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皮优 著

图书标签:

• 古典音乐
• 海顿
• 莫扎特
• 贝多芬
• 音乐史
• 西方古典音乐
• 音乐欣赏
• 音乐理论
• 皮优上海音乐出版社
• 9787552300932

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552300932

商品编码：29859854747

页数：831

图书基本信息
书名：	古典音乐:海顿、莫扎特与贝多芬的时代
作者/主编：	皮优
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787552300932
出版年份：	2012/12/1

版次：	第1版
总页数：	813页
开本：	16
图书定价：	128元
实际重量：	1260g
新旧程度：	正版全新

作者：（英国）菲利普·唐斯（Philip G.Downs） 译者：孙国忠 沈旋 伍维曦 孙红杰 

菲利普·唐斯（Philip G.Downs），音乐学家。出生于英国，分别在利兹大学和伦敦的音乐学院学习，后赴加拿大多伦多大学读研究生，并获博士学位。他长期任教于加拿大西安大略大学（Universlty of Western Ontario）的音乐史系，曾任该系的系主任。唐斯教授的主要研究领域为古典时期的音乐，曾发表过不少有关这一时期音乐研究的论文。

 《古典音乐:海顿、莫扎特与贝多芬的时代(原版引进)》编辑：诺顿音乐断代史丛书（The Norton Introductlon to Muslc History）是美国诺顿出版公司于二十世纪后期策划的一套音乐史系列丛书，共有六部专著组成，分别由各个断代史领域的学者执笔，反映了当今音乐研究的新成果，堪称西方音乐断代史论的文本。这六部音乐断代史以周密详实的史实论述、深人地道的音乐剖析、视野广阔的文化诠释和条分缕析的清晰体例赢得了学界的普遍赞誉，在英语世界被广泛采用为音乐研究生（及本科生）层面的重要教学和研究参考书目，同时也是广大音乐爱好者深入了解音乐的读物。诺顿音乐断代史丛书延续了诺顿出版公司传播音乐学术的传统，为西方音乐历史演进及其人文蕴涵的深人研究提供了引发思考的论域和视角。《古典音乐:海顿、莫扎特与贝多芬的时代(原版引进)》为其中一

 插图列表 

序言 
部分 源自巴洛克的过渡：1760年以前的音乐 
章 十八世纪思想的背景 
第二章 社会中的音乐家 
第三章 私人音乐 
第四章 公众音乐 
第五章 舞台上的词与乐 
第二部分 新风格的接受：1760—1780年的音乐 
第六章 社会环境与哲学背景 
第七章 音乐家的生存状态 
第八章 家庭音乐 
第九章 音乐会与教堂音乐 
第十章 歌剧 
第三部分 海顿：成长中的大师 
第十一章 早年岁月：1732—1760 
第十二章 在艾斯特哈齐宫廷的初期岁月：1760—1770 
第十三章 伟大的风格突破：1770－1779 
第四部分 莫扎特：天才初露 
第十四章 神童时代：1756—1773 
第十五章 早期风格 
第十六章 “科罗莱多”岁月：1773—1781 
第十七章 萨尔茨堡的高峰 
第五部分 古典风格的极盛期：1780—1800 
第十八章 与变化的年代 
第十九章 变化中的音乐家身份 
第二十章 独奏与室内音乐 
第二十一章 交响曲和协奏曲的突出地位 
第二十二章 音乐剧场的多重面貌 
第六部分 海顿：公认的大师 
第二十三章 在艾斯特哈兹的后岁月：1780—1790 
第二十四章 后的自由 
第七部分 莫扎特：大器终成 
第二十五章 后十年：1781—1791 
第二十六章 后十年的杰作 
第八部分 贝多芬：1770一1827 
第二十七章 跨世纪的伟人 
第二十八章 作品全览 
第九部分 十九世纪初作品中的十八世纪遗产 
第二十九章 后社会与艺术的变化 
第三十章 音乐的经营和建制 
第三十一章 室内乐进入音乐厅 
第三十二章 亲密性的丧失：公开表演备受推崇 
索引 
参考文献

《诺顿音乐断代史丛书：古典音乐·海顿、莫扎特与贝多芬的时代》系英美音乐学界的性新音乐断代史书，代表了西方学术界音乐史研究的高水平。覆盖了西方音乐史的六个重要断代。翻译出版后，相信将对中国进一步深入理解西方音乐文化并加强中国本土的音乐文化建设具有重要意义。上海音乐学院相关的教授学者组成译审委员会，负责具体翻译工作的安排、组织和质量把关。

　　《诺顿音乐断代史丛书：古典音乐·海顿、莫扎特与贝多芬的时代》因为古典时期音乐更为中国读者所熟悉，因而选择此本开始着手引进。

旋律的里程碑：巴赫与浪漫主义先声的辉煌乐章 这部鸿篇巨制，旨在深入剖析西方古典音乐史中，那些奠定其后数百年艺术走向的、至关重要的奠基者及其所处时代。我们将目光聚焦于巴赫及其子辈的精湛技艺，以及在他们辉煌遗产的映照下，逐渐萌芽并最终绽放的早期浪漫主义思潮的先声。这是一部为严肃音乐爱好者、音乐史研究者以及渴望系统了解西方艺术脉络的读者量身打造的深度指南。 第一部：巴赫的宇宙——对位法的集大成者与数字的音乐 本书开篇，将彻底颠覆以往对约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的传统认知。他并非仅仅是“赋格曲的之王”，而是整个人类音乐思维逻辑的工程师。我们将从他童年时期在奥尔德鲁夫的学徒生涯入手，细致考察他对维也纳和阿姆斯特丹音乐传统的吸收与重构。 一、对位法的数学美学： 我们将详细拆解《平均律键盘曲集》和《赋格的艺术》。这不是简单的乐理分析，而是深入到巴赫如何利用数学比例、几何结构来构建音乐的“宇宙模型”。通过对位法的多声部独立线条如何和谐共存的分析，揭示其音乐中蕴含的深刻的哲学思考——秩序与自由的辩证统一。特别地，将探讨“卡农”的极致形式，以及巴赫如何通过音高、节奏的变换，实现主题的无穷衍生。 二、管风琴的王者与莱比锡的职事： 考察巴赫在魏玛和莱比锡担任圣托马斯教堂乐长时期的创作实践。他的宗教音乐，如《马太受难曲》和《约翰受难曲》，不仅仅是教会的礼拜仪式音乐，更是对人类苦难与信仰的宏大戏剧化呈现。我们将对比其早期抒情风格与晚期结构严谨的管风琴作品（如“大”幻想曲与赋格），展现其艺术风格的成熟轨迹。 三、巴赫与“和声革命”： 尽管巴赫的音乐根植于复调传统，但他的和声进行却预示了未来调性音乐的走向。我们会分析他如何巧妙地使用离调、半音阶，为即将到来的调性中心明确化打下基础，并探讨其对法国和意大利风格的吸收，如何成就了他“世界音乐”的地位。 第二部：从洛可可到早期古典主义的过渡期 巴赫逝世后的欧洲，音乐语汇正在经历一场剧变。洛可可风格的轻盈精致，以及启蒙运动对清晰、自然、和谐的追求，共同催生了新的音乐形态。 一、C.P.E.巴赫与“狂飙突进”风格： 约翰·克里斯蒂安·巴赫的儿子，卡尔·菲利普·伊曼纽尔·巴赫，是这场变革的关键人物。我们将深入研究他的“实验性”键盘奏鸣曲，特别是其“风格突变”（Empfindsamer Stil）的特征——强烈的、突然的情绪对比，对主题的内在冲突的挖掘，这直接影响了后来的海顿。 二、加兰特风格的兴起： 描述“加兰特”（Galant）风格如何取代巴赫时代的“庄严感”。这种风格强调旋律的流畅性、清晰的乐段划分和对听众情感的直接诉求。重点分析早期交响曲的雏形，以及奏鸣曲式在初期确立的结构蓝图。 三、早期歌剧的转向： 分析了在“改革歌剧”运动中，如格鲁克等作曲家如何试图回归歌剧的戏剧本真性，为后世威尔第和瓦格纳的创新铺平了道路。 第三部：交响乐的成熟与奏鸣曲式的确立——前古典巨匠的辉煌 本部分将聚焦于交响乐和奏鸣曲在十八世纪中叶的规范化过程，这是西方器乐创作进入“黄金时代”的前提。 一、曼海姆乐派的贡献： 详细介绍曼海姆宫廷乐团在乐团组织、演奏技巧（如著名的“曼海姆滚奏”、“暴风雨与闪电”）以及对交响乐结构发展上的里程碑意义。他们是连接早期协奏曲与成熟交响乐之间的重要桥梁。 二、键盘乐器的革命： 详细探讨了钢琴（Fortepiano）取代羽管键琴的过程。钢琴在音量、力度控制上的巨大飞跃，如何直接影响了作曲家对动态（Dynamics）的运用，并最终塑造了新的音乐表达方式。 三、歌剧改革的深化： 探讨了意大利正歌剧（Opera Seria）与喜歌剧（Opera Buffa）在结构和角色刻画上的相互渗透，尤其是喜歌剧对日常情感和群体对话的描绘，如何为后来的“戏剧化”器乐创作提供了蓝本。 第四部：通往巨匠之路——浪漫主义的种子与新时代的曙光 本部分将作为对前三部内容的总结与展望，探讨在古典主义巅峰时期，那些已经显露出超越时代特质的“先驱者”。 一、早期音乐的“英雄主义”萌芽： 虽然我们不深入探讨特定的三位巨匠的全部作品，但会分析在他们之前，音乐家们已开始尝试如何将个人意志和强烈的主观情感融入到宏大的形式结构中。例如，对个体痛苦与胜利的刻画，如何开始挑战音乐作为“客观审美”的传统定位。 二、曲式规范的弹性边界： 分析在古典主义晚期，作曲家们如何在严格遵守奏鸣曲结构的同时，开始通过延长尾声、丰富呈示部、引入新的主题动机，来为音乐叙事增加更强的戏剧张力。 三、对位法在新的语境中的复兴： 探讨在晚期奏鸣曲或协奏曲中，作曲家如何巧妙地重新引入对位技巧，不再是为了构建结构，而是为了增强织体的厚度和表达的复杂性。 这部著作提供了一幅从巴赫时代严谨的复调世界，穿越启蒙时代的清晰理性，最终指向个性解放与情感爆发的宏大历史图景。它关注的是，正是这些奠基性的发展，为后世的音乐巨匠们提供了足够坚实的基础，才使得他们能够大胆地进行突破和创新。全书以严谨的史料和清晰的分析，展现了音乐语言的演进逻辑，而非仅仅是作品的罗列。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计简直体现了对古典艺术的敬意，纸张的质感和墨色的深沉，让人在翻阅时就产生一种庄重感。内容上，作者在处理作曲家之间的相互影响时，展现出一种非常成熟和审慎的态度。他们之间既有师承，又有竞争，更有对既有传统的继承与反叛。我对书中关于“奏鸣曲式”的演变历史那一章印象深刻，它清晰地勾勒出古典主义的规范是如何一步步建立起来的，而不是凭空出现的。特别是书中对比了海顿和莫扎特在处理“再现部”时的不同处理手法，一个偏向稳定和谐，一个则更富于戏剧张力，这种细微的差别被作者捕捉得丝丝入扣。这本书对于想要理解“古典主义风格”核心精神的爱好者来说，简直是教科书级别的指南，它教会我们如何去“听懂”结构，而不仅仅是“欣赏”旋律。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才读完这本书，因为它需要细嚼慢咽，每一章都充满了需要沉思的内容。这本书最出彩的地方，或许在于它对时代精神的捕捉能力。它不仅仅是关于音乐技巧的讨论，更是对“人”在特定历史阶段如何通过艺术表达其世界观的深刻反思。书中对“崇高”与“优美”这两种美学范畴在莫扎特晚期作品中的交织讨论，非常精妙。作者似乎一直在试图回答：如何将启蒙理性之光与人类复杂的情感体验融为一体？对于贝多芬后期那些内省的、近乎玄奥的晚期四重奏，书中给出的解释是基于他对个人精神探索的深入挖掘，而非仅仅是技术上的晚期风格。这种将音乐创作视为一种哲学探索的视角，极大地提升了阅读的层次感，让我对这三位大师的敬意油然而生，这是一部值得反复品读的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是参加了一场高规格的音乐沙龙，与几位见识卓绝的学者进行了一次深度的对谈。书中的叙事风格非常具有画面感，作者似乎拥有将冰冷的音符转化为鲜活场景的魔力。我尤其欣赏它没有将这三位作曲家孤立地看待，而是将其置于启蒙运动、法国大革命以及维也纳宫廷政治的宏大背景之下。例如，书中探讨了莫扎特在寻求独立作曲家身份时所面临的经济压力和艺术理想之间的挣扎，这使得人物形象更加立体可感，不再是神坛上的雕塑。至于对贝多芬中期英雄风格的解读，作者采用了一种近乎“心理侧写”的方式，将失聪的痛苦与创作上对命运的抗争紧密联系起来，读来令人动容。唯一的小小遗憾是，对于一些特定的早期手稿版本差异，如果能配上更详尽的图版说明，那会更加完美。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的学术深度远超我的预期，它不是那种浮光掠影的音乐史概述，而是一部真正钻进了那个黄金时代肌理里的精细研究。作者在引用大量一手资料和最新的音乐学研究成果时，展现了惊人的扎实基础。尤其令我震撼的是，书中对三位大师在“交响曲”这一体裁上贡献的对比分析。海顿的“主题发展”技巧如何被莫扎特吸收并注入更深的情感层次，再到贝多芬如何通过扩大篇幅和引入更具戏剧冲突的对位手法，彻底颠覆了交响曲的概念——这种层层递进的论述，看得人酣畅淋漓。书中对乐谱细节的引用和分析，虽然对纯粹的乐迷可能略显艰涩，但对于渴望理解“为什么”这些作品伟大的人来说，却是无价之宝。它迫使你重新审视那些耳熟能详的旋律，发现其中隐藏的严谨结构和革命性的思想火花。

评分☆☆☆☆☆

这部关于古典音乐巨匠的著作，简直是一场跨越时空的盛宴！作者的笔触细腻入微，仿佛能让人亲眼目睹海顿在艾斯特哈齐宫的日常，感受到莫扎特在维也纳街头那股挥之不去的创作激情。我特别喜欢他对早期奏鸣曲结构演变的深入剖析，那种将复杂的音乐理论用通俗易懂的语言娓娓道来的功力，实在令人佩服。比如，书中对海顿晚期四重奏中“玩笑式”处理的解读，不仅展现了作曲家幽默的个性和智慧，更揭示了那个时代贵族赞助与艺术自由之间微妙的平衡。读到关于贝多芬早期钢琴协奏曲如何逐渐挣脱海顿莫扎特传统的束缚，转而酝酿出英雄气概的段落时，我甚至能想象出年轻的贝多芬在钢琴前如何与乐谱较劲。全书的编排逻辑清晰，从巴洛克向古典主义过渡的脉络梳理得极其到位，对于那些想深入了解“维也纳古典乐派”是如何确立其音乐规范的读者来说，无疑是一本极佳的入门和进阶指南。