社会报道，因为作者的论证逻辑链条极其复杂且环环相扣，稍有松懈就可能错失其精妙之处。这要求读者必须具备一定的背景知识储备，否则可能会觉得有些晦涩难懂，但一旦跟上节奏，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴。从封面那粗粝的纹理到内页纸张的选择，无不透露出一种对传统审美的刻意疏离感，这或许正是作者想要传达的核心精神吧。特别是那些高分辨率的艺术品复制件，色彩的还原度非常到位，即便是通过印刷品，也能感受到原作那种扑面而来的物质性和原始力量。翻阅起来手感极佳，厚重而不失细腻，让人忍不住想要反复摩挲。排版上大胆地运用了大量的留白和非对称布局，每一次翻页都像是在探索一个新的视觉迷宫。我特别欣赏编辑在章节过渡时所做的微小处理，那些细微的字体重心变化和线条的运用，都与书中讨论的艺术思潮形成了微妙的呼应，仿佛在无声地引导读者进入更深层次的理解。这不仅仅是一本关于艺术理论的书籍，更像是一件精心打磨的艺术品本身，阅读体验远远超出了文字的范畴，达到了近乎沉浸式的感官享受。如果说艺术本身就是一种媒介，那么这本书的物理形态，就是对所探讨主题最直接的致敬，非常适合那些对书籍设计和印刷质量有极高要求的读者。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一位长期关注当代视觉文化的人来说，本书最宝贵的价值在于它提供了极为丰富和细致的案例分析。作者在讨论理论概念时，总是能迅速地将其锚定在具体的艺术作品之上，而不是停留在抽象的思辨。他对于某几件标志性作品的“微观扫描”，几乎达到了病态的程度——从颜料的厚度、肌理的走向，到作品在特定光线下呈现出的不同面貌，都被细致入微地捕捉并纳入论证体系。这种自下而上的研究方法，彻底打破了那种宏大叙事对艺术品的“简化处理”。例如，书中对一个特定时期绘画中“未完成感”的探讨，是通过分析画布边缘未上色的部分以及笔触的犹豫形态来实现的，这种对细节的尊重，让我重新审视了那些我以为自己早已了如指掌的作品。可以说，这本书的每一页都像是一个微缩的工作室，邀请我们深入其间，近距离观察创作的痕迹和思想的孵化过程。