似與不似--中國繪畫香港三聯書店白巍9789620435157中國繪畫 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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齣版社： 香港三聯書店

ISBN：9789620435157

商品編碼：23940103622

蘸日月光輝，染虹霞紛彩。中國繪畫擺盪在似與不似之間，寫畫與繪書並存。皴、擦、點、染懷凝鍊中華文化追索自然的精神本質，揭示混沌宇宙真諦。本書藉傳統畫科分類，從龍馬、仕女、山水、花鳥、風俗五項切入，突破尋常時間軸遞進論述的方式，歸結中國繪畫隱含的意象，讀者從中國畫的畫論體係來鑑賞國粹經典。

翰墨春鞦：宋元文人畫的審美嬗變與精神圖景 圖書簡介 本書深入剖析瞭中國繪畫史上一個至關重要的轉摺時期——宋代至元代文人畫的興起、發展及其深遠影響。聚焦於“士人”階層如何從傳統“匠人”的窠臼中脫離，將個人的學養、性情與筆墨融為一體，從而奠定瞭後世中國藝術精神的核心基調。全書以宏大的曆史視野和精微的個案分析相結閤的方式，構建瞭一個立體、豐滿的文人畫美學生態圖譜。 第一章：宋代士人的覺醒與院體的革新 宋代，伴隨著理學思潮的興盛和文官政治的成熟，知識分子的社會地位空前提高。他們不再僅僅是宮廷的附庸，而是開始構建一套獨立於官方意識形態的文化價值體係。這種覺醒首先體現在對繪畫觀念的重塑上。本書從對唐代“格物緻知”傳統的繼承與反思切入，探討瞭宋徽宗“格物緻知”的實踐如何催生瞭精細入微的院體畫風，如徽宗朝的《芙蓉錦雞圖》所展現的無與倫比的寫實功力與象徵意義。 然而，這種極緻的寫實背後，也孕育著對“氣韻生動”的更深層次理解。趙孟堅、李公麟等一批具有深厚學識的士人畫傢，開始強調“不求形似，但求神似”。李公麟的白描手法，尤其是在《九龍圖》等作品中的運用，摒棄瞭濃墨重彩，轉而追求綫條的內在張力與精神的自由流淌，這被視為文人畫的濫觴。我們詳細考察瞭蘇軾關於“論畫”的理論貢獻，他提齣的“詩中有畫，畫中有詩”的命題，為文人畫確立瞭文學性與抒情性的審美標準。宋代院體畫的成熟與士人畫的萌芽，構成瞭復雜的、相互滲透的藝術格局。 第二章：元初的避世與筆墨的自覺 元代，濛古人的統治帶來瞭政治上的劇變，使得大批宋朝舊臣與知識精英選擇“齣仕”或“歸隱”。這種集體的“失位”或“自棄”，極大地激發瞭文人對藝術的投入，繪畫成為他們安頓身心、寄托傢國情懷的終極場所。 “元四傢”的形成，標誌著文人畫在理論和實踐上達到高峰。本書將重點分析“四僧”——黃公望、倪瓚、吳鎮、王濛的藝術路徑差異。黃公望的《富春山居圖》不再是記錄現實山水的地理誌，而是心源的流露，其筆墨的皴擦點染，已然成為一種自我對話的語言。倪瓚的“蕭疏簡淨”，則將“孤”與“潔”推嚮極緻，畫麵中少有的樹木和遠山，承載瞭文人對高潔品格的執著堅守。 此外，本書還探討瞭元代書法入畫的程度如何加深。文人將楷、行、草書的筆法結構融入到山石樹木的描繪中，使得綫條不僅具有描繪功能，更具備瞭獨立的審美價值和情感強度。元人對“筆墨精神”的強調，實質上是將繪畫的本體論轉嚮瞭畫傢自身的修養和心性。 第三章：詩、書、畫的閤一與象徵體係的構建 文人畫區彆於前代的根本特徵，在於其高度自覺的文化自覺性——即詩、書、畫、印的“四絕”的融閤。本書專門設立章節，剖析瞭這種閤一如何構建起一套復雜的象徵體係。 例如，鬆、竹、梅“歲寒三友”不再僅僅是自然景觀，而是士人堅韌不拔、傲霜鬥雪的道德寫照。枯藤、敗筆、荒村，則是對亂世的隱喻和對隱逸生活的嚮往。這種象徵意義的疊加，要求觀者不僅要欣賞其視覺效果，更要理解其背後的文化典故和畫傢的人格投射。 我們通過對元代文人畫題跋的研究，揭示瞭文字如何“激活”畫麵。題跋不再是簡單的說明或附和，而是畫傢自我闡釋的必要組成部分，它們往往占據瞭畫麵的重要位置，與圖像共同構築瞭一個完整的敘事結構。這種“以書寫景，以詩言情”的方式，將視覺藝術提升到瞭思想交流的層麵。 第四章：地域流派的差異與地域美學的形成 雖然元四傢在理論上趨於一緻，但他們的地域背景和個人氣質，依然塑造瞭不同的美學傾嚮。本書比較瞭以黃公望為代錶的江南抒情山水與王濛所代錶的“重筆皴染”的復雜內斂風格。 同時，本書也將目光投嚮瞭南方與北方畫派的互動。南宋院體的寫實傳統，在元代並未完全消失，而是通過浙派等地方力量，以一種更注重體格和體積感的方式延續。這種對比研究有助於理解，文人畫的“主流”確立，並非排除所有其他風格，而是在一個不斷張力中完成的審美選擇過程。 結語：超越描摹，直抵性靈 宋元文人畫的興盛，是中國藝術史上的一次深刻的文化轉嚮。它標誌著中國繪畫從“再現自然”嚮“錶現自我”的根本性轉移。本書旨在梳理這一曆史脈絡，展示這些偉大藝術傢如何通過筆墨的錘煉，將個人的生命體驗、哲學思考和政治抱負，凝聚於方寸之間，最終為後世的藝術創作確立瞭一種高遠的、內省的、重精神氣質的審美範式。它不僅是對繪畫史的梳理，更是對中國傳統知識分子精神世界的深度探尋。

評分☆☆☆☆☆

我通常對藝術評論類的書籍抱持一種審慎的態度，總擔心內容會過於晦澀或矯飾。然而，這本書的文字敘述方式非常接地氣，盡管討論的是深奧的藝術理論，但行文流暢自然，沒有那種故作高深的腔調。特彆是關於“似與不似”這一核心概念的闡述，作者用瞭很多生活化的比喻來解釋這種微妙的平衡——藝術的生命力恰恰在於那“一不似”之處。我發現自己不再隻是被動地“看”畫，而是開始主動地“讀”畫，去辨析畫傢是“似”瞭古人筆意，還是在“不似”中找到瞭自我的聲音。這本書的價值在於，它成功地搭建瞭一座橋梁，讓非專業人士也能領略到中國畫“神韻”的精髓，而不僅僅停留在形體描摹的層麵。這對於推廣傳統藝術的當代意義，是不可估量的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的印刷質量和圖片呈現效果，絕對是收藏級彆的。這對於一本側重於視覺藝術的書籍來說，至關重要。每一幅畫作的色彩還原度都極高，那些原本隻有在原作前纔能捕捉到的微妙筆觸和紙張的肌理感，通過高質量的影印得以保留。這使得讀者即便沒有親赴博物館或畫廊，也能感受到作品的現場力量。那些繁復的紋理、層次分明的墨韻，清晰可見，大大提升瞭閱讀體驗。我甚至花瞭好長時間，隻是對著其中幾幅水墨小品反復摩挲，試圖理解畫傢是如何在極簡的構成中，營造齣無限深遠的意境的。這種對細節的極緻追求，體現瞭齣版方對學術內容和藝術呈現的共同敬畏。

評分☆☆☆☆☆

這本畫冊簡直是視覺的盛宴，裝幀設計本身就透露齣一種對藝術的尊重。開篇幾幅作品的選材角度極其新穎，它們並非傳統意義上那些被反復臨摹的經典名作，而是更側重於展現特定曆史時期，特彆是近現代中國畫在轉型期的探索與掙紮。我特彆欣賞其中對“意境”二字的現代詮釋，作者似乎在用筆墨探討一個哲學命題：如何在繼承傳統的同時，不被傳統所束縛？那些綫條的粗細變化、墨色的濃淡乾濕，無不體現齣畫傢內心的波瀾，仿佛能聽見宣紙被筆尖劃過時發齣的微弱聲響。閱讀過程如同與一位老友對飲，他娓娓道來，卻字字珠璣，讓你在欣賞畫作的同時，也被引領著去思考筆墨背後的文化基因。對於那些熱衷於深入研究中國畫本體語言的愛好者來說，這本書提供的解讀視角無疑是獨到且富有啓發性的。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，剛拿到手的時候，我有點擔心內容會過於集中在香港本土藝術傢的視角，從而局限瞭對宏大曆史脈絡的把握。但讀進去之後，發現這種擔心完全是多餘的。書中的案例選取非常精妙，它巧妙地將地域特色與時代思潮結閤起來，展示瞭在特定社會環境下，中國畫傢是如何在全球化浪潮中堅守文化身份，並進行創新性錶達的。我尤其被其中幾組對比圖所震撼，它們並置瞭不同地域、不同代際的同一主題的作品，強烈的反差促使人思考：究竟是什麼讓這些作品擁有瞭共同的“中國性”？作者的分析不是簡單的歸納，而是一種細膩的抽絲剝繭，解構瞭風格的形成機製，讓人對中國藝術史的復雜性有瞭更立體的認知。

評分☆☆☆☆☆

不同於市麵上許多隻停留在介紹和贊美的藝術讀物，這本書在評論的深度上是頗具批判性和思辨性的。作者敢於提齣一些具有爭議性的觀點，比如對某些被奉為圭臬的傳統技法的現代局限性進行瞭深入剖析。這使得整本書的論述充滿瞭活力，而不是一潭死水般的教科書式說教。我特彆欣賞作者在探討“繼承”與“超越”之間的矛盾時，所展現齣的那種平衡感——既不盲目崇拜古人，也不肆意貶低傳統。這種冷靜而又熱情的分析視角，讓人在閤上書本後，仍然久久不能平靜，會促使我重新審視自己以往觀看中國畫的習慣和認知，這纔是優秀藝術書籍的終極價值所在。