正版跟我学基乐理（3DVD）黄祖庚视频讲解示范曲集识谱基础教程 钢琴上的古典音乐-中级简易版(附CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[德] 柯尔伯（德）特尔纳 编

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• 中级
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806679487

商品编码：29867113773

丛书名： 钢琴上的古典音乐-中级简易版(附CD)

出版时间：2007-01-01

DVD 1 

1.识谱与记谱法 
2.音符的组成部分 音符 休止符的时值 附点 
3.音符的正确书写 变音记号 
4.音名 唱名 音的分组 
5.自然半音 自然全音 变化半音 变化全音 等音 
6.省略记号 反复记号 移高或移低八度 长休止 重复记号 重复八度记号 
7.节拍 单拍子 复拍子 混合拍子 变拍子 
8.几种较典型的节奏组合 2/4拍 
9.3/4 6/8 9/8 12/8拍 
10.音程 旋律音程 和声音程 自然音程 
11.小二度 大二度 
12.小三度 大三度 
13.纯四度 增四度 
DVD 2 
1.纯五度 减五度 
2.小六度 大六度 小七度 大七度 纯一度 纯八度 音程的转位 
3.变化音程 单音程 复音程 等音程 
4.调式 大调 
5.自然小调 
6.和声小调 旋律小调 
7.五声调式 宫调式 商调式 
8.角调式 徵调式 羽调式 
9.调号及调 
DVD 3 
1.移调 
2.和弦 原位 
4.第二转位 
5.七和弦及其三个转位 
6.等和弦 
常用音乐术语

音乐基础理论是每位音乐学习者的一门必修课。学习和掌握好“基本乐理”对增强学习者的综合音乐素质，提高演唱、演奏水平都是非常重要的。我们相信，通过本片的学习，对你今后的音乐学习及业务水平的提高将带来很好的帮助。

《乐理基础与古典钢琴演奏精要：从入门到进阶》 内容概述 本书旨在为音乐学习者提供一套系统、深入且兼具实践性的乐理知识体系与古典钢琴演奏技巧指南。全书分为两大部分：理论基石与实践演练。我们摒弃了对特定教材或曲目的依赖，专注于构建扎实的音乐理解框架和高阶的演奏能力。 第一部分：理论基石——构建严谨的音乐思维 本部分深入探讨了音乐构成的一切基本元素，确保读者不仅“知道”规则，更能“理解”规则背后的逻辑与美学。 第一章：音高与节奏的精确剖析 音高系统与十二平均律的科学性： 详细阐述西方音乐的音高体系，从基础的自然音阶到半音、全音的构成。特别着重分析十二平均律在现代音乐中的地位及其对音准感的影响。对比历史上的纯律体系，揭示不同音律在和声色彩上的细微差异。 节奏的几何学： 不仅仅停留在拍号的识读，而是将节奏视为时间分割的数学结构。深入讲解复合拍号、复节奏（如复三拍子与复四拍子的交织）的内部逻辑。通过对附点、休止符、切分音的细致分析，培养读者对时间流动性的精确控制能力。 节拍的心理学： 探讨强弱规律在不同文化和风格中的表现差异。分析弱起拍、自由节奏在肖邦或德彪西作品中的作用，以及如何通过精准的重音处理来塑造音乐的叙事性。 第二章：和声的骨架与色彩 功能和声的深度解析： 系统梳理从三和弦到七和弦（属七、导七、减七）的构建原理及其在乐句中的功能（主和弦、下属和弦、属和弦）。着重讲解“替代和弦”与“和弦转位”在保持和声流畅性中的作用。 导向与解决： 详细分析导音的“牵引力”和解决方式。探讨如何巧妙地使用“不协和音程”（如九音、十一音）来制造张力，并实现令人满意的和声解决，这是古典音乐表达力的核心。 调性色彩的感知： 并非机械地背诵大调与小调的音阶，而是通过大量的实例分析，区分大调的明朗、小调的内敛、自然小调的古朴、和声小调的戏剧性以及旋律小调的流动感。 第三章：曲式结构与宏大叙事 动机、乐汇与乐段的层级构建： 将音乐作品视为建筑艺术。讲解如何从最小的“动机”（Motive）开始，通过模仿、移位、增值、减值等手法发展成“乐汇”（Phrase），最终构成完整的“乐段”（Period）。 古典曲式精讲： 深入剖析奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部的功能与冲突）、回旋曲式（A-B-A-C-A的结构美学）以及复三部曲式（ABA结构在慢板乐章中的应用）。强调理解曲式并非为了套用模板，而是为了洞察作曲家如何布局戏剧性的张力与释放。 赋格与对位基础： 介绍巴赫时代对位法的核心概念，如模仿、反向进行、增值等。理解两条或多条旋律线如何独立存在又和谐交织，这是对听觉思维复杂处理能力的终极考验。 第二部分：实践演练——古典钢琴演奏的精湛技艺 本部分侧重于将理论知识转化为实际的指尖技巧和艺术表达，目标是达到专业演奏水准。 第四章：触键与音色的雕塑 触键的物理学与美学： 探讨钢琴键盘的机械原理与手指力量的传导。区分“指尖触键”、“全掌触键”和“重量触键”的技术特点。强调“沉入”琴键而非“敲击”琴键的理念。 力度控制的谱面解读（Dynamics）： 不仅仅是识别 p (弱) 和 f (强)，而是掌握从 pppp 到 ffff 的渐变范围。重点训练“渐强渐弱”（Crescendo/Diminuendo）的平滑性，确保音量变化自然流畅，不显生硬。 音色的多面性塑造： 讲解如何通过不同的触键方式来模拟弦乐的连贯性（Legato）、木管乐器的颗粒感，以及铜管乐器的穿透力。特别关注在不同音区（低音区的浑厚、中音区的平衡、高音区的清澈）保持音色统一的技术。 第五章：指法、速度与技巧的跨越 高效指法的建立： 系统性地讲解音阶、琶音、和弦等基础练习中，拇指的潜入、跨越、以及五指的独立性训练方法。强调指法设计的“逻辑性”——好的指法是为了服务音乐的连贯性，而非单纯为了完成技术动作。 速度控制与节奏的弹性： 探讨“速度标记”（Tempo Marking）背后的情感要求。区分 Allegro (快板) 中的“热情洋溢”与 Vivace (活泼) 中的“轻快灵动”。引入“灵活性”（Rubato）的概念，教授如何在不破坏整体节拍稳定的前提下，对局部旋律进行细微的快慢调整，以增强表达力。 八度与和弦的精准跨越： 专门针对跨度较大的技术难点进行训练。教授如何利用手腕的稳定性和重量转移来确保跨越后的第一个音的准确性和力度，避免“失重感”。 第六章：诠释与风格的辨识 风格的“声学指纹”： 引导读者识别不同音乐时期对演奏技法的要求。 巴洛克时期： 强调清晰的轮廓、对位线的独立性，以及对装饰音的精准处理。 古典主义时期： 追求结构清晰、平衡对称的美感，触键需轻盈而准确。 浪漫主义时期： 侧重情感的深度释放、音色的丰富变化，以及对速度弹性的灵活运用。 印象主义与现代： 探索踏板的模糊效果、非传统和声的色彩处理，以及节奏的自由流动。 踏板的“绘画”艺术： 将延音踏板视为色彩的混合器。深入讲解如何使用半踏、复踏（Double Pedaling）来控制和声的“清晰度”与“浑浊度”之间的微妙平衡，避免因踏板使用不当而使作品变得模糊不清。 内部聆听与自我校正： 强调演奏者必须成为自己最苛刻的听众。训练读者在演奏时，同步监控自己的指法、力度和和声进行的清晰度，并即时进行微调，最终实现演奏与内心构想的高度一致。 结语： 本书提供的不是一套固定流程，而是一套可迁移、可深化的音乐思维工具箱，助您在任何音乐作品面前，都能建立起自己的分析体系与演奏标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书在知识体系的构建上，展现出了一种罕见的系统性和渐进性。它不像市面上有些教材那样，要么过于偏重枯燥的理论堆砌，要么就是浅尝辄止的技巧展示。这本书显然是经过深思熟虑的，从最基础的音符识别、节奏划分开始，每一个概念的引入都像是精心铺设的阶梯，每一步都扎实可靠。我发现，它在讲解一些相对抽象的乐理概念时，总能巧妙地联系到实际的演奏场景，比如，在解释调式转换时，它立马会给出几个不同风格的范例，让我立刻就能在脑海中“听到”那个声音的变化。这种理论与实践紧密结合的编排方式，极大地缩短了知识吸收的“转化时间”，不再是死记硬背，而是真正理解了“为什么”要这么做。对于我这种过去总是在“会弹”和“懂音乐”之间挣扎的学习者来说，这本书无疑架起了一座坚实的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来概括这本书带给我的感受，那一定是“全面性”和“前瞻性”。它似乎不仅仅着眼于我们眼前的这套曲目或当前的技术难点，而是将目光投向了未来更广阔的音乐世界。在讲解基础知识的同时，它会适当地引入一些更高阶的和声概念作为“预告片”，让学习者对未来可能遇到的挑战有所准备，也为那些有更高追求的学员提供了延伸阅读的方向。更值得称赞的是，它对于不同音乐时期和风格的曲目编排，展现出一种平衡的美感，既不偏废巴赫的严谨对位，也不忽略浪漫主义时期的情感张力。这种广博的视野，确保了我们打下的基础是坚实且多维度的，避免了“只见树木不见森林”的片面化学习。读完这本书，我感觉自己不仅仅是学会了几个技巧，更是对整个音乐结构有了一种更宏大、更立体的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是音乐学习者的一大福音！封面那种沉稳又不失活泼的色调搭配，一下子就抓住了我的眼球。拿到手里，厚实的手感和清晰的印刷质量，让人感觉物超所值。特别是内页的纸张选择，光线柔和，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，这对于需要反复翻阅乐谱和理论知识的学习者来说，简直是太贴心了。我特别欣赏它在版式布局上的用心，那些复杂的五线谱和和弦图表，都被安排得井井有条，关键点和难点部分都有特别的标记和放大处理，让人一目了然。而且，装订非常结实，即便是像我这样经常摊开书本在钢琴前对照练习的人，也不用担心书页会散开。这种对手感和视觉体验的重视，远超出了我预期的普通教材水准，它更像是一件精致的工艺品，让人愿意珍藏和时常翻阅，光是看着它摆在书架上，就觉得心情愉悦，学习的动力也随之增强了不少。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它既有学术的严谨，又充满了让人亲近的鼓励。我读很多教材时，常常会被那些拗口、充满术语的句子绕晕，感觉自己在啃一本“天书”。然而，这本书的作者显然深谙如何用最平实的语言去阐释最深奥的道理。他/她的笔触中透露出对音乐教学的热忱，语气中没有高高在上的说教感，反而像是一位经验丰富的前辈，耐心地在你耳边轻声指导。尤其是那些引导性的提问，常常会让我停下来，不是机械地执行指令，而是开始主动思考音乐的内在逻辑。这种互动式的阅读体验，极大地激发了我主动探索的欲望。它成功地将原本可能令人望而生畏的古典乐理知识，变得既科学又充满人情味，让人在学习的过程中始终保持一种积极探索的好奇心，而非被动的接受灌输。

评分☆☆☆☆☆

我必须得赞扬一下这本书在“实用性”上的深度挖掘。它真的做到了以学习者为中心来设计内容。比如，在处理到一些复杂的复调练习时，它不仅仅给出了标准答案，还非常人性化地加入了“变通”和“替代”的建议，考虑到不同学习者手指的灵活性和理解速度的差异。更让我惊喜的是，它似乎预见到了我们在练习过程中可能会遇到的各种“拦路虎”，并提前准备好了“急救包”。那些针对特定难点的分步解析，简直就像是为你量身定制的一对一私教课。我记得有一次，我对一个特定的琶音练习感到非常吃力，正准备放弃时，翻到书后的附录，里面专门有一个小章节详细剖析了那个技巧在不同指法下的发力点和放松时机，那段文字的精准度，让我茅塞顿开，效果立竿见影。这本书的价值，绝不仅仅是纸上的文字，它更像是一个全天候待命的资深导师。