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基本信息
| 书名： | 艺术史-1940年至JT | ||
| 作者： | (美)费恩伯格 | 开本： | |
| YJ： | 280 | 页数： | |
| 现价： | 见1；CY=CY部 | 出版时间 | 2015-04 |
| 书号： | 9787552005264 | 印刷时间： | |
| 出版社： | 上海社会科学院出版社 | 版次： | |
| 商品类型： | 正版图书 | 印次： | |
精彩导读
导论
作为一种思维方式来了解艺术
本书的前提十分简单，即艺术家们通过创作来探索事物即将呈现的样子。他们对事物有着敏锐的直觉和洞察力，然而这种令人着迷的观点却无法用语言描述出来，因此他们试图通过艺术作品来呈现这些引人入胜的思想。伟大的艺术作品不但能够得到除艺术家之外的普通民众的理解，而且能使他们借助这些作品重新认识他们的经验。例如，D被文森特·梵高（Vincent van Gogh）的《三双鞋》（Three Pairs of Shoes，图1.1）深深打动的人们看到一双旧的工作靴（图1.2）时，都无法不联想到梵高的SJ观。从这幅作品中，人们透过艺术家眼睛来看鞋子，由此开始了解这位艺术家。J这样，艺术家通过移情方式向我们传达他的感受。正如华兹华斯（Wordsworth）描述诗人时所说的，艺术家“正咏唱着一1全人类与他共唱的歌”。 1
艺术创作是一种思维方式，同D立分析相比，移情（即产生共鸣）使我们和艺术之间的距离更加接近。尽管语言也是思考的一部分，但对艺术作品的思考并不一定要用语言表达出来；它是一种与语言截然不同的视觉思考，并通过表达和连接视觉观念来呈现其严谨。即使在一幅只关注色彩、形式等诸如此类的抽象作品中，艺术家基于绘画元素而构思出的绘画结构也提供了一种组织经验的模式。 该模式是艺术家思考“风格”（style）的一个实例，而且从其明显一致性的特征上看，它类似一种人格——仿佛随着时间的流逝，不断成长及历经新事物后所形成的日益完善的人格。画家威廉·德·库宁（Willem de Kooning）评论道：“你逐渐地培养自己，J像酸乳酪一样，只要保存住某种原有的微生物，它其中的原物J会发酵出来。 因此我像多数艺术家一样，拥有些许这种Z初的感觉。2
值得深思的艺术作品是由复杂的认知和情感构成的有形具象，这和艺术家的经历有关，并不是我们所看到的万事万物均在试图呈现（look like）的那个SJ。加布里埃尔·奥罗斯科（Gabriel Orozco） 1991年的摄影作品《吾手即吾心》（My Hands Are My Heart，见页）证实了以下观点，艺术家通过一个物体（在这里是一个动作的两张照片）阐述他的创作和他所感受到的SJ之间的联系，这种联系是紧密的、甚至是QFW的。艺术所隐含的潜在主题往往是艺术家与现实的邂逅，他们的心理驱动、智力、社会和活动等方面都徘徊在痛并快乐着的十字路口。笔法、线条、构图甚至是具象题材都可以用来暗喻艺术家的经历（内部兼外部）。艺术家准确地给主观认知提供框架，牛津哲学家阿尔弗雷德·诺尔司·怀特海（A. N. Whitehead）将这种现象称之为 “象征性真理”。3在历SS的任何时期，伟大的艺术家都是不可或缺的，这是因为：（1）他们对SJ上新鲜且神秘未知的事物有着高度敏感性，（2）他们用个人所特有的方式去感知这些事物，（3）在我们无法语言去描述现实真相、或因距这些现实太远而无法分析它们的时候，艺术家利用各种艺术形式体现其内心感知，为我们审视现实真相搭建了桥梁。
这项活动的Z终特性导致现代艺术被定位成J其简单且缺乏意义的活动。人们Z多会说，艺术家分享的不过是从视觉语言和对所处时代、环境的体验中总结出的共同元素。这些用来分享的特质或想法将艺术家们紧密联系在一起，从而导致他们的风格大同小异。但他们除了对于表面的理解，在其它方面很难达成共识。Z后，即使在艺术合作中（合作并不是千篇一律的），艺术创作也往往是个体行为，在D今企业控制大众传媒文化的形势下，艺术，成为个体在大型公共层面仅存的表达工具之一。
现代主义
我们常常会质疑将艺术家与艺术运动混为一谈，那么无视不同历史时期的特征也同样是个问题。然而，作为帮助我们理清历来混乱的历史和时事的一条捷径，我们有时需要缩减分类（对于时代和运动的分类）。即便有变更和特例， “现代主义”（modernism）和“后现代主义”（postmodernism）这两个术语仍然FC有用，且在艺术文学中屡见不鲜，在这里也不妨再次定义，至少进行简明的概述。
现代主义是工业时代时兴起的SJ观。它源于十七、十八世纪时的欧美思想（理性时代及启蒙时期），在紧密相连的民主、理性和人文主义的发展中可略见端倪。然而现代主义本身启蒙于SJ世纪工业革命时期，一度兴盛至二十世纪中叶以后，临近新世纪，它在备受争议的同时也经历了翻天覆地的变化。人们通常认为后现代主义开始于四十年前的“后工业”（post-industrial）或“后资本主义”（late-capitalist）社会。有人把它看作是对现代主义的继承，也有人主张说后现代主义已经取代了现代主义。从20世纪60年代末开始，人们不断地更改、确认甚至重复验证真理，而这与现代主义的目的论背道而驰（向着理想前进的观念），所有人都不得不承认我们的SJ愈发复杂。
现代主义信念的核心是人类的能力，即人类通过科学知识、技术和理性的力量去审视且改造周边SJ的能力。“自然哲学 ”（natural philosophy）启蒙于18世纪的现代科学，在验证和确认真理的过程中，它依赖于观察及合乎逻辑的论证。作为一种组织社会关系的方式，这种对理性的依赖通常会引起民主辩论，而由于宗教观没有得到合理的验证，所以必然会导致世俗主义。现如今，现代主义认为发展是基础，改变是在所难免的、甚至是人们所期待的，并由此来确定自身的发展方向。事实上，现代主义已经寓美学价值观于发展中，并倾向于抛弃即将过时的传统艺术、文学、社会结构和经济形式。 目录 D三版前言致谢
序言
D一章导论
作为一种思维方式来了解艺术
现代主义
前卫的概念
现代主义的激进个性和自我批判
后现代主义
美国视角/本书视角
D二章四十年代的纽约
纽约成为艺术中心
超现实主义
林飞龙
罗伯特·马塔
约瑟夫·康奈尔
美国实用主义及其社会意义
经济大萧条和公共事业振兴署（W.P.A.）
在纽约随处可见的欧洲现代主义
纽约的欧洲人
纽约新运动的意义
纽约画派艺术家的共性与差异性
纽约画派艺术中的自动与行动
行动和存在主义
克莱福特·斯蒂尔
阿道夫·戈特利布
弗朗兹·克兰
纽约画派的圈内朋友及圈外朋友
四十年代另一种叙事
雅各布·劳伦斯
海达·斯特恩
路易丝·布尔茹瓦
与纽约画派同时期的摄影
维加和莉赛特·莫德尔
亚伦·西斯金德以及芝加哥学派
D三章与欧洲的对话
亚历山大·考尔德
亚历山大·考尔德的早年生活和主题
考尔德在巴黎
宇宙意象和活动雕塑
汉斯霍夫曼
对欧洲风格的借鉴
霍夫曼的艺术理论
霍夫曼的绘画
阿希尔·戈尔基
戈尔基的生活(真实的和杜撰的)
戈尔基风格的发展
戈尔基的晚期作品
罗伯特·马瑟韦尔
与欧洲现代派的知识关联
马瑟韦尔作品中反复出现的主题
马瑟韦尔早期事业生涯中的教学、写作和编辑工作
马瑟韦尔的作品
威廉·德·库宁
德·库宁的受训经历和早期艺术生涯
解剖分解为抽象
解剖形式分解为笔触
德库宁在50年代的抽象作品
60年代的《女人》系列以及晚期作品
D四章 存在主义脱颖而出
杰克逊·波洛克
波洛克的早期生活及影响
波洛克在20世纪40年代早期的自我突破
波洛克向纯姿态风格的过渡
滴洒和泼溅作品
50年代时的波洛克
巴尼特·纽曼
纽曼的作品《同一I》 所带来的启示
四十年代后期的绘画
50年代的《英勇崇高之人》和其他作品
《十字架之站》（“Stations of the Cross”）
马克·罗斯科
罗斯科的艺术形成期
转向古典神话
超现实主义、心理分析和 “神话的精神”
将无可名状者“英雄化”
壁画及其他晚期作品
大卫·史密斯和纽约画派的雕塑
史密斯初次涉足艺术SJ
机器美学和潜意识
象形图画和《哈德逊河风景》（Hudson River Landscape）
D存在主义邂逅手边材料
事业成功伴随着个人生活的牺牲
人物作品登场和Z后十年的作品
D五章四十年代末期欧洲新出现的艺术大师
让·杜布菲和战后巴黎
杜布菲40年代的绘画
杜布菲艺术的哲学前提
五十年代对物质的关注
宏伟之熵（Entropy）
阿尔伯托·贾克科蒂的存在主义表现
弗朗西斯·培根
D六章 五十年代的一些GJ艺术趋势
纯粹的抽象
欧洲艺术家与材料物质性的碰撞
纽约行动绘画的物质阅读
格林伯格对现代主义的定义
格林伯格学派
形式主义绘画
欧洲和美国的“人物新形象”
眼镜蛇画派（The Cobra）
50年代具象的复兴
内容介绍
七天无理由退货服务
目录
本店全部为正版图书
用户评价
当我捧起《艺术史-1940年至今天》这本书时，我怀揣着一份期待，希望能借此梳理清楚近七十多年艺术发展的脉络，理解那些曾经让我感到困惑或惊艳的艺术形式。1940年，一个充满变革的年代，我想知道艺术是如何在这个时代背景下，不断演变，呈现出如此丰富多彩的面貌的。 书中对于“抽象表现主义”的深入剖析，让我对这一时期艺术的激进与活力有了更深的认识。艺术家们如何在二战后的动荡不安中，通过大胆的色彩、自由的笔触来表达内心的情感和对生命力的追求，这些内容让我对那个时代的艺术精神有了切身的感受。我仿佛能看到艺术家们在画布上挥洒激情，将个人的生命体验转化为一种具有普遍意义的艺术语言。 我对“波普艺术”的理解，也在书中得到了极大的拓展。安迪·沃霍尔那些标志性的作品，不再仅仅是符号化的消费品，而是被置于更广阔的社会文化语境下进行解读。艺术家们如何挪用大众文化中的元素，如何挑战艺术的 elitism，这让我看到了一种艺术与生活、与社会之间更加紧密的联系。这种艺术形式的出现，无疑是对传统艺术观念的一次颠覆。 书中对于“极简主义”的论述，让我看到了艺术的另一种极致。那种去除繁复，回归本质的力量，让我对艺术的纯粹性有了新的理解。艺术家们如何通过最简单的几何形式、最基本的材质来引发观众的思考，探索观看、空间以及人与艺术的关系，这是一种安静而深刻的力量。 让我印象深刻的是，“概念艺术”在书中的呈现。它将艺术的重心从物质形态转向了思想观念，这是一种革命性的转变。艺术家们如何用最经济、最直接的方式来传达他们的思想，挑战我们对“艺术是什么”的固有认知，这让我看到了艺术作为一种思想载体，其强大的潜力。 在解读“后现代主义”时，书中并未给出一个简单的定义，而是通过其对现代主义的批判、对多元文化的拥抱，以及其对碎片化、不确定性社会现实的回应，来展现其复杂的面貌。拼贴、挪用、反讽等手法，在书中被细致地剖析，让我明白了后现代艺术如何打破了传统的藩篱，呈现出更加多元和包容的艺术生态。 书中对于“女性主义艺术”的关注，让我看到了艺术作为一种社会力量的可能性。艺术家们如何利用艺术来表达女性的经验、挑战性别刻板印象、争取平等，这让我感受到了艺术的社会担当和变革力量。 让我着迷的是，书中在介绍不同艺术流派时，并非简单地罗列，而是展现了它们之间的相互关联、相互影响，以及它们如何在一个不断发展的历史语境中演变。这种“动态”的叙事方式，让艺术史的图景更加生动和立体。 同时，书中也触及了不同地域艺术的发展，让我看到了艺术的全球化视角。它不仅仅局限于西方艺术的范畴，而是更加关注了不同文化背景下的艺术创新和发展。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》是一本内容宏富、分析深刻的艺术史著作。它不仅为我梳理了近七十多年的艺术发展线索，更重要的是，它引导我深入思考艺术的本质、艺术的功能以及艺术在当今社会中的意义。这是一次宝贵的艺术学习经历。
评分读完《艺术史-1940年至今天》，感觉像是完成了一场横跨大半个世纪的艺术马拉松，精疲力尽，却又充满着一种难以言喻的满足感。这本书不仅仅是知识的堆砌，更像是一次心灵的洗礼，让我重新审视了艺术在现代社会中的角色和意义。1940年至今，这是一个充满了动荡与变革的时期，而艺术，恰恰是捕捉这些时代脉搏的最敏感的触角。 我印象最深刻的是，书中对“战后艺术”的阐释。战争留下的创伤，以及随之而来的对人性和文明的反思，深刻地影响了艺术家的创作。从欧洲的“艺术 the New Abstraction”到美国的“抽象表现主义”，艺术家们试图用新的语言来表达内心的痛苦、困惑和对未来的渴望。书中的文字，生动地勾勒出了这些艺术家们如何在废墟之上，重建艺术的信仰，他们的作品，既有震撼人心的力量，也充满了对生命顽强的赞颂。 让我尤其着迷的是，书中对“后现代艺术”的解读。它不再追求宏大的叙事和普世的真理，而是转向了对个体经验、碎片化信息和多元文化的关注。解构、拼贴、挪用……这些艺术手法，在书中被细致地分析，它们如何挑战了传统的艺术观念，如何反映了当代社会的复杂性和不确定性，都让我耳目一新。我开始理解，为什么今天的艺术会如此多元，如此难以界定。 书中对于“女性主义艺术”和“身份政治艺术”的探讨，也让我受益匪浅。它揭示了艺术是如何成为边缘群体表达自我、挑战父权社会、争取平等的有力工具。艺术家们通过作品，发出了强有力的声音，让那些被压抑和忽视的声音，得以被听见。这让我看到了艺术的社会责任感，以及它改变世界的力量。 作者在分析艺术流派时，并没有流于表面，而是深入挖掘了其背后的哲学思想、社会思潮和科技发展。比如，对“极简主义”的剖析，它不仅仅是对形式的简化，更是对艺术本质的追问，对过度消费和物质主义的反思。这种深度挖掘，让艺术分析不再是枯燥的论述，而是充满了智慧的闪光。 我特别喜欢书中那些关于艺术家个体的篇章。他们的生活经历，他们的创作困境，他们的突发奇想，都让抽象的艺术理论变得鲜活而真实。一个眼神，一个手势，一句无心的言语，都可能成为艺术创作的火花。阅读这些故事，我仿佛与那些伟大的灵魂进行了一场跨越时空的对话，感受到了他们内心深处的澎湃。 书中对于“新媒体艺术”和“数字艺术”的关注，也让我看到了艺术发展的无限可能。从早期的录像艺术，到如今的VR/AR艺术，艺术的形式和媒介都在不断地演变和创新。这让我意识到，艺术的生命力在于其不断的自我超越和对新技术的拥抱。 让我印象深刻的是，书中在介绍不同流派时，始终强调它们之间的联系和对话，而不是孤立地呈现。艺术家们是如何相互借鉴，相互影响，又是如何在碰撞中产生新的火花。这种“编织式”的叙事，让艺术史的脉络更加清晰，也更加引人入胜。 读这本书，就像在欣赏一幅宏大的画卷，每一个笔触都充满了力量，每一个色彩都诉说着故事。1940年至今，艺术经历了何等巨大的转型，它如何从象牙塔走向大众，如何从个人表达走向社会批判，这一切，都在这本书中得到了精彩的呈现。 总的来说，《艺术史-1940年至今天》是一本兼具学术深度和阅读趣味的艺术史著作。它不仅为我构建了一个清晰的艺术发展框架，更重要的是，它激发了我对艺术更深层次的思考，让我看到了艺术的多元、创新和强大的生命力。这是一本值得反复阅读，并且每一次都会有新发现的书。
评分《艺术史-1940年至今天》这本书，就像一部精心编织的锦缎，将近现代艺术的辉煌与曲折一一呈现。1940年，这是一个充满变革的年代，艺术也随之迎来了前所未有的发展机遇。我希望通过这本书，能够系统地理解这一时期艺术的演变，感受艺术的生命力。 书中对于“抽象表现主义”的深入剖析，让我看到了艺术家们如何突破传统，用强烈的色彩和自由的笔触来表达内心深处的激情与挣扎。那些奔放的线条和不拘一格的构图，仿佛是艺术家们在画布上的一次次呐喊，一次对生命本质的探索。 而“波普艺术”的章节，更是让我看到了艺术如何与日常生活紧密相连。艺术家们如何将大众文化中的符号、图像，诸如商品、广告、名人肖像，巧妙地融入艺术创作，打破了艺术与生活的界限，这让我看到了艺术的普适性和感染力。 我对“极简主义”的理解，也在书中得到了升华。它不仅仅是对形式的简化，更是对艺术本质的回归，对观看行为的审视。艺术家们如何通过最纯粹的形态和材质，引发观众对空间、时间以及人自身存在的思考，这是一种安静而又极其深刻的艺术表达。 令我惊喜的是，“概念艺术”在书中的呈现。它将艺术的重心从视觉的愉悦转移到了思想的启迪，这让我看到了艺术作为一种思想载体，其强大的影响力。艺术家们如何用最简单、最直接的方式来表达复杂的思想，挑战我们对“艺术是什么”的固有认知，这让我对艺术的理解有了质的飞跃。 在解读“后现代主义”时，书中并未给出一个简单的定义，而是通过分析其对现代主义的质疑、对多元化、碎片化现实的回应，以及其标志性的手法，展现了其复杂而深刻的内涵。拼贴、挪用、反讽等手法的出现，让我理解了后现代艺术如何打破了传统的藩篱，呈现出更加包容和多元的艺术生态。 书中对“女性主义艺术”的关注，让我看到了艺术在社会变革中的重要作用。艺术家们如何利用艺术来表达女性的经验，挑战性别刻板印象，争取平等，这让我感受到了艺术作为一种社会力量的强大。 让我着迷的是，书中在介绍不同艺术流派时，并非简单地罗列，而是展现了它们之间的相互关联、相互影响，以及它们如何在一个不断发展的历史语境中演变。这种“动态”的叙事方式，让艺术史的图景更加生动和立体。 同时，书中也触及了不同地域艺术的发展，让我看到了艺术的全球化视角。它不仅仅局限于西方艺术的范畴，而是更加关注了不同文化背景下的艺术创新和发展。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》是一本内容宏富、分析深刻的艺术史著作。它不仅为我梳理了近七十多年的艺术发展线索，更重要的是，它引导我深入思考艺术的本质、艺术的功能以及艺术在当今社会中的意义。这是一次宝贵的艺术学习经历。
评分《艺术史-1940年至今天》这本书，对我来说，不仅仅是一本关于艺术史的读物，更像是一次穿越时空的艺术之旅。1940年，一个充满挑战与机遇的年代，艺术在这个时期经历了怎样的蜕变，又是如何影响着我们的当下，这本书为我一一揭示。 书中对于“抽象表现主义”的深入剖析，让我看到了艺术家们是如何在二战的阴影下，以极其个人化的方式，将内心的情感与对世界的理解倾注于画布之上。那些大胆的笔触和奔放的色彩，仿佛是在宣告着一种新的艺术语言的诞生，一种对自由和生命力的无畏表达。 而“波普艺术”的章节，更是让我对艺术的边界有了更深的理解。艺术家们如何将日常生活中随处可见的图像，比如商品、漫画、名人肖像，转化为具有深刻含义的艺术作品，这本身就是一种对艺术观念的挑战。我看到了艺术如何从精英的殿堂走向大众，与我们的生活产生了前所未有的联系。 我对“极简主义”的解读，也在书中得到了拓展。它不再仅仅是对形式的简化，而是一种对艺术本质的探求，对观看行为的审视。艺术家们如何通过最纯粹的形态和材质，引发观众对空间、时间以及人自身存在的思考，这是一种沉静而又充满力量的艺术。 令我惊喜的是，“概念艺术”在书中的呈现。它将艺术的重点从视觉形式转移到了思想观念，这让我看到了艺术的无限可能性。艺术家们如何用最简单、最直接的方式来表达复杂的思想，挑战观众既有的认知，这让我意识到，艺术的力量不仅仅在于其视觉呈现，更在于其所传递的思想。 在解读“后现代主义”时，书中并未给出一个简单的定义，而是通过分析其对现代主义的质疑、对多元化、碎片化现实的回应，以及其标志性的手法，展现了其复杂而深刻的内涵。拼贴、挪用、反讽等手法的出现，让我理解了后现代艺术如何打破了传统的藩篱，呈现出更加包容和多元的艺术生态。 书中对“女性主义艺术”的关注，让我看到了艺术在社会变革中的重要作用。艺术家们如何利用艺术来表达女性的经验，挑战性别刻板印象，争取平等，这让我感受到了艺术作为一种社会力量的强大。 让我着迷的是，书中在介绍不同艺术流派时，并非简单地罗列，而是展现了它们之间的相互关联、相互影响，以及它们如何在一个不断发展的历史语境中演变。这种“动态”的叙事方式，让艺术史的图景更加生动和立体。 同时，书中也触及了不同地域艺术的发展，让我看到了艺术的全球化视角。它不仅仅局限于西方艺术的范畴，而是更加关注了不同文化背景下的艺术创新和发展。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》是一本内容宏富、分析深刻的艺术史著作。它不仅为我梳理了近七十多年的艺术发展线索，更重要的是，它引导我深入思考艺术的本质、艺术的功能以及艺术在当今社会中的意义。这是一次宝贵的艺术学习经历。
评分《艺术史-1940年至今天》这本书，仿佛是一本浓缩了近一个世纪艺术发展史的百科全书。拿到它的时候，我便被它所承载的厚重感所吸引。1940年，一个充满变革的时代，我想了解艺术是如何在这个时期，从传统束缚中挣脱出来，走向多元化、实验化的道路的。 书中对于“抽象表现主义”的详尽阐述，让我领略到了那个时代艺术家们内心的激荡与渴望。他们如何在画布上挥洒淋漓的色彩，用自由奔放的笔触来表达对生命的热爱和对自由的追求，这些描述让我仿佛亲眼目睹了艺术创作的澎湃激情。 而“波普艺术”的章节，更是让我看到了艺术与大众文化的奇妙结合。安迪·沃霍尔那些家喻户晓的图像，在书中被置于更深厚的社会文化语境下进行解读，让我理解了艺术如何能够拥抱消费社会，挑战传统的 elitism。这种艺术的“大众化”趋势，至今仍具有深刻的意义。 我对“极简主义”的理解，也在书中得到了升华。那种去除一切冗余，回归艺术最纯粹的本质的追求，让我看到了极简背后所蕴含的深刻哲学思考。艺术家们如何通过最简单的几何形式，引发观众对空间、观看以及存在本身的思考，这是一种安静而又极具穿透力的艺术力量。 令我惊喜的是，“概念艺术”在书中的呈现。它彻底颠覆了我对艺术的传统认知，将艺术的重心从视觉体验转移到了思想观念。艺术家们如何用最直接、最经济的方式来表达他们的思想，挑战我们对“什么是艺术”的既有认知，这让我看到了艺术作为一种思想载体，其强大的生命力。 在解读“后现代主义”时，书中并未给出一个简单的定义，而是通过分析其对现代主义的质疑、对多元化、碎片化现实的回应，以及其标志性的手法，展现了其复杂而深刻的内涵。拼贴、挪用、反讽等手法的出现，让我理解了后现代艺术如何打破了传统的藩篱，呈现出更加包容和多元的艺术生态。 书中对“女性主义艺术”的关注，让我看到了艺术在社会变革中的重要作用。艺术家们如何利用艺术来表达女性的经验，挑战性别刻板印象，争取平等，这让我感受到了艺术作为一种社会力量的强大。 让我着迷的是，书中在介绍不同艺术流派时，并非简单地罗列，而是展现了它们之间的相互关联、相互影响，以及它们如何在一个不断发展的历史语境中演变。这种“动态”的叙事方式，让艺术史的图景更加生动和立体。 同时，书中也触及了不同地域艺术的发展，让我看到了艺术的全球化视角。它不仅仅局限于西方艺术的范畴，而是更加关注了不同文化背景下的艺术创新和发展。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》是一本内容宏富、分析深刻的艺术史著作。它不仅为我梳理了近七十多年的艺术发展线索，更重要的是，它引导我深入思考艺术的本质、艺术的功能以及艺术在当今社会中的意义。这是一次宝贵的艺术学习经历。
评分一直以来，我对1940年至今这段时间里的艺术发展都充满了浓厚的兴趣，但总觉得零散的资讯难以形成清晰的认知。《艺术史-1940年至今天》这本书，就像我期待的那盏指路明灯，为我照亮了这段波澜壮阔的艺术图景。1940年，恰逢世界格局巨变，艺术也随之进入了一个前所未有的创新与探索时期。 书中关于“抽象表现主义”的论述，让我仿佛置身于那个充满激情与反思的年代。艺术家们如何在战争的创伤后，用淋漓尽致的色彩和奔放的笔触来宣泄内心的情感，表达对生命力的顽强追求，这些描述极具感染力。我看到了艺术家们是如何将个人的生命体验转化为一种具有普遍意义的艺术语言，这种艺术的原始力量让我动容。 而“波普艺术”章节的精彩呈现，更是让我对艺术与日常生活的联系有了全新的认识。安迪·沃霍尔那些充满象征意义的图像，在书中被置于更深厚的社会文化语境下进行解读，让我理解了艺术如何能够大胆地挪用大众文化、消费社会的元素，从而打破传统艺术的 elitism。这种艺术的“大众化”趋势，至今仍影响着我们。 我对“极简主义”的理解，也在书中得到了进一步的深化。那种对形式、材质的极致追求，去除一切不必要的装饰，回归艺术最纯粹的本质，让我看到了极简背后所蕴含的深刻哲学思考。艺术家们如何通过最简单的几何形式，引发观众对空间、观看以及存在本身的思考，这是一种安静而又极具穿透力的艺术力量。 令我惊喜的是，“概念艺术”在书中的呈现。它彻底颠覆了我对艺术的传统认知，将艺术的重心从视觉体验转移到了思想观念。艺术家们如何用最直接、最经济的方式来表达他们的思想，挑战我们对“什么是艺术”的既有认知，这让我看到了艺术作为一种思想载体，其强大的生命力。 在解读“后现代主义”时，书中并未给出一个简单的定义，而是通过分析其对现代主义的质疑、对多元化、碎片化现实的回应，以及其标志性的手法，展现了其复杂而深刻的内涵。拼贴、挪用、反讽等手法的出现，让我理解了后现代艺术如何打破了传统的藩篱，呈现出更加包容和多元的艺术生态。 书中对“女性主义艺术”的关注，让我看到了艺术在社会变革中的重要作用。艺术家们如何利用艺术来表达女性的经验，挑战性别刻板印象，争取平等，这让我感受到了艺术作为一种社会力量的强大。 让我着迷的是，书中在介绍不同艺术流派时，并非简单地罗列，而是展现了它们之间的相互关联、相互影响，以及它们如何在一个不断发展的历史语境中演变。这种“动态”的叙事方式，让艺术史的图景更加生动和立体。 同时，书中也触及了不同地域艺术的发展，让我看到了艺术的全球化视角。它不仅仅局限于西方艺术的范畴，而是更加关注了不同文化背景下的艺术创新和发展。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》是一本内容宏富、分析深刻的艺术史著作。它不仅为我梳理了近七十多年的艺术发展线索，更重要的是，它引导我深入思考艺术的本质、艺术的功能以及艺术在当今社会中的意义。这是一次宝贵的艺术学习经历。
评分一拿到《艺术史-1940年至今天》这本书，就被它沉甸甸的分量和精美的封面所吸引。我一直对近现代艺术充满着好奇，但总觉得零散的知识点难以形成系统，这本书恰好满足了我的需求。1940年，这是一个历史的转折点，也是艺术进入一个全新阶段的开端，我想了解从那时起，艺术是如何经历风雨，如何绽放异彩的。 我尤其对书中关于“抽象表现主义”的论述印象深刻。那些充满张力的色彩，那些奔放的线条，似乎都在诉说着艺术家们内心的情感和对自由的渴望。书中对德·库宁、波洛克等艺术家的生平及其创作理念的介绍，让我对他们的作品有了更深入的理解。他们是如何将个人的情感体验转化为普世的艺术语言，又是如何在艺术创作中突破传统，勇于创新，这些都让我感到无比震撼。 在阅读过程中，我对“波普艺术”产生了浓厚的兴趣。安迪·沃霍尔的丝网印刷，克莱因的蓝色，这些熟悉的元素，在书中被赋予了更深的含义。艺术家们如何将大众文化、消费主义融入艺术创作，如何挑战精英艺术的界限，这在我看来，是一场艺术与生活的完美融合。这种打破艺术与生活界限的做法，至今仍影响着许多当代艺术家。 书中对于“极简主义”的分析，也让我看到了艺术的另一种可能性。去除一切不必要的装饰，回归最纯粹的形态和材质，这种看似简单的背后，却蕴含着深刻的哲学思考。艺术家们是如何通过作品，探讨空间、时间、观看等基本问题，这让我重新审视了艺术的本质。 令我惊喜的是，书中对“概念艺术”的解读。不再追求视觉上的美感，而是将思想和观念置于首位，这种艺术形式让我耳目一新。艺术家们如何用最直接、最简单的方式来表达他们的思想，如何挑战观众的既有认知，这让我看到了艺术的无限可能性。 我对书中关于“后现代主义”的论述也十分感兴趣。它如何质疑和颠覆现代主义的宏大叙事，如何拥抱多元、碎片和不确定性。书中对诸如“拼贴”、“挪用”等手法进行的分析，让我明白了后现代艺术是如何反映当代社会的复杂性和多样性的。 书中对“女性主义艺术”的介绍，让我看到了艺术在社会变革中的重要作用。艺术家们如何通过作品，挑战性别歧视，争取女性的权利，这让我感受到了艺术的力量。它们不仅是艺术品，更是时代的呐喊。 让我印象深刻的是，书中并没有孤立地介绍每一个流派，而是强调了它们之间的相互影响和演变。艺术家们是如何在前人的基础上进行创新，又是如何在时代潮流中寻求突破。这种“承上启下”的叙事方式，让整个艺术史的发展脉络更加清晰。 在阅读过程中，我也注意到书中对于不同地区艺术发展的侧重。它并没有局限于西方艺术，而是也关注了其他地区艺术的崛起和发展，这让我看到了艺术的全球化趋势。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》这本书，为我打开了一扇了解近现代艺术的大门。它不仅提供了丰富的艺术知识，更引导我深入思考艺术的本质、功能以及它与社会的关系。这是一本内容翔实、见解独到的艺术史著作，值得每一位对艺术感兴趣的读者阅读。
评分拿到《艺术史-1940年至今天》这本书，我最先被吸引的是它试图覆盖的时间跨度。1940年至今，这几十年的艺术发展，无疑是人类历史上一个极其丰富和动荡的时期。我渴望通过这本书，能够系统地了解这段时期艺术的演变，理解那些曾经在画册上、在展览中看到的艺术作品背后所蕴含的意义。 书中对“抽象表现主义”的详细阐述，让我对艺术家们如何在战后的废墟上，用激烈的色彩和自由的姿态来表达内心的情感和对生命力的呐喊有了深刻的认识。我仿佛能感受到艺术家们在创作时的那种冲动和释放，他们如何将个人的情感体验转化为一种具有普遍感染力的艺术语言。 而“波普艺术”的章节，更是让我眼前一亮。安迪·沃霍尔那些耳熟能详的图像，在书中被置于更广阔的社会文化背景下进行解读，让我看到了艺术如何与大众文化、消费社会巧妙地融合，挑战着传统的艺术观念。这种将艺术从高高在上的殿堂带入日常生活的做法，对我来说是极具启发的。 我对“极简主义”的理解，也在书中得到了升华。那种去除一切冗余，回归艺术本质的追求，让我看到了极简背后所蕴含的深刻哲学思考。艺术家们如何通过最简单、最纯粹的形式来引发观众对空间、观看以及存在本身的思考，这是一种安静而又极具穿透力的艺术力量。 令我印象深刻的是，“概念艺术”在书中的呈现。它彻底颠覆了我对艺术的传统认知，将艺术的重心从视觉体验转移到了思想观念。艺术家们如何用最直接、最经济的方式来表达他们的思想，挑战我们对“什么是艺术”的既有认知，这让我看到了艺术作为一种思想载体，其强大的生命力。 在解读“后现代主义”时，书中并没有给出简单的结论，而是通过分析其对现代主义的质疑，对多元化、碎片化现实的回应，以及其标志性的手法，展现了其复杂而深刻的内涵。拼贴、挪用、反讽等手法的出现，让我理解了后现代艺术如何打破了传统的藩篱，呈现出更加包容和多元的艺术生态。 书中对“女性主义艺术”的关注，让我看到了艺术在社会变革中的重要作用。艺术家们如何利用艺术来表达女性的经验，挑战性别刻板印象，争取平等，这让我感受到了艺术作为一种社会力量的强大。 让我着迷的是，书中在介绍不同艺术流派时，并非简单地罗列，而是展现了它们之间的相互关联、相互影响，以及它们如何在一个不断发展的历史语境中演变。这种“动态”的叙事方式，让艺术史的图景更加生动和立体。 同时，书中也触及了不同地域艺术的发展，让我看到了艺术的全球化视角。它不仅仅局限于西方艺术的范畴，而是更加关注了不同文化背景下的艺术创新和发展。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》是一本内容宏富、分析深刻的艺术史著作。它不仅为我梳理了近七十多年的艺术发展线索，更重要的是，它引导我深入思考艺术的本质、艺术的功能以及艺术在当今社会中的意义。这是一次宝贵的艺术学习经历。
评分《艺术史-1940年至今天》这本书，就像一本珍贵的地图，为我绘制了近现代艺术发展的曲折而壮丽的画卷。1940年，一个历史性的转折点，艺术也随之进入了一个全新的探索阶段。我渴望借此书，理解艺术如何在战后世界、冷战阴影、科技革新等一系列复杂背景下，不断演变，呈现出如此纷繁多样的面貌。 书中对于“抽象表现主义”的详尽阐述，让我看到了艺术家们如何在艺术创作中释放个人情感，表达内心的挣扎与呐喊。那些充满力量的色彩和不规则的线条，仿佛是艺术家们与世界对话的独特语言，一种对自由和生命力的极致追求。 而“波普艺术”的章节，更是让我对艺术的边界有了全新的认识。艺术家们如何将大众文化中的符号、图像，诸如商品、广告、名人肖像，巧妙地融入艺术创作，打破了艺术与生活的隔阂，这让我看到了艺术的普适性和生命力。 我对“极简主义”的理解，也在书中得到了升华。它不仅仅是对形式的简化，更是对艺术本质的回归，对观看行为的审视。艺术家们如何通过最纯粹的形态和材质，引发观众对空间、时间以及人自身存在的思考，这是一种安静而又极其深刻的艺术表达。 令我惊喜的是，“概念艺术”在书中的呈现。它将艺术的重心从视觉的愉悦转移到了思想的启迪，这让我看到了艺术作为一种思想载体，其强大的影响力。艺术家们如何用最简单、最直接的方式来表达复杂的思想，挑战我们对“艺术是什么”的固有认知，这让我对艺术的理解有了质的飞跃。 在解读“后现代主义”时，书中并未给出一个简单的定义，而是通过分析其对现代主义的质疑、对多元化、碎片化现实的回应，以及其标志性的手法，展现了其复杂而深刻的内涵。拼贴、挪用、反讽等手法的出现，让我理解了后现代艺术如何打破了传统的藩篱，呈现出更加包容和多元的艺术生态。 书中对“女性主义艺术”的关注，让我看到了艺术在社会变革中的重要作用。艺术家们如何利用艺术来表达女性的经验，挑战性别刻板印象，争取平等，这让我感受到了艺术作为一种社会力量的强大。 让我着迷的是，书中在介绍不同艺术流派时，并非简单地罗列，而是展现了它们之间的相互关联、相互影响，以及它们如何在一个不断发展的历史语境中演变。这种“动态”的叙事方式，让艺术史的图景更加生动和立体。 同时，书中也触及了不同地域艺术的发展，让我看到了艺术的全球化视角。它不仅仅局限于西方艺术的范畴，而是更加关注了不同文化背景下的艺术创新和发展。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》是一本内容宏富、分析深刻的艺术史著作。它不仅为我梳理了近七十多年的艺术发展线索，更重要的是，它引导我深入思考艺术的本质、艺术的功能以及艺术在当今社会中的意义。这是一次宝贵的艺术学习经历。
评分一本《艺术史-1940年至今天》的书，光是标题就带着一股子沉甸甸的学术气息，又仿佛是一扇通往过去七八十年波澜壮阔的艺术海洋的大门。我拿到这本书的时候，心里既是期待，也有一丝丝的忐忑。期待的是，终于有这样一个机会，能系统地梳理近现代艺术的发展脉络，填补我对这一时期艺术认知上的空白。忐忑的是，艺术史研究向来是细节繁多，理论晦涩，我怕自己能否真正消化吸收，不至于仅仅停留在走马观花，泛泛而谈的层面。 翻开书页，扑面而来的是厚重的纸张和精心排版的文字。1940年，这是一个多么关键的时间节点。二战的硝烟刚刚散去，世界格局开始重塑，而艺术，作为社会情绪和思想的晴雨表，自然也迎来了前所未有的变革。波普艺术的崛起，抽象表现主义的激进，极简主义的冷峻，后现代主义的解构……这些曾经只存在于展览图录和艺术评论中的名词，在书中被一一梳理，不再是孤立的符号，而是有着清晰的来龙去脉，有着背后深刻的社会文化根源。 我尤其喜欢书中对不同流派艺术家群体之间相互影响的描绘。比如，艺术家们是如何从前人的经验中汲取养分，又如何在时代浪潮中寻求突破？他们之间的对话、竞争、甚至观念上的碰撞，是如何催生出新的艺术形式和思想的？书中并没有简单地将艺术家孤立起来，而是将他们置于一个更大的社群和历史背景下进行考察，这使得艺术的发展不再是少数天才的灵光乍现，而是一个群体共同努力、思想碰撞的复杂过程。 那些关于艺术家个人经历的片段，也让枯燥的艺术理论变得生动起来。一个眼神，一句对话，一次旅行，甚至一段失败的婚姻，都可能成为艺术创作的催化剂。书中的文字，时而如同一位资深策展人，娓娓道来，将作品的背景、创作动机、艺术价值剖析得淋漓尽致；时而又像一位严谨的学术研究者，引用大量的史料和文献，论证严密，逻辑清晰，让我不得不佩服作者的功力。 印象深刻的是，书中对“观念艺术”的解读。它不再将艺术仅仅视为视觉上的享受，而是更加强调艺术背后的思考和观念。艺术家们用最简单、甚至是最朴素的方式，去探讨社会问题、哲学命题，挑战着我们固有的认知模式。这种“去物质化”的艺术形式，在当时无疑是一种颠覆，而如今看来，它恰恰是现代艺术发展的重要方向之一，为我们理解当代艺术的多元化提供了重要的视角。 艺术史从来不是一条笔直的道路，而是一条充满岔路和迂回的小径。《艺术史-1940年至今天》这本书，就像一位经验丰富的向导，带领我穿越了这片迷宫。它不回避艺术史发展中的争议和曲折，甚至对一些被主流叙事所忽略的边缘艺术形式，也给予了足够的关注。这让我明白，艺术的发展从来不是单一的，而是多元并存，互相辉映的。 在阅读过程中，我常常会停下来，去思考作者提出的观点。比如，关于“后现代主义”的论述，书中并没有给出简单的是非判断，而是深入剖析了它对现代主义的批判和继承，以及它如何反映了当代社会信息爆炸、意义模糊的特征。这种 nuanced 的分析，让我对这一复杂而重要的艺术思潮有了更深刻的理解。 最让我感到惊喜的是，书中并没有将艺术仅仅局限于绘画、雕塑等传统媒介，而是拓展到了摄影、电影、行为艺术、装置艺术等更广泛的领域。这让我意识到，艺术的表现形式是如此丰富，它可以存在于我们生活的方方面面。1940年至今，艺术的边界不断被拓宽，它与科技、与社会、与人本身的关系也变得越来越紧密。 这本书就像一本厚重的日记，记录着过去几十年来人类在艺术领域留下的足迹。每一个流派，每一个艺术家，甚至每一件作品，都是那个时代最真实的写照。通过阅读这本书，我仿佛亲身经历了那个时代的艺术变革，感受到了艺术家们勇于探索、敢于创新的精神。 总而言之，《艺术史-1940年至今天》这本书，不仅仅是一本关于艺术史的教科书，更是一扇让我重新认识世界、认识人类创造力的窗口。它激发了我对艺术更深层次的思考，也让我对未来的艺术发展充满了期待。这本书的内容之丰富，论述之深刻，阅读体验之愉悦，让我觉得这是一次物超所值的艺术探索之旅。
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