音乐欣赏讲话下钱仁康上海音乐出版社考研大书教材9787805530871 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

钱仁康 著

图书标签:

• 音乐欣赏
• 音乐理论
• 考研教材
• 上海音乐出版社
• 下钱仁康
• 高等教育
• 艺术类
• 教材
• 音乐史
• 音乐美学

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805530871

商品编码：29859848688

页数：368

图书基本信息
书名：	音乐欣赏讲话（下）
作者/主编：	钱仁康
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805530871
出版年份：	1984年

版次：	第1版
总页数：	368页
开本：	1/32
图书定价：	28.00元
实际重量：	281 g
新旧程度：	正版全新

《音乐欣赏讲话(下)》由上海音乐出版社出版。

 第二十二讲 弦乐器 第二十三讲 木管乐器 第二十四讲 钢管乐器和打击乐器 第二十五讲 乐队的乐队曲 第二十六讲 奏鸣曲（上） 第二十七讲 奏鸣曲（下） 第二十八讲 室内乐 第二十九讲 序曲 第三十讲 交响曲（上） 第三十一讲 交响曲（中） 第三十二讲 交响曲（下） 第三十三讲 协奏曲（上） 第三十四讲 协奏曲（下） 第三十五讲 组曲 第三十六讲 标题音乐 第三十七讲 交响诗（上） 第三十八讲 交响诗（下） 第三十九讲 清唱剧 第四十讲 康塔塔 第四十一讲 歌剧（上） 第四十二讲 歌剧（中） 第四十三讲 歌剧（下） 第四十四讲 芭蕾音乐（上） 第四十五讲 芭蕾音乐（下） 第四十六讲 现代音乐 第四十七讲 轻音乐 后记 音乐作品索引

 《音乐欣赏讲话(下)》以体裁为纲，介绍了弦乐器、木管乐器、钢管乐器和打击乐器、乐队的乐队曲、奏鸣曲（上）、奏鸣曲（下）、室内乐、序曲、交响曲（上）、交响曲（中）等，各种题材、各种风格和各种形式的音乐作品。阅读此书，可扩大艺术视野，提高自己的音乐欣赏水平。

好的，这是一份关于其他音乐欣赏类书籍的详细介绍，内容涵盖了不同侧重点和深度的音乐学习资源，旨在为音乐爱好者和专业学习者提供多元化的选择，完全不涉及您提到的具体书籍。 --- 音乐鉴赏与理论基础：多维度学习指南 在浩瀚的音乐世界中，每一部优秀的音乐鉴赏著作都如同指引迷航的灯塔，帮助学习者构建起理解、分析和享受音乐的桥梁。本精选书目汇集了从基础乐理入门到深入探究不同音乐体裁与历史脉络的经典与新锐作品，旨在满足不同层次学习者的需求。 一、 西方古典音乐的深度巡礼 对于致力于深入理解西方音乐传统的人士而言，清晰的脉络梳理和严谨的分析是不可或缺的。 1. 宏大叙事：西方音乐史纲要 这类书籍通常以时间为轴，系统梳理了从古希腊、中世纪的圣咏，到文艺复兴的复调发展，再到巴洛克时期巴赫与亨德尔的集大成，古典主义时期海顿、莫扎特、贝多芬的结构革命，浪漫主义的个性解放，直至20世纪的多元探索（如印象主义、序列主义、极简主义）。 内容侧重： 强调音乐风格的演变与时代背景的关联。例如，会详细阐述“奏鸣曲式”在不同历史阶段的适应与变异，分析复调音乐（如赋格）的逻辑结构。 分析工具： 通常会配备大量的乐谱示例片段，并配以详尽的“听力导览”，指导听众如何捕捉如主题呈示、发展、再现等关键环节，以及和声进行、配器色彩的变化。 特色呈现： 优秀的作品会突破单纯的年代罗列，深入探讨如“歌剧”这一综合艺术形式如何在威尔第、瓦格纳手中达到高峰，或探讨勋伯格十二音体系产生的必然性。 2. 聚焦体裁：管弦乐与奏鸣曲的解析 专门针对某一特定体裁的书籍，其分析的精细度远超通史类著作。 管弦乐曲目指南： 专注于交响曲、协奏曲、交响诗等大型器乐作品。这类书籍会逐一解析重量级曲目，例如，分析马勒交响曲中对民间音乐的引用，或德彪西在配器上如何营造“音色绘画”。听众可以通过这些指南，理解指挥家在诠释同一部作品时，如何在速度、力度和乐句处理上体现个人理解。 键盘音乐的结构美学： 针对钢琴、管风琴等独奏或室内乐作品，这类书籍会深入探讨赋格、变奏曲、回旋曲等固定结构。例如，讲解巴赫《平均律钢琴曲集》的结构逻辑，或肖邦练习曲中对特定演奏技巧的集中训练与情感表达的统一。 二、 民族与民间音乐的广阔天地 音乐的魅力不仅在于学院派的精雕细琢，更在于其根植于不同文化土壤的生命力。 1. 世界音乐学（Ethnomusicology）导论 这类读物将视角从欧洲扩展至全球，旨在用人类学和社会学的视角来理解音乐。 跨文化比较： 不仅介绍非洲鼓点的复杂节奏模式、印度拉格（Raga）系统的即兴规则，还会对比不同文化中“音乐家”的角色定位——是社会精英、宗教仪式参与者还是民间说书人。 田野调查方法： 优秀的民族音乐学入门书籍还会介绍如何进行音乐田野调查，如何记录和分析口头传统中的音乐，以及当代全球化对本土音乐生态带来的冲击与融合。 具体实例： 深入剖析如中东地区的“毛瓦尔”（Mawwal）演唱技巧，或巴厘岛甘美兰乐队的“互应”（Kotekan）技法，揭示这些音乐体系背后的哲学思想。 2. 中国传统音乐精要 针对中国音乐的学习，这类教材注重体系的构建和传统审美范式的解读。 乐器学与声学基础： 会介绍中国传统乐器的分类（如八音），并解析如古琴的“徽位”系统、二胡的“揉弦”技巧等，这些技巧往往与中国传统的哲学思想紧密相关。 戏曲与说唱艺术： 探讨京剧、昆曲等舞台艺术中“板式”的组织规律、唱腔的韵味（如“腔”与“韵”的分别），以及不同声腔（如老生、青衣）的审美特征。 民间音乐的活力： 分析如陕北民歌的五声音阶运用、江南丝竹的细腻处理，探讨其在社会生活中的功能性（如劳动歌、婚丧嫁娶歌）。 三、 音乐分析与听赏技能的实用手册 对于希望提升主动聆听能力，并掌握基本音乐分析方法的学习者，实用技能手册至关重要。 1. 基础和声与曲式分析入门 此类书籍是所有音乐理论学习的基石，侧重于技术层面的理解。 和声进行： 系统讲解三和弦、七和弦的构成，大小调的转调规律，以及功能和声（主、属、下属）的基本运用。重点在于识别和声连接的逻辑，而非仅仅是死记硬背规则。 曲式结构： 细致拆解简单的二部曲式、三部曲式、主奏曲式、回旋曲式、复三部曲式等，帮助学习者在聆听过程中快速定位乐段的起止和功能转换。 听辨训练： 通常会配套听力练习材料，训练辨别音程、和弦性质、节奏型以及简单旋律的耳力。 2. 音乐鉴赏的“心法”与“技法” 这类书籍的目标是打破听众对“高深莫测”音乐的畏惧感，强调体验优先。 情感的解码： 探讨作曲家如何利用特定的音乐元素（如小调、不协和音程、慢速节奏）来传达如忧郁、紧张、狂喜等特定情感。 时间与空间感： 引导听众感受音乐在时间维度上的流动性（如渐强、减慢），以及在空间维度上的层次感（如对位、混响效果）。 聆听路径的构建： 教导听众如何在没有乐谱辅助的情况下，通过“旋律线索”、“节奏驱动”或“织体变化”这三条主要路径来跟进一首复杂的器乐作品。 通过上述不同维度的学习资源，学习者可以构建起一个多层次的音乐认知体系，无论侧重于学术研究、专业演奏，还是单纯提高生活中的音乐品味，都能找到契合自身需求的有效途径。

评分☆☆☆☆☆

我印象非常深刻的是，这本书在处理一些相对晦涩的理论概念时，采用了非常具象化的比喻，这一点对于自学的人来说简直是救星。我记得有一章讲到奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部，我之前在其他资料上看到这些名词就头疼，觉得太死板了。但这本书里，作者用生活中的情景来类比，把“呈示部”比作“相遇与主题的介绍”，“发展部”则是“冲突、争论与探索”，而“再现部”则是“回归与最终的解决”。这种解读方式，瞬间就把抽象的音乐结构拉到了日常经验的层面，理解起来就顺畅多了。而且，它对不同乐器的音色特点也有独到的描述，比如管弦乐队里木管乐器如何像“色彩画家”一样为画面增添层次感，或者铜管乐器如何担当起“庄严的宣告者”。这些细致入微的描述，让我在听交响乐的时候，不再是听到一团模糊的声响，而是能清晰地分辨出不同声部的对话和互动。可以说，它极大地提升了我对音乐细节的敏感度，让我从一个被动的听众，慢慢转变成一个主动的聆听者，这种体验的升级，是任何快速入门指南都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种对音乐史脉络不太熟悉的学习者来说，这本书的编排逻辑真的体现了出版方和作者的用心。它没有采取简单的年代罗列，而是将音乐风格的演变与当时的社会思潮、哲学思想紧密结合起来。比如，谈到古典主义时期的清晰与平衡，作者会联系到启蒙运动对理性与秩序的推崇；讲到后期浪漫主义的个人英雄主义和宏大叙事，又能和工业革命后的社会变动联系起来。这种跨学科的视角，让音乐不再是孤立存在的艺术形式，而是特定历史文化环境下的产物。每一次读完一个章节，我都感觉自己不仅是在学习音乐知识，更是在进行一次跨越时空的文化考察。我尤其欣赏它对“风格”的界定，不是用生硬的年代划分，而是通过分析音乐的核心特征——比如对位技术的运用频率、和声语言的复杂程度、旋律线条的走向等——来帮助读者形成自己的判断标准。这套教材的深度，使得它完全可以作为后续专业学习的基石，而不是仅仅满足于考前突击的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和细节处理也值得一提，这可能听起来有点吹毛求疵，但对于需要长时间阅读和反复翻阅的教材来说，这一点非常重要。纸张的质量很好，即便是长时间在灯下阅读，也不会觉得刺眼，这对保护视力太关键了。更重要的是，书中的乐谱示例和图表排版做得非常清晰，这在分析复杂的曲式结构或和声进行时起到了决定性作用。很多教材为了节省篇幅，会把乐谱缩得很小或者印刷模糊，但这部教材显然在这方面投入了成本，每一个音符、每一个标记都清晰可见，确保了我们在学习过程中不会因为看不清图例而产生误解。这种对细节的尊重，体现了出版社对专业学术书籍出版质量的坚持。总而言之，这是一本厚重、严谨、且极具指导性的音乐欣赏入门到精通的桥梁书籍，对于任何想严肃对待音乐学习的人来说，都是一本值得反复研读的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，作为一本面向考研的教材，它的深度是毋庸置疑的，但真正让我感到惊喜的是，它在保持学术严谨性的同时，也兼顾了实际应用——也就是“如何答题”的技巧。书中不仅有知识点的梳理，还穿插了一些“答题要点提示”和“易混淆概念辨析”的版块。这些地方，无疑是为我们这些备考者量身定制的“导航仪”。比如，在解释“复调”与“主调”的差异时，它会清晰地列出考试中可能出现的设问角度，并给出结构化的答题框架，让你知道在描述复杂的音乐现象时，应该从哪些关键点切入才能得分。这不仅仅是知识的传递，更是一种应试策略的传授。我感觉自己面对考试时，信心大增，因为我不仅“知道”了答案的内容，还知道“如何高效地表达”这个答案。这种双重价值的体现，让这本书的投资回报率变得非常高，它不仅是知识的积累，更是应试技能的训练。

评分☆☆☆☆☆

这部音乐欣赏的教材，说实话，拿到手的时候我就被它厚重的质感给震住了，那感觉就像是捧着一本沉甸甸的知识宝库。我之前对古典音乐的了解，基本停留在“听起来很美”的层面，对于那些复杂的结构、不同的流派、以及不同时代背景下的音乐是如何演变的，可以说是两眼一抹黑。翻开这本书，最直观的感受就是内容极其扎实，它不是那种轻飘飘的导览，而是那种真正想把“音乐的语言”教给你的教材。我特别喜欢它对西方音乐史脉络的梳理，从巴洛克时期的严谨对位，到浪漫主义时期的情感喷薄，再到近现代音乐的各种探索与突破，作者似乎总能找到一个恰到好处的切入点，让你这个门外汉也能大致勾勒出那个时代的音乐风貌。阅读过程中，我经常需要对照着书本推荐的曲目去反复聆听，那种豁然开朗的感觉，真的非常美妙。它不只是在描述音乐，更是在教你如何“听”音乐，如何去分辨旋律、和声、织体这些元素在共同构建情感表达时的作用。这本书的价值，在于它提供了一个系统的框架，让原本零散的听觉体验，有了一个可以安放和理解的坐标系。