你不可不知道的音乐大师及其名作徐丽雯南海艺术考研出版社9787544229654 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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许丽雯 著

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• 徐丽雯
• 南海艺术考研出版社
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出版社： 南海出版公司

ISBN：9787544229654

商品编码：29859851998

页数：392

图书基本信息
书名：	你不可不知道的音乐名师及其名作
作者/主编：	徐丽雯
出版社：	南海出版社
ISBN号：	9787544229654
出版年份：	2010年

版次：	第2版
总页数：	392页
开本：	1/16
图书定价：	39.80
实际重量：	839g
新旧程度：	正版全新

 

编辑你知道吗？巴赫和亨德尔都曾经因为怠工，被老板炒鱿鱼呢！好好一个烟火大会配上亨德尔的《烟火》组曲，为什么搞得听众鸡飞狗跳？“交响乐之父”海顿爸爸到底有什么魅力，让疯狂乐迷潜进墓园偷走他的头？不可思议的音乐神童莫扎特，5岁会作曲，6岁就大胆向维也纳公主求婚，乐式繁复的弥撒曲听过两遍，就能一个音符也不漏地弹出来。到底是什么样的折磨，让贝多芬搔着凌乱卷曲的红发，沉痛地呼喊出“哦！命运！” 呢？外形和曲子一样梦幻优雅的钢琴家肖邦，生来就是个万人迷，却曾一度因肺病遭人排挤。“歌曲”舒怕特，其实还有一个呢称叫“小蘑菇”，他的生命正如一株昂然绽放的野玫瑰，为了音乐，曾经不顾当一个逃家少年。那位谱出在后世千千万万个婚礼中为人祝福的《婚礼进行曲》、功德无量的音乐家就是门德尔松，他拥有着和曲中情境一样幸福洋溢的人生。本书从大师们成长的点点滴滴开始讲起，让我们在阅读中贴近他们的心灵，随之踏上音乐之路，和他们一起体会刻骨铭心的爱情，感受不朽的音乐，经历悲欢交织的丰富人生。 《你不可不知道的音乐大师及其名作》告诉你这些大师们的故事…… 

巴赫1685-1750亨德尔1685-1759海顿1732-1809莫扎特1756-1791贝多芬1770-1827韦伯1786-1826罗西尼1792-1868舒伯特1797-1869门德尔松1809-1847肖邦1710-1849舒曼1810-1856李斯特1811-1886 

《你不可不知道的音乐大师及其名作》轻松、易读、不可不知，是您接近古典音乐大师心灵及作品的入门捷径巴赫、亨德尔、海顿、莫扎特、贝多芬、韦伯、罗西尼、舒伯特、柏辽兹、门德尔松、肖邦、舒曼、李斯特、瓦格纳、威尔第、约翰·施特劳斯等等，几百年来，这些音乐大师不时和我们交会、擦肩，他们的名字被记载在历史里，肖像高高挂在墙上，音乐处处在我们的生活中流动。你知道吗？这些熟悉的陌生人究竟是天才还是疯子？

探索人类文明的瑰宝：一部跨越时空的艺术通史 本书聚焦于人类历史上那些塑造了我们审美、情感和文化图景的艺术巨匠及其不朽杰作。它不仅是一部艺术家和作品的编年史，更是一次深刻的哲学思辨之旅，旨在揭示艺术创作背后的精神动力、时代背景及其对后世产生的深远影响。 本书以宏大的叙事结构，将艺术史的脉络清晰地梳理出来，从史前洞穴壁画的神秘符号，到古希腊雕塑的完美比例；从中世纪教堂的辉煌彩绘，到文艺复兴的理性光辉；再到巴洛克时期的戏剧张力、浪漫主义的激情澎湃，直至20世纪直至当代的多元探索与观念革命。 第一部分：神性与秩序的构建——古代文明的艺术语汇（约300字） 本部分将引读者进入艺术的童年时期，探索古代文明如何通过艺术来确立其宇宙观、社会结构和对神祇的敬畏。 埃及的永恒与尺度： 重点剖析古埃及艺术中严格遵循的“正面律”和对来世的执着追求。我们不仅会解读金字塔的几何学意义，还将深入研究法老雕像的程式化语言，探讨这种看似僵硬的形式如何承载了国家永恒不灭的信仰和权力象征。 两河流域的权杖与记录： 考察美索不达米亚泥板上的楔形文字如何与苏美尔、巴比伦的城邦纪念碑共同构建了最早的法律、神话与权力叙事。乌尔的军旗等文物将成为解读早期叙事艺术的钥匙。 希腊的理想与人体赞歌： 深入分析古希腊雕塑从早期的“库洛斯”到古典时期“黄金比例”的演变。菲狄亚斯、波留克列特斯等大师如何通过对人体结构的精确解剖和理想化的提炼，确立了西方美学中对“和谐、比例与理性”的永恒追求。雅典卫城的建筑奇迹，尤其是帕特农神庙，将作为古典精神的物质载体被详尽阐释。 罗马的实用与帝国气象： 探讨罗马艺术如何继承并发展了希腊的技巧，但更注重实用性、写实性和政治宣传。从卡拉卡拉浴场的宏大遗存到图拉真纪功柱上层层推进的史诗叙事，罗马如何将艺术融于帝国工程之中，创造出一种服务于国家机器的强大视觉语言。 第二部分：信仰与情感的交织——中世纪与文艺复兴的转向（约450字） 随着古典世界的衰落，艺术的重心转向了精神世界和对人性的重新发现。本部分将描绘这一深刻的文化转型。 拜占庭的圣像与光芒： 考察东罗马帝国艺术的独特美学——对平面化、象征性色彩和马赛克镶嵌技术的偏爱。圣索菲亚大教堂的穹顶，以及那些闪耀着神圣光芒的圣像（Icons），如何通过非写实的手法引导信徒进入超越尘世的精神境界。 哥特式建筑的向上升腾： 细致分析中世纪晚期哥特式大教堂的技术革命。飞扶壁、肋拱和尖拱的组合如何使墙体得以解放，让光线以前所未有的方式充满内部空间。沙特尔和兰斯大教堂的玫瑰窗，不仅是建筑艺术的巅峰，更是光线神学的绝佳注脚，象征着人类对天堂的无限渴望。 文艺复兴的觉醒与人文主义的回归： 这是艺术史上最具决定性的转折点。佛罗伦萨的工匠们如何重新发掘了古典的知识，并结合新的数学工具（如透视法），将人置于世界的中心。 早期巨匠（乔托、马萨乔）： 如何将体积感和空间感带回绘画。 盛期三杰（达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔）： 深度分析《蒙娜丽莎》中模糊的晕染技法（Sfumato）所蕴含的心理深度；米开朗基罗在西斯廷天顶壁画中对人体的史诗性、近乎雕塑般的处理；以及拉斐尔作品中完美的构图与宁静的理想化人物群像。 北方文艺复兴的细腻与内省： 与意大利的宏大叙事并行，荷兰和佛兰德斯的艺术家（如凡·艾克）如何以油画的丰富层次和对光线的精妙捕捉，创造出一种对日常物质世界和个体内心世界的细致入微的描绘。 第三部分：戏剧、激情与理性的碰撞（约450字） 从17世纪到19世纪，欧洲艺术在绝对君主制、宗教冲突、科学革命和启蒙运动的驱动下，展现出前所未有的多样性和冲突性。 巴洛克的张力与感官冲击： 研究巴洛克风格如何成为反宗教改革的艺术工具。卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对比法”（Tenebrism）如何将戏剧性的光束投射到凡人身上，赋予宗教主题以强烈的现实感和情感冲击。贝尼尼（Bernini）雕塑中捕捉到的瞬间动态，例如《圣特蕾莎的狂喜》，将物质与精神的体验推向了极致。 古典主义的回响与启蒙的秩序： 简要回顾新古典主义对罗马共和理想和启蒙时代理性的回归。大卫（David）的作品如何成为法国大革命的视觉宣言，强调公民美德、清晰的轮廓和冷静的叙事。 浪漫主义的爆发与个体情感的解放： 面对启蒙运动的过度理性化，浪漫主义艺术家转向了自然、想象力和无法言喻的崇高（Sublime）。从戈雅对战争恐怖的直面，到德拉克洛瓦对异域风情和色彩的狂热运用，再到透纳对风暴和光影的捕捉，艺术开始歌颂人类最原始、最强烈的情感。 现实主义的审视与中产阶级的崛起： 工业革命带来的社会巨变催生了现实主义。库尔贝（Courbet）拒绝美化主题，坚持描绘劳动阶层和被忽视的现实，标志着艺术开始关注“此时此刻”的社会问题，为现代艺术的到来铺平了道路。 第四部分：现代性的碎片与重构——20世纪的革命（约300字） 20世纪是艺术史上最为动荡、创新最为频繁的时期。技术、心理学和全球化对艺术的定义发起了根本性的挑战。 印象派的光影革命： 探讨莫奈、德加等人如何走出画室，关注光线和色彩在瞬间的消逝与变化，彻底解放了笔触，将主观的“感知”置于客观的“再现”之上。 后印象派的深度挖掘： 分析塞尚对形式结构的几何化重构，梵高对色彩表现力的极致运用，以及高更对原始和象征的探索，这些为立体主义和野兽派奠定了基础。 现代艺术的爆发期（1900-1945）： 详细介绍立体主义（毕加索、布拉克）如何通过多视点透视彻底瓦解了文艺复兴以来的空间法则；表现主义如何以外化扭曲的形式表达内在焦虑；而抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）的出现，则标志着艺术最终脱离了对外部世界的指涉，成为自身线条、色彩和形式的独立宣言。 战后艺术的扩散与观念的胜利： 考察抽象表现主义（如波洛克）对创作过程本身的强调，以及波普艺术（安迪·沃霍尔）对大众文化和消费主义的挪用与批判。艺术的焦点从“如何画”转向了“什么是艺术”，观念艺术的兴起挑战了传统艺术品的物质性。 本书最终将引导读者认识到，艺术史并非是一条平滑的直线，而是无数次反叛、借鉴、重塑与对话的复杂过程。每一位大师的作品，都是一个时代的思想结晶，是人类精神永不枯竭的生命力的最有力证明。通过对这些杰作的深入剖析，读者将能更好地理解我们自身的文化基因与审美传统。

评分☆☆☆☆☆

我非常看重一本书在“系统性”和“趣味性”之间的平衡，而这本著作在这两者之间找到了一个近乎完美的契合点。它并没有像百科全书那样试图面面俱到，而是精准地挑选了那些对整个音乐体系产生决定性影响的人物进行深入挖掘，这保证了知识的密度和有效性。对于一个初学者来说，最怕的就是信息过载导致抓不住重点，这本书的结构设计有效地避免了这一点。它像是为初学者规划好了一条清晰的进阶路线图，每读完一个阶段，都会有一种“我终于理清了”的成就感。更难得的是，作者在用词上展现出极高的文学素养，使得即便是描述复杂的创作技法，也显得流畅而富有画面感，完全没有学术书籍的僵硬感。这使得它成为了一本可以随时拿起、随时放下，但每次都能获得新领悟的优秀读物。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐史的入门读物简直是为我这种半路出家、想对古典音乐世界有个大致了解的“门外汉”量身定做的。我一直对那些耳熟能详的古典乐章充满好奇，但面对厚重的专业书籍总是望而却步。这本书的叙事方式非常平易近人，它没有一股脑地将枯燥的年代和复杂的乐理砸过来，而是像一位耐心又博学的导游，带着你一步步走近那些站在音乐史高处的巨匠们。作者似乎深谙非专业人士的阅读习惯，总能抓住最核心、最能引起共鸣的那部分——比如某位作曲家一生的情感起伏、他创作某部伟大作品时的心境，甚至是那些充满戏剧性的轶事。我特别欣赏它在介绍作品时，侧重于引导听众“如何去听”，而不是单纯地罗列“是什么”。读完一章，我立刻就能带着新的视角去重温那些作品，发现以往忽略的细节和情感层次，这种“即学即用”的体验感极佳。它成功地搭起了一座从懵懂到欣赏的桥梁，让我开始真正享受古典音乐的魅力，而不是仅仅把它当作背景音。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是在一次长途旅行中开始接触这本书的，那段需要高度专注却又不能太烧脑的阅读时间，让我体会到了它叙事节奏的绝妙。作者在处理那些跨越数十年的宏大篇章时，懂得如何巧妙地设置“小高潮”，比如用一个标志性的音乐事件来串联起不同大师之间的影响与传承。叙述的语调非常自信，带着一种深厚的敬意，但又避免了过分的煽情或神化。它最成功的地方在于，让你在阅读时，脑海中自然而然地会浮现出那些音乐的旋律片段，仿佛作者的文字本身就带有音符的魔力。我发现自己不再是简单地“阅读”关于音乐家的信息，而是仿佛置身于他们创作的时代背景中，感受着空气中弥漫的艺术张力。这种沉浸式的体验，是很多其他同类书籍难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现给我留下了极其深刻的印象。在如此多的理论和人物介绍中，能够保持整体视觉的清晰和舒适度，实属不易。很多音乐普及读物为了塞进更多的内容，往往会牺牲阅读的愉悦感，但这本书的留白和字体选择恰到K好处，长时间阅读也不会感到视觉疲劳。虽然我无法具体评价书中是否包含乐谱的详细分析（因为我主要关注的是历史和美学层面），但我观察到插图和图表的运用非常精妙。它们不是为了装饰而存在，而是作为辅助理解的工具，例如某个时期音乐人口的迁徙图，或者某种乐器演变的示意图，都极大地帮助了抽象概念的具体化。可以说，它在内容深度之外，做到了极高的“可读性”，这一点对于任何想要长期保有并反复翻阅的工具书来说，都是至关重要的加分项。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经略有涉猎的乐迷，我原本以为这类面向大众的书籍深度有限，但这本书在基础框架之上，展现出了令人惊喜的学术功底和独到的见解。它绝非简单的“名人传记+作品列表”的拼凑，而是巧妙地将音乐的发展脉络与当时的社会、文化背景紧密结合。比如，它对某个特定时期风格转变的阐述，绝不是孤立的乐理分析，而是深入剖析了时代思潮如何催生了新的和声语言和曲式结构。我尤其欣赏作者在处理那些“争议性”的音乐史节点时所展现出的审慎态度，引用了多方观点，不搞一言堂。在阅读过程中，我频繁地停下来查阅原始资料或试听书中提到的那些相对冷门但极具代表性的录音版本，每一次探索都印证了作者的判断力。这本书的价值不仅在于普及知识，更在于它激发了读者进一步钻研的渴望，它提供了一个坚实而广阔的立足点，让人明白“知道”和“理解”之间的巨大鸿沟。