爵士钢琴曲精选练梦露编著安徽文艺出版社正版全新课本教材9787539642611 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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练梦露，陈干 著

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• 爵士钢琴
• 钢琴教材
• 练梦露
• 安徽文艺出版社
• 9787539642611
• 音乐教材
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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539642611

商品编码：29859852150

页数：85

图书基本信息
书名：	爵士钢琴曲精选（附mp3光盘）
丛书名：	咖啡厅钢琴演奏系列
出版社：	安徽文艺出版社
ISBN号：	9787539642611
出版年份：	2013年3月

版次：	第1版
总页数：	85页
开本：	1/16
图书定价：	30.00元
实际重量：	540 g
新旧程度：	正版全新

练梦露，自幼学习钢琴，初中已取得上海音乐家协会十级资格。大学时开始沉迷爵士并不断深造，之后多次参与电视节目的音乐录制和大型现场音乐会的配乐工作。现组建了名为“Gloria四重奏”爵士乐队，任乐队队长兼键盘手，并应邀在上海金茂演奏厅等地进行演出。  练梦露编著的《咖啡厅钢琴演奏系列：爵士钢琴曲精选》改编的18首爵士钢琴曲全是外国经典名曲，如：时光流逝As Time Goes By，靠近你Close to You，秋叶Autumn Leaves，带我飞向月球Fly Me to the Moon，飞越彩虹Over the Rainbow等，这些歌曲曾被无数歌手翻唱过。《咖啡厅钢琴演奏系列：爵士钢琴曲精选》涉及到的演奏风格有：Bossa nova（巴萨诺瓦）、Swing（摇摆）、Ballad（民谣）、Latin（拉丁）。《咖啡厅钢琴演奏系列：爵士钢琴曲精选》配有一张作者的演奏示范光盘。读者也可登陆土豆网进行试听，搜索“爵士钢琴曲精选”即可。 

1.寂静的星夜 2.美丽的爱情 3.我的 4.来自依帕内玛的姑娘 5.渴望你的爱 6.梦中有我 7.迷雾 8.应该，应该，应该 9.飞越彩虹 10.当我坠入爱珂 11.靠近你 12.天使的限睛 13.时光流逝 14.带我尽向月球 15.美丽日匀世界 16.你是我生命里的阳光 17.秋叶 18.L—O—V—E 

《咖啡厅钢琴演奏系列：爵士钢琴曲精选》改编的18首爵士钢琴曲全是外国经典名曲，如：时光流逝As Time Goes By，靠近你Close to You，秋叶Autumn Leaves，带我飞向月球Fly Me to the Moon，飞越彩虹Over the Rainbow等，这些歌曲曾被无数歌手翻唱过。《咖啡厅钢琴演奏系列：爵士钢琴曲精选》涉及到的演奏风格有：Bossa nova（巴萨诺瓦）、Swing（摇摆）、Ballad（民谣）、Latin（拉丁）。《咖啡厅钢琴演奏系列：爵士钢琴曲精选》配有一张作者的演奏示范光盘。读者也可登陆土豆网进行试听，搜索“爵士钢琴曲精选”即可。  

20世纪西方音乐史：从印象主义到后现代主义的流变 本书是一部全面而深入探讨20世纪西方音乐发展脉络的学术专著。它旨在为音乐学院学生、专业音乐家以及对现代音乐思潮感兴趣的广大读者，提供一个清晰、系统的历史框架，解析这一时期音乐风格的剧烈变革、核心作曲家的思想探索与技术创新，以及音乐与社会、哲学思潮之间的复杂互动。 第一部分：世纪的开端与传统的瓦解（1900-1920） 本部分聚焦于20世纪初欧洲音乐界所经历的巨大震荡。印象主义的色彩与氛围被推向极致，而其内在的和声结构限制也催生了向更极端表达的渴望。 1. 印象主义的余晖与后浪漫主义的终结： 德彪西（Claude Debussy）对音色和模糊和声的极致运用，为音乐带来了新的感官体验。拉威尔（Maurice Ravel）则在继承法国传统精湛工艺的同时，注入了鲜明的异域风情与节奏活力。我们详细剖析了马勒（Gustav Mahler）晚期作品中对人类生存困境的深刻哲学反思，以及理查·施特劳斯（Richard Strauss）在交响诗领域对古典宏大叙事的最后一次辉煌尝试。 2. 原始主义的爆发与新古典主义的萌芽： 斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》如何以其粗犷的节奏、多调性（Polytonality）和对原始本能的直接展现，彻底颠覆了听众的审美预期，标志着音乐现代性真正意义上的“断裂”。这一时期的技术创新，特别是对不协和音的系统性运用，成为后世发展的基石。同时，对巴赫和莫扎特清晰结构的反思，促成了早期新古典主义倾向的浮现，旨在恢复音乐的客观性和清晰性。 3. 第二维也纳乐派的十二音体系革命： 勋伯格（Arnold Schoenberg）面对传统调性的“瓦解”，提出了十二音技法（Dodecaphony）这一全新的组织原则。本书详尽阐述了从自由无调性到严格序列化的理论基础、操作方法以及其内在的逻辑必然性。我们深入分析了贝尔格（Alban Berg）作品中对十二音体系与晚期浪漫主义情感表达的巧妙融合，以及韦贝尔恩（Anton Webern）对音高、时值、力度等所有音乐要素进行序列化处理的极致抽象尝试，为后来的整体序列主义埋下了伏笔。 第二部分：两次世界大战间的探索与社会责任（1920-1945） 在两次世界大战的阴影下，作曲家们面对着意识形态的压力、政治的动荡以及技术进步带来的无限可能，音乐探索呈现出多元化和矛盾性的特征。 1. 新古典主义的成熟与泛欧化： 新古典主义在战间期成为欧洲主流，它并非简单的复古，而是用现代和声语言重构古典形式的严肃态度。普罗科菲耶夫（Sergei Prokofiev）的诙谐与对叙事性的坚持，以及欣德米特（Paul Hindemith）在“工人音乐”（Gebrauchsmusik）中强调音乐的实用性和社会功能，构成了这一流派的两极。 2. 极端的民族主义与政治干预： 苏联体制下，肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）如何在个人良知与国家意识形态的巨大张力下，创作出充满隐喻、讽刺和悲剧力量的交响乐作品，是本部分探讨的核心。同时，法西斯政权对“堕落音乐”的定义，迫使许多作曲家转向更为内敛或隐晦的表达方式。 3. 美国音乐的觉醒与本土化： 欧洲移民与本土创新力量的结合，促使美国音乐在爵士乐、布鲁斯等本土元素的影响下，开始建立自己的声音体系。格什温（George Gershwin）将古典结构与美国黑人音乐完美结合的尝试，以及科普兰（Aaron Copland）对美国西部精神的赞颂，标志着美国音乐进入了成熟期。 第三部分：战后：技术的飞跃与观念的颠覆（1945-1970） 二战结束后，欧洲音乐中心部分转移，新的技术工具（如电子合成器、磁带录音机）的出现，以及对前卫思想的狂热追逐，彻底打破了音乐创作的传统边界。 1. 整体序列主义的逻辑延伸： 继承韦贝尔恩的衣钵，布列兹（Pierre Boulez）等人将序列化的概念推广到力度、音色甚至演奏时值的每一个细节，试图实现对音乐材料的绝对控制。我们分析了这种极端理性主义的内在美学，以及其对听觉体验产生的冲击。 2. 机遇音乐与不确定性美学： 约翰·凯奇（John Cage）以禅宗思想为指导，通过引入“偶然性”（Chance Operations）彻底解放了作曲家和听众对“作品”的既有观念。他对“寂静”和“噪音”的重新定义，以及《4分33秒》所引发的哲学讨论，被视为音乐史上最激进的观念转变之一。 3. 电子音乐的崛起与声音的无限可能： 德国科隆和法国巴黎的电子音乐工作室，分别发展出基于纯粹电子振荡的“电子音乐”（Elektronische Musik）和基于录音与声音剪辑的“具体音乐”（Musique Concrète）。这些实践拓展了音乐的听觉材料库，使非传统音色进入了严肃音乐领域。 第四部分：多元化时代的交融与反思（1970至今） 随着激进主义的退潮，音乐创作进入了一个更加包容和反思的阶段。作曲家们开始重新审视历史，并在技术与情感之间寻求平衡。 1. 极简主义的回归与“过程音乐”： 以赖利（Terry Riley）、赖希（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）为代表的美国极简主义者，通过对简单动机的重复、叠加与缓慢的相位移动，创造出一种冥想式的、时间感被拉伸的听觉体验。这成为对前一阶段复杂性的一种强力反拨。 2. 新浪漫主义与新表现主义的复苏： 对20世纪中叶理性主义的厌倦，促使一些作曲家重新拥抱调性、旋律和强烈的情感表达。这并非简单的复古，而是融合了现代和声技巧的、更具个人色彩的抒情回归。 3. 后现代主义的融合与媒介的跨界： 这一时期的音乐特征是风格的并置与对过去所有流派的挪用与戏仿。同时，数字采样技术和计算机辅助创作的普及，使得音乐的创作、传播和消费模式发生了根本性的变化，音乐的界限被进一步模糊。 结论： 本书总结了20世纪音乐从对统一、宏大叙事的追求，到分裂、多元、高度个性化表达的演变历程，强调了技术、哲学和社会背景对音乐美学选择的决定性影响。阅读本书，将使读者全面掌握这一世纪艺术革命的脉络与精髓。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些业余爱好者来说，找到一本既专业又不会让人望而生畏的教材是件奢侈的事。很多专业教材动辄就是德文或复杂的记号，让人一看就想打退堂鼓。但这本书的排版设计和注释方式简直是教科书级别的典范。首先，所有的标注都清晰易懂，即便是对某些复杂的和弦转位，作者也用非常直观的方式进行了视觉化处理。其次，它的练习曲并非那种为了练习而练习的僵硬片段，它们本身就是一首首迷你小品，旋律优美，听起来悦耳动听，这极大地激发了我坚持下去的动力。我发现自己不再是机械地“攻克”教材上的难题，而是真心地“享受”每一次的弹奏。特别是其中关于“和弦替换”（Chord Substitution）的几个示范段落，那种灵动和不确定性，正是爵士乐的魅力所在。我甚至会把这些小段落拿出来，试着用不同的节奏型去演奏，每一次都有新的发现。这套教材真正让我体会到了创作的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我是一个对教材的“手感”和“实用性”有极高要求的人。这本教材的装帧和用纸质量也让我感到满意，它足够结实，可以承受我每天长时间的翻阅和在琴边放置。更重要的是，它的难度曲线设置得非常合理，几乎没有“断崖式”的难度跃升，让你在稳步前进的过程中，时刻保持自信。我特别留意了书中对“节奏律动感”的强调，它通过不同的八分音符组合和休止符的精准放置，细腻地勾勒出了摇摆乐特有的那种“后退感”，这对于习惯了古典乐严谨节拍的演奏者来说，是一个非常重要的突破口。我用它来练习了几周后，感觉自己在与鼓手和贝斯手的合奏中，终于能更自然地找到“Groove”了，不再是生硬地跟在后面，而是真正融入到整体的律动之中。这本书不仅是一本钢琴教材，更像是一位循循善诱的老师，带领我深入爵士乐的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

长期以来，我一直在寻找一套能够系统性地提升我即兴能力的教材，但市面上大多只是罗列和弦图表。这本精选集却着眼于“线条感”的培养，这才是爵士钢琴手区别于其他乐器演奏者的关键。它没有直接给你一堆枯燥的音阶练习，而是通过精心设计的旋律线条，潜移默化地引导你进入爵士的思维模式。其中关于“Motif”（动机）的运用和发展有独到的见解，教你如何将一个简单的四小节旋律，通过移位、扩展、节奏变化等手法，发展成一段完整的即兴段落。这种方法论的传授，远比死记硬背音阶有效得多。我试着按照书中的提示，将某个练习曲中的一个节奏型应用到我正在学习的一首标准曲中，立刻让那首曲子焕发出了全新的生命力，节奏感瞬间饱满了许多。这本书的价值，不在于它包含了多少曲子，而在于它教会了你如何去“思考”音乐。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过不少声称是“精选”的教材，但很多内容要么过于陈旧，要么就是东拼西凑，缺乏内在的逻辑和连贯性。然而，这本教材给我的感觉完全不同，它仿佛是一趟由资深音乐家精心规划的旅程。从选曲的眼光来看，编著者无疑是位深谙爵士乐发展脉络的大师，选取的都是那些真正经得起时间考验、流传度极高的经典片段，从早期的摇摆（Swing）到中期的比波普（Bebop）的影子都有所体现，这极大地拓宽了我对不同爵士风格的理解和应用范围。更值得称赞的是，它不仅仅停留在“弹奏”层面，还巧妙地穿插了乐理知识点的运用实例。比如，讲解到属七和弦的延伸音时，它立马就在随后的练习曲中用到了大量的9th和13th，让你在实际演奏中去体会这些“色彩音”是如何丰富和声的。这种“知行合一”的教学方法，极大地减少了理论知识与实际操作之间的鸿沟，让学习过程充满乐趣，而不是枯燥的机械重复。我感觉我的“耳朵”和“手指”正在同步进化。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的乐谱集简直是为我这种热爱爵士乐，但又苦于找不到系统教材的人量身定做的“及时雨”。从翻开第一页开始，我就被那种流淌在纸上的律动感深深吸引住了。它不像市面上那些充斥着花哨理论却缺乏实操指导的书籍，而是真正扎根于经典的爵士和弦进行和旋律构建之中。练习曲的设计非常有层次感，初级的段落能让你轻松地掌握布鲁斯音阶和基本的节奏型，而随着深入，你会发现那些看似复杂的切分音和转调处理，在作者精心的编排下变得清晰可循。我尤其欣赏其中对于“行走贝斯线”（Walking Bass Line）的详尽讲解，这是爵士乐的灵魂之一，过去我总是感觉抓不住那种流畅的推进感，但通过书中的范例和练习，我仿佛真的体会到了那种稳健而又灵活的步伐。每首曲子的配速建议和力度标记都异常精准，这对于打磨演奏细节至关重要。我已经迫不及待想把这些精选片段融入到自己的即兴演奏中了，这绝对是我近年来收藏的最有价值的音乐学习资料之一，每一个音符背后都蕴含着深厚的功力。