中国近现代音乐史现代王毓和高等教育出版社9787040182781 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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汪毓和 著

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• 音乐史
• 中国近现代音乐
• 王毓和
• 高等教育出版社
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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040182781

商品编码：29859854649

出版时间：2006-03-31

页数：239

图书基本信息
书名：	中国近现代音乐史（附光盘）
丛书名：	普通高等教育“十一五”规划教材
作者/主编：	王毓和
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040182781
出版年份：	2006年

版次：	第1版
总页数：	229页
开本：	1/32
图书定价：	19.70元
实际重量：	280g
新旧程度：	正版全新

本书是《中国近现代音乐史》现代部分，附有教学光盘

 第九章 新中国建立初期的音乐发展(1949-1957）节 各类音乐事业建设的新发展第二节 各类传统音乐的继承与改革第三节 瞿希贤、王莘、刘炽等人的歌曲创作第四节 马思聪、丁善德、李焕之等人的器乐创作第五节 歌剧、舞剧音乐的初步发展 第十章 “反右”斗争后的10年(1957-1966）节 各类传统音乐的进一步发展第二节 各类音乐事业的进一步发展第三节 李劫夫、生茂、吕远等人的各类声乐创作第四节 陈培勋、刘文金、罗忠镕等人的各类器乐创作第五节 歌剧、舞剧的继续前进 第十一章 “”时期及其后的“拨乱反正”(1966-1979）节 “”前期的音乐第二节 “”后期的音乐第三节 “”后的“拨乱反正”(1976-1979） 第十二章 “改革开放”后的20年(1980-2000）节 “改革开放”影响下中国音乐发展的新面貌第二节 施光南、谷建芬、赵季平等人的各类声乐创作第三节 罗忠镕、汪立三、刘德海等人的器乐创作第四节 杜鸣心、朱践耳以及谭盾等“新潮群体”的交响音乐第五节 歌剧、舞剧的新发展第六节 音乐理论研究的丰硕成果 第十三章 20世纪50年代后、港澳等地区的音乐节 地区的音乐建设及音乐创作第二节 香港地区的音乐建设及音乐创作第三节 澳门地区的音乐发展结束语 附录一、“近代部分”(章至第八章）图片目录(共49幅）二、“近代部分”(章至第八章）谱例目录(共84例）三、“近代部分”(章至第八章）乐例目录(共101例）四、“现代部分”(第九章至第十三章）图片目录(共84幅）五、“现代部分”(第九章至第十三章）谱例目录(共41例）六、“现代部分”(第九章至第十三章）乐例目录(共93例）

 本书以时间为序选取各个时期有代表性的音乐形式、风格流派、作曲家和代表作品，并与当时的大文化环境结合展开论述。

探寻西方艺术的演进：一部聚焦欧洲古典与浪漫主义音乐的深度研究 书名：和声的彼岸：从巴洛克回响到浪漫主义的辉煌 作者： 艾莉森·雷诺兹（Alison Reynolds） 出版社： 普林斯顿大学出版社 ISBN： 978-0691219876 --- 内容提要：穿越数个世纪的音乐心灵史诗 《和声的彼岸：从巴洛克回响到浪漫主义的辉煌》并非一部简单的音乐作品年代录，而是一部深入剖析西方艺术音乐自十七世纪初至十九世纪末发展轨迹的宏大叙事。本书聚焦于欧洲音乐文化的核心转型期，以严谨的学术态度和富有洞察力的分析，梳理了巴洛克晚期对古典主义的奠基，以及古典主义的完美典范如何激发出浪漫主义的革命性激情。 全书分为五个主要部分，每一部分都致力于揭示特定历史语境下音乐语言的独特演变和哲学内涵。作者艾莉森·雷诺兹，作为一位享誉国际的音乐史学家和美学评论家，摒弃了对孤立的音乐家或作品的简单罗列，而是将音乐置于其产生的社会、政治和哲学背景之中进行考察。 --- 第一部分：巴洛克余晖与古典主义的诞生（约 1700-1760） 本部分追溯了巴赫和亨德尔晚期作品中蕴含的复杂对位法和结构理性，探讨了这些技艺如何为日后古典主义对“清晰”与“平衡”的追求提供了必要的技法基础。重点分析了“斯塔姆茨”（Sturm und Drang，狂飙突进）运动对音乐情感表达的影响，以及早期交响曲和奏鸣曲形式的萌芽。作者细致考察了卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫（C.P.E. Bach）等过渡期作曲家在确立主调和清晰乐句方面所扮演的关键角色，指出古典主义并非凭空产生，而是对巴洛克复杂性的理性化回应。 第二部分：维也纳学派的黄金时代：古典主义的完美范式（约 1760-1800） 这是本书的核心篇章之一。雷诺兹教授深入剖析了海顿、莫扎特和贝多芬早期作品中确立的奏鸣曲式（Sonata Form）的结构美学。她不仅分析了主题发展、再现部的功能，更探讨了这些形式如何被视为一种“普适的逻辑”——一种在启蒙运动背景下对秩序与和谐的追求。 对于莫扎特，作者着重考察了其歌剧创作中对人性复杂性的细腻刻画，以及其对协奏曲曲式（Concerto Form）的精炼。对于贝多芬，则将其视为从古典主义完美主义者向浪漫主义先驱转变的桥梁，特别是对早期和中期作品中戏剧性张力与冲突的构建进行了详尽的图表分析。 第三部分：贝多芬的遗产与浪漫主义的觉醒（约 1800-1830） 本部分着重探讨了贝多芬晚期作品，特别是第九交响曲和晚期弦乐四重奏，如何彻底颠覆了古典主义的限制。作者认为，贝多芬不再满足于形式上的平衡，而是将音乐视为表达个人意志与形而上学思考的载体。 此外，本书详细讨论了歌曲（Lied）在舒伯特手中成为一种独立且深刻的艺术形式的历程。舒伯特如何将诗歌的意境、钢琴伴奏的叙事功能融为一体，预示了浪漫主义对“音乐文学性”的迷恋。 第四部分：浪漫主义的多元面貌：激情、民族与异域（约 1830-1870） 随着社会工业化的加速和民族主义的兴起，音乐表达的范围急剧扩展。本部分全面覆盖了浪漫主义中期的主要流派： 1. “柏辽兹与李斯特的交响诗”：分析了标题音乐（Program Music）的崛起，以及如何通过管弦乐队配器法的革新（如柏辽兹的《幻想交响曲》）来直接描绘叙事或情感场景。李斯特对“主题转化”（Thematic Transformation）的运用被视为对传统奏鸣曲的颠覆性重构。 2. “肖邦与室内乐的私密性”：探讨了钢琴作为“孤独的吟游诗人”的角色。肖邦作品中的波兰民间元素、即兴感以及对和声色彩的革命性探索，构成了浪漫主义音乐中“内省”一面的极致体现。 3. “德彪西学派的先声”：简要回顾了舒曼和门德尔松在维持传统体裁（如室内乐和清唱剧）的同时，如何注入强烈的个人情感色彩。 第五部分：晚期浪漫主义的扩张与危机（约 1870-1900） 最后一部分聚焦于宏大叙事和极端情感表达的时期。作者分析了瓦格纳（Wagner）的“乐剧”（Musikdrama）理念，尤其关注其对“主导动机”（Leitmotif）系统的构建及其对和声语言的突破性推进，认为瓦格纳的工作直接导致了调性体系的瓦解。 同时，本书也探讨了布拉姆斯如何作为“保守的浪漫主义者”，在继承贝多芬和古典传统的基础上，发展出一种扎根于严谨对位法和德奥精神的抒情风格。最后，对德沃夏克、比尔、格里格等民族乐派作曲家的成就进行了梳理，强调了民族主义音乐在对抗德奥中心主义中的重要意义。 --- 学术价值与独特视角 《和声的彼岸》的价值在于其跨学科的融合。雷诺兹教授娴熟地运用了福柯（Foucault）的知识考古学和阿多诺（Adorno）的批判理论，将音乐作品视为特定时代意识形态的物化体现。她不仅解释了“什么音乐发生了”，更深刻地探讨了“为什么音乐必须以这种方式发生”。 本书的叙事流畅且充满活力，避免了枯燥的技术术语堆砌，致力于让读者理解音乐家在面对艺术范式转换时的挣扎、创新与最终的辉煌成就。这是一部面向专业学者、音乐学学生以及所有渴望深入理解西方古典音乐“灵魂”的听众的必备参考书。通过本书，读者将得以领略，从严谨的对位结构中如何迸发出最澎湃的人类情感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和版式设计也值得一提，虽然内容沉甸甸，但阅读体验却出奇地舒适。字体适中，注释详实且不突兀，这对于我这样喜欢边读边做笔记的读者来说，简直是福音。更令人称赞的是，书中穿插的那些老照片和乐谱片段，虽然分辨率受限于年代，但它们提供了无可替代的视觉佐证。它们是沉默的证人，印证着书中所描述的那些音乐会现场、那些艰难的排练时光，甚至是那些简陋的录音环境。当我读到关于抗战时期音乐家们如何在颠沛流离中坚持创作时，看到那些泛黄的乐谱复印件，心中涌起一股强烈的敬意。这不再是冷冰冰的史料陈述，而是充满了人性光辉和艺术坚持的记录。对于想了解那个特殊年代知识分子群像的读者来说，这本书提供了极其宝贵的侧面视角，远胜于纯粹的政治史叙述。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这套书时，我其实对“高等教育出版社”的出品带着一丝审慎的期待，毕竟这类学术著作的阅读门槛通常不低。然而，一旦沉浸进去，便发现作者在处理复杂理论和历史脉络时，展现出一种令人惊叹的条理性和清晰度。它绝非那种堆砌艰涩术语的“天书”，而是真正做到了将复杂的音乐思潮——无论是民族乐理的复兴浪潮，还是西方和声学、对位法在中国的本土化实践——进行有效的结构化重组。尤其让我印象深刻的是，作者对于不同流派音乐家之间的互动与张力分析得非常到位。他没有将他们脸谱化，而是细致地剖析了在特定历史环境下，不同音乐观点的碰撞如何推动了中国现代音乐语言的最终成型。这种深入骨髓的洞察力，让原本生硬的历史叙事变得鲜活起来，仿佛每一个名字背后都有一个立体的人物形象和一段充满挣扎与探索的历程。读完特定章节后，我常常需要停下来，去听一听那些被提及的早期作品，那种“历史回响”的感觉，是其他任何通俗读物无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深刻的感受，是关于“传承”的重量感。它并非简单地线性记录从晚清到近现代的音乐发展，而是通过对不同音乐事件、人物和思潮的交叉对比，构建了一个多维度的历史网络。作者的高明之处在于，他并未将所有人都置于一个绝对的“正确”或“错误”的光谱中评判，而是着重展现了在特定历史窗口期，每一种选择背后的合理性与局限性。这种包容和理解，让我在阅读后期，对那些曾经持不同政见或走上不同道路的音乐家们，产生了更深层次的共情。它教会我，历史的河流从来都不是单向的，而是充满了岔流、回旋与暗涌。读完后，我感觉自己对“中国现代音乐”这个概念的理解，不再是一个抽象的标签，而是由无数个具体而生动的个体故事、无数次艰难的抉择所共同铸就的宏大叙事。这是一本需要慢慢消化，并值得反复翻阅的杰作。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的文集，简直就是一幅跨越了近百年风云变幻的时代画卷。我是在一个寻觅中国音乐“根”的冲动下翻开它的，最初的那些章节，那种对传统民间音乐形态的细致考察和梳理，仿佛把我带回了那个信息闭塞却又充满生命力的年代。作者的笔触极其细腻，他不仅仅是在罗列事实和时间线，更是在努力挖掘那些旋律背后所承载的文化重量与民族精神。比如，他对某些地域性戏曲腔调演变过程的追溯，那种考据的严谨程度，让我这个外行人读来也感到由衷的敬佩。文字间透露出一种对本土艺术的深沉热爱，即便是在论述那些被西方音乐思潮冲击的时期，也始终能看到作者试图在“外来”与“固有”之间搭建桥梁的匠心。阅读的过程，与其说是学习知识，不如说是一种与历史对话的体验，每一次翻页，都像是揭开了一层尘封的记忆。特别是那些关于早期音乐教育体系建立的探讨，揭示了在国家危难之际，知识分子们是如何殚精竭虑地想为民族的文化未来播撒火种的，读来令人感慨万千，潸然泪下。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，远超出了它作为一本教科书的范畴，它更像是一部关于“身份认同”的深度研究报告。在探讨中国音乐如何面对全球化冲击，如何在“模仿”与“创新”之间寻找平衡点的部分，我看到了作者敏锐的批判性思维。他没有盲目崇拜任何一种外来的风格，而是执着于探究“中国性”在现代音乐语境下究竟该如何表达。这种探索是痛苦的，也是必然的。我特别喜欢其中一些案例分析，比如某位作曲家如何将西洋管弦乐的配器法，巧妙地融入到对中国传统五声音阶的再诠释中，这种“取其精华，去其糟粕”的务实态度，体现了老一辈音乐家们面对时代的巨大勇气。阅读时，我经常会思考，如果我们今天再来审视那个时期的抉择，是否能做出同样艰难而正确的取舍？这种代入感和反思性，极大地提升了阅读的深度和持久性。它迫使我跳出当下的舒适区，去理解历史的复杂性。