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Brian Whitehead & Terr... 著

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店铺： 澜瑞外文Lanree图书专营店

出版社： Routledge

ISBN：9781138213760

商品编码：18440734130

包装：平装

外文名称：Creative Arts Marketing

出版时间：2017-10-12

页数：344

正文语种：英语

图书基本信息

Creative Arts Marketing
作者： Brian Whitehead;Terry O'Sullivan;Catherine O'Sullivan;
ISBN13： 9781138213760
类型： 平装(简装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 2017-10-12
出版社： Routledge
页数： 344
重量（克）： 650
尺寸： 247 x 190 x 24 mm

商品简介

Creative Arts Marketing 3rd edition is a long-awaited update of a classic and influential text. A ground-breaking book when first published, it covers the core concepts of marketing and management as they apply to the arts and heritage industries with a depth that is still unrivalled.

With an emphasis on global case studies, practical examples and discussion questions and an author team that draws from rich and varied experiences in the arts management sector, the book serves as a text for students as much as it is a practitioner's guide to industry best practice.

Extensively revised to reflect the dramatic changes to this industry, this edition integrates organizational and management issues, reflecting the marketing function's deeper involvement in broad organisational issues.

This fully updated and revised third edition features:

• Audience diversity and audience development
• The impact of digital technologies on the industry
• An exploration of the increasingly complex relationship between public and private funding for the arts
• Ethics and sustainability issues for arts marketers
• Cultural policy changes in the industry

Including a brand new companion website, complete with materials for tutors and students for the first time, the return of this important text will be welcomed by students, tutors and professionals in the arts.

《无界之境：数字时代下的艺术实践与跨界融合》 本书聚焦于当代艺术生态的深刻变革，探讨艺术家、艺术机构乃至整个艺术产业如何在技术浪潮与全球化语境下重塑其创作、传播与价值实现的方式。它深入剖析了从传统艺术形式到新兴媒介的演变轨迹，并强调了跨学科思维在激发艺术创新中的关键作用。 --- 第一部分：新媒介的语境与艺术的再定义 第一章：数字浪潮中的创作本体论 本章首先审视了信息技术革命对艺术创作本体论的冲击与重塑。探讨了互联网、移动技术、以及虚拟现实（VR/AR）等前沿技术如何改变了艺术品的物质性与体验性。我们分析了数字策展（Digital Curation）的兴起，关注数据可视化艺术（Data Visualization Art）如何将抽象信息转化为具有审美价值的叙事载体。重点讨论了生成式艺术（Generative Art）和算法驱动的创作模式，揭示了艺术家与代码之间不断演变的关系，以及“作者身份”在人机协作中的模糊边界。 第二章：沉浸式体验的构建与空间叙事 本章深入研究了沉浸式艺术（Immersive Art）的理论基础与实践案例。通过对灯光、声音、触觉反馈等多种感官元素的综合运用，探讨艺术家如何构建超越传统画廊框架的“体验空间”。分析了特定场域艺术（Site-Specific Art）在数字媒介中如何实现“虚拟场域”的构建，以及互动装置（Interactive Installations）如何将观众从被动的观察者转化为主动的参与者，从而实现意义的共同生产。 第三章：声音景观与听觉文化 本书的这一部分专门探讨了声音在当代艺术中的核心地位。分析了从具象的音乐剧场到抽象的声音雕塑（Sound Sculptures）的发展脉络。深入研究了声音生态学（Sound Ecology）的概念，考察艺术家如何利用环境噪音、电子合成音色以及声音的物质性来批判社会空间和权力结构。并对声音艺术在虚拟现实叙事中的整合应用进行了前瞻性探讨。 --- 第二部分：跨界融合与知识的流通 第四章：科学与艺术的交汇点：生物艺术与技术伦理 本章聚焦于科学技术——特别是生物技术、人工智能和机器人技术——与艺术实践的深度融合。我们考察了生物艺术（BioArt）如何挑战生命定义的传统观念，以及其背后的伦理困境。同时，对人工智能在艺术创作中的辅助作用进行了细致的分析，关注艺术家如何利用复杂系统理论（Complex Systems Theory）来探索自然与人工的界限，并引发关于创造力本质的哲学思考。 第五章：城市作为画布：公共艺术的新形态 本章将研究的焦点投向城市环境，探讨公共艺术（Public Art）在后工业时代和数字基础设施完善背景下的转型。分析了“介入性艺术”（Interventionist Art）如何通过短暂、非官方的行动来激活城市空间，挑战既有的城市规划和公共领域定义。讨论了新媒体公共艺术项目，例如利用城市屏幕、投影映射（Projection Mapping）和地理定位技术，在城市肌理中植入临时性的美学叙事。 第六章：教育与机构的范式转移 本章探讨了艺术教育和博物馆机构如何适应快速变化的艺术环境。分析了跨学科教育（Interdisciplinary Education）的必要性，强调艺术院校需要培养具备技术素养和批判性思维的复合型人才。对现代博物馆的“数字策展策略”进行了批判性评估，研究机构如何平衡对历史遗产的保护与对前沿数字媒介的接纳与展示。 --- 第三部分：价值的重构与艺术的流通 第七章：区块链技术与艺术的所有权革命 本书的这一部分集中讨论了新兴的价值流通系统对艺术品经济结构的影响。对非同质化代币（NFT）的兴起进行了深入的案例研究，分析了其在确立数字稀缺性、追踪艺术品二次销售版税等方面的潜力与局限。探讨了去中心化自治组织（DAO）在艺术资助和集体所有权模式上的实验，以及这些技术如何重塑艺术市场的透明度和权力分配。 第八章：策展的流动性与全球网络的构建 本章研究了全球艺术网络的复杂性，以及“策展”（Curation）行为如何从物理空间拓展到虚拟平台。分析了全球双年展、线上虚拟展览以及社交媒体平台如何成为新的艺术品展示和评论场域。讨论了文化主权（Cultural Sovereignty）在跨国艺术交流中面临的挑战，以及艺术家和策展人如何在全球化的背景下维护本土身份和话语权。 第九章：批判性反思：技术、资本与艺术的未来 作为总结，本章对前述所有趋势进行了综合的、批判性的反思。我们审视了技术驱动的艺术实践是否正日益被风险资本和大型科技平台所主导的风险。探讨了“注意力经济”下，艺术创作的深度与商业价值之间张力的平衡。最终，本书提出了一系列关于艺术如何保持其社会批判力量、抵抗同质化趋势的思考，旨在为未来的艺术实践者提供一个审慎而充满洞察力的视角。 --- 《无界之境》不仅是一本关于新媒介和技术的指南，更是一部深入探讨当代美学哲学、社会批判和经济变革的专著。它为研究者、教育者以及所有关注艺术未来走向的读者提供了一套理解当前复杂艺术图景的严谨分析框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是艺术领域的“圣经”，我是在一位资深策展人那里偶然听说的，说实话，初次拿到手的时候，我还有点怀疑，毕竟市面上关于“营销”的书籍汗牛充栋，大多都充斥着陈词滥调和过时的案例。但《Creative Arts Marketing》完全颠覆了我的认知。它不是那种只会教你如何发传单、如何设计海报的浅薄读物，而是深入剖析了艺术品与公众之间情感连接的底层逻辑。作者似乎对艺术史有着深刻的理解，他没有将艺术创作与商业推广割裂开来，而是巧妙地阐释了如何将艺术品的“灵魂”转化为市场可以理解和珍视的价值。我尤其欣赏其中关于“叙事构建”的章节，它教会了我如何为一件作品、一个艺术家，乃至一个小型画廊，编织出引人入胜的故事线，让观众从被动的欣赏者转变为积极的参与者和传播者。书中列举的案例非常国际化，涵盖了从古典音乐会到当代数字艺术的多个维度，每一个分析都鞭辟入里，充满了实战的智慧，而不是空泛的理论说教。读完之后，我感觉自己不再是一个单纯的艺术爱好者，而是一个具备战略眼光的艺术推手，迫不及待地想要将书中学到的东西应用到我正在筹备的独立电影推广项目中去。这本书的装帧设计本身也极具艺术感，拿在手上就是一种享受，绝对是物超所值的投资。

评分☆☆☆☆☆

我是一名刚接手家族老字号手工艺品工作室的“创二代”，面临着如何在继承传统的同时吸引年轻消费群体的巨大挑战。说实话，我试过各种新潮的App和小红书推广，效果都不尽人意，总感觉用力不对。直到我读了《Creative Arts Marketing》，我才明白问题出在哪里——我一直在推销“产品”，而不是“传承”。这本书中有一个关于“非物质文化遗产的数字化叙事”的案例分析，让我茅塞顿开。它不是教我如何P图，而是教我如何用现代的镜头语言去捕捉匠人的专注、汗水和代代相传的技艺中的情感张力。书中详细拆解了如何将一个复杂的、需要长期学习的传统工艺，通过系列短视频和互动工作坊的形式，转化为一个易于理解、令人向往的“生活方式符号”。这种由内而外的营销思维，让我彻底摆脱了盲目追随热点的焦虑。书中的语言非常平实，没有那些高深的行话，读起来非常舒服，仿佛是邻家那位深谙人情世故的智者在耐心教导，完全没有高高在上的感觉，非常适合像我这样需要从零开始学习现代营销逻辑的传统行业接班人。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感受是：它是一本将艺术的“形而上”与商业的“形而下”进行了最优雅和最实用结合的工具书。我是在一个关于艺术商业化的线上研讨会上被推荐的，当时的主题是关于Web3.0时代下的数字藏品与版权保护。这本书虽然没有直接聚焦于NFT或区块链技术，但它对“稀缺性”、“所有权感”和“社群归属感”的探讨，完全可以无缝对接最新的技术趋势。它建立的理论基础——即艺术品的价值最终来源于共识和社群的认可——比任何技术解读都来得更具生命力。我尤其喜欢它对“审美疲劳”的预防机制的分析，强调了艺术机构必须保持自身的“创造性危机感”，不断自我更新和迭代受众的体验预期。整本书的结构组织得如同一个精美的交响乐章，开篇引人入胜，中间层层递进，高潮部分是关于品牌伦理和可持续发展的深刻讨论，结尾则是一个充满希望的展望。这种平衡感和深度，使得它不仅仅是一本营销手册，更是一部关于未来文化产业生态的预言书。阅读体验极佳，值得反复品读，每一次重读都会有新的领悟。

评分☆☆☆☆☆

从一个资深文化评论家的角度来看，这本书最大的价值在于其对“审美经济学”的深刻洞察。我多年来观察到，艺术市场正在经历一场由技术和全球化驱动的深刻变革，传统的精英式欣赏模式正在瓦解。这本书恰好捕捉到了这个时代的脉搏。它没有被眼前的流量和热点所迷惑，而是着眼于如何构建艺术品的长期价值和稀缺性。作者对“注意力经济”的分析尤其精辟，他指出了在信息爆炸时代，艺术机构如何通过差异化的内容和精细化的用户分层来实现突围。我特别欣赏其中对“策展人权力转移”的讨论，如今，策展人不再仅仅是幕后英雄，他们本身也成为了重要的品牌符号。这本书提供了一整套方法论，指导艺术管理者如何系统性地管理和放大策展人的个人影响力，从而反哺艺术项目。文字风格上，它采用了非常学术但又不失活泼的笔触，论证严谨，引用数据详实，让人信服力十足。对于希望在文化机构担任高层管理职务的专业人士来说，这本书提供的战略高度和执行细节是任何短期培训课程都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我以一个刚毕业、满怀抱负但资金紧张的独立音乐人的身份来评价这本书。坦率地说，我原本以为这种营销书籍离我的世界很远，觉得那都是给那些大唱片公司和知名乐队准备的“高大上”理论。然而，《Creative Arts Marketing》的实用性和落地性超乎我的想象。它有一整个部分专门讨论了“低预算高效能推广策略”，这正是我当前最需要的。书中细致地讲解了如何利用新兴社交媒体平台进行精准社群的挖掘和维护，而不是盲目地铺设广告。它没有过多谈论宏大的市场策略，而是聚焦于如何让我的Demo带拥有第一个1000个忠实听众，如何通过小型的、高互动的Live Show来建立口碑。最让我眼前一亮的是，它强调了“体验式营销”在音乐传播中的核心地位，建议我将每一次演出打造成一个小型艺术事件，而不是简单的演奏会。这种将艺术创作的本真与商业推广完美融合的理念，让我感到非常受鼓舞。它没有让我为了营销而牺牲音乐的纯粹性，反而让我明白了，最好的营销就是最好的艺术呈现。这本书更像是一位经验丰富、又充满同理心的行业前辈在我耳边低语，提供切实可行的建议，而不是一本冷冰冰的教科书。