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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103046371

商品编码：29867154910

丛书名： 爵士吉他即兴之路(附光盘)

开本：16开

出版时间：2013-05-01

210mm   3mm   298mm   0.15Kg 手工测量，均有误差

产品信息

书 名	爵士吉他即兴之路	定 价	22.00元
作 者	刘玥	难 度	中级
开 本	16开	属 性	吉他练习
页 数	25页	光 盘	1张光盘
谱 号	五线谱 六线谱	出版社	人民音乐出版社
数 量	1本书、1张光盘	出版日期	2013年5月第I次印刷

 

产品展示

 

细节展示

 

产品目录

 

前言 ............................（1）

标记注解......................（1）

步伐.............................（2）

晨趣.............................（4）

练习一：模进练习.........（7）

懒汉鞋..........................（9）

错觉.............................（11）

练习二：两小时短句循环

练习.............................13

台阶............................(19)

雾................................(22)

结束语.........................(25)

 

 

 

内容简介

所谓即兴演奏就是：演奏者依据乐曲中和声、律动、结构、风格的提示所作出的“即席创作”，也可称之为“现场作曲”。你是否厌倦了一遍又一遍一成不变地演奏copy来的solo呢？你是否梦想用手中的吉他表达自己的情感呢？如果是这样，就让我们用即兴的方式自由地演奏心中的音乐吧。

音乐理论与实践：西方音乐史的演变与古典和声的精粹 本书深入探讨了西方音乐史上从早期复调到浪漫主义晚期的核心发展脉络，并聚焦于古典和声的构建、分析与实际应用。旨在为音乐学习者、演奏者及爱好者提供一套系统、严谨的理论框架，以理解音乐的内在逻辑与审美范式。 第一部分：西方音乐史的宏观图景与时代精神的捕捉 本部分将带领读者进行一次跨越千年的音乐之旅，领略不同历史时期音乐风格的独特魅力及其背后的文化与哲学思潮。 第一章：中世纪与文艺复兴的萌芽与光辉 早期音乐的起源与格里高利圣咏： 探究单音音乐的特征，分析教会音乐在西方音乐发展中的奠基作用。重点解析旋律的进行规律、调式系统（教会调式）的结构，以及“尼姆斯”（Neumes）记谱法的初步演变。 复调音乐的诞生与发展： 详述奥尔加农（Organum）如何从平行固定音程向自由对位发展，尤其是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）如列奥宁和佩罗坦对早期复调的贡献。 文艺复兴的“人”的回归与音乐的世俗化： 分析人文主义思潮对音乐创作的影响。深入研究雅克·德斯普雷斯、帕莱斯特里那等大师的作品，理解对位织体（Counterpoint）的精妙之处，特别是严格对位的原则和“依仿复调”（Imitative Polyphony）的运用。探讨意大利牧歌（Madrigal）在文本与音乐融合上的突破性尝试。 第二章：巴洛克时代的激情与理性 巴洛克风格的界定与“狂想”精神： 阐释“巴洛克”一词的艺术内涵，理解巴洛克音乐中强烈的装饰性、戏剧性和对情感的直接表达。 歌剧的诞生与发展： 追溯歌剧在佛罗伦萨的起源，分析早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）如何将戏剧与音乐完美结合。区分宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的功能与形式。 协奏曲体裁的成熟： 重点分析维瓦尔第的协奏曲结构，特别是快-慢-快的标准三乐章形式的确立。深入研究大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲的区别与联系。 巴赫的对位艺术巅峰： 详细剖析J.S.巴赫赋格曲（Fugue）的结构要素——主题、应答、插入句、呈示部、展开部与再现部。通过分析《平均律钢琴曲集》中的作品，展示对位法的无限可能性及其严密的逻辑性。 通奏低音的实践： 解释通奏低音（Basso Continuo）在巴洛克音乐实践中的核心地位，探讨数字低音（Figured Bass）的阅读与演奏技巧。 第三章：古典主义的清晰、平衡与结构之美 启蒙运动与音乐语言的“自然化”： 探讨海顿、莫扎特和贝多芬早期作品中对形式对称、清晰旋律和平衡结构的追求。 奏鸣曲式的深度解析： 将奏鸣曲式（Sonata Form）视为古典时期最核心的结构，详尽拆解呈示部（Exposition）、发展部（Development）和再现部（Recapitulation）的逻辑推演。重点分析主题的对比、转调的策略以及“冲突解决”的戏剧性过程。 交响曲与室内乐的典范： 梳理交响曲（Symphony）的四乐章结构演变。分析弦乐四重奏（String Quartet）在确立室内乐最高典范中的作用。 贝多芬的革新与过渡： 审视贝多芬如何拓展奏鸣曲式的边界，通过主题的动机发展和情感的张力表达，预示了浪漫主义的来临。 第四章：浪漫主义的抒情、个性和民族色彩 情感的解放与主观性表达： 探讨浪漫主义对个体情感、超自然、自然崇拜的迷恋，以及音乐“无限性”的追求。 小型体裁的繁荣： 深入分析艺术歌曲（Lied，如舒伯特）对诗歌文本的细腻处理，以及钢琴小型幻想曲、即兴曲的叙事性与技巧展示。 管弦乐队的扩张与音色的革命： 考察瓦格纳、李斯特等人如何拓展和声的边界，使用更丰富的配器和更复杂的和声色彩来描绘宏大叙事或内心世界。 民族乐派的兴起： 介绍德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何从民间音乐、民族史诗中汲取灵感，构建具有地域特色的音乐语言。 第二部分：古典和声的严谨构建与分析实践 本部分着重于十八世纪至十九世纪初，基于功能和声理论（Functional Harmony）的系统学习，这是理解西方传统音乐的基石。 第五章：音级与和弦的构建基础 调性系统的确立与大、小调的音阶结构： 巩固大小调音阶的构成，理解全音与半音的关系。 三和弦的分类与功能： 详细阐述主和弦（Tonic, I）、下属和弦（Subdominant, IV）和属和弦（Dominant, V）的基本功能及其相互关系。解析平行三和弦（Tertian Harmony）的堆叠方式。 七和弦的引入与色彩变化： 掌握属七和弦（V7）的解决规则和导向性。介绍九和弦、减七和弦等用于加强色彩和转调的和弦。 第六章：和声的连接与进行法则 和弦的连接规则： 严格遵循复调原则下的和弦连接规范，特别是关于平行五度、八度等禁忌的解析。 和弦的转位与低音的独立性： 理解和弦转位（Inversions）对低音声部线条的影响，以及低音旋律（Bass Line）在线性发展中的重要作用。 和弦的延伸与装饰： 学习使用经过音、邻音、倚音等装饰音对基本和弦进行细微美化。 序进（Progression）与终止式（Cadence）： 深入分析最常见的和弦进行模式（如Pachelbel’s Canon的进行），并精确区分正规终止式、半终止式和伪终止式的结构特征。 第七章：从调性中心到色彩的拓展 功能和声的深化： 识别并运用二级属和弦（Secondary Dominants）来短暂地导向关系调。理解代理和弦（Deceptive Cadence）在制造惊喜感中的作用。 半音和声的运用： 探讨经过和弦（Passing Chords）和半音关系和弦的使用，这些元素开始模糊调性边界，为浪漫主义的和声打下基础。 调式互换（Modal Mixture）： 学习如何从平行小调借用和弦（如bVI, bIII）来丰富大调的和声色彩，增强音乐的忧郁或深沉感。 初步的远关系转调： 简要介绍基于共同音或通过属七和弦连接实现向远关系调的过渡技巧，为理解李斯特、瓦格纳的和声做理论铺垫。 附录：音乐术语汇编与分析工具 涵盖从意大利语到德语的常用演奏速度、力度和表情术语的详尽对照表。 提供一套标准的奏鸣曲式分析模板和赋格曲分析图示工具，供读者实践运用。

评分☆☆☆☆☆

我对比了手头几本市面上常见的爵士吉他教材，发现本书在对“指板可视化”方面的处理上，有着独特的洞察力。很多书会要求你死记硬背整个指板上的音阶覆盖范围，但这本书似乎更侧重于“区域概念”和“和弦音的定位”。作者引入了一种“音块”（Voicing Clusters）的概念，教导读者如何迅速在指板上找到与当前和弦根音、三音、七音、九音相关的几个关键音符群，并以此为基础进行围绕式的即兴。这极大地缓解了初学者在快速换和弦时，大脑一片空白的窘境。当你不再把指板看作一堆孤立的格子，而是看作一个个相互关联的功能区域时，反应速度自然就提高了。此外，书中穿插的关于“律动与律动分离”的讨论，也让我对如何让自己的演奏听起来更“松弛”有了一些新的体会，不再感觉自己的演奏总是被节拍器死死地拽着走。

评分☆☆☆☆☆

真正让我觉得物超所值的是最后几章对“风格化处理”的探讨，这部分内容已经超越了基础教程的范畴，开始触及到“乐手个性”的塑造。作者没有武断地宣扬某一种风格是唯一正确的，而是分别介绍了Swing、Bossa Nova、Funk Fusion等不同流派在吉他即兴处理上的细微差异，比如在Bossa Nova中如何更强调内声部的流动性，以及在Fusion中如何巧妙地融合布鲁斯音阶和调式。更具实操性的是，书中提供了一些关于“录音和自我反馈”的建议，提醒学习者要经常录下自己的演奏，并带着批判性的耳朵去回听，找出“听起来不对劲”的地方，然后反溯到具体的技巧或理解上进行修正。这套完整的“学习-实践-反馈-修正”的闭环建议，对于那些缺乏专业老师指导的自学者来说，无疑是一剂强心针，让整个学习过程变得更加有条理和自我驱动力。

评分☆☆☆☆☆

我花了大约一周的时间来消化前几章关于基础节奏型和常用和弦转位的讲解，说实话，这部分内容的处理方式相当精妙，完全超出了我预期的“入门教程”的水平。许多教程在讲节奏时，往往只是给出一个死板的八分音符或十六分音符的图示，但这本书不一样，它非常注重“摇摆感”（Swing Feel）的培养。作者引入了大量的听力练习建议，并且配上了非常详尽的节奏标记，告诉我如何去“感觉”那个“拖后腿”的音符，以及如何在不破坏旋律线的前提下，恰当地使用切分音。更让我惊喜的是，它没有强迫你去记大量的和弦指法表，而是将那些最核心、最常出现在标准爵士曲目中的和弦变体（比如9和弦、13和弦的根音在不同位置的演奏法）进行系统性的梳理，并且强调了“功能性”的理解——这个和弦在这个转位里，是为了连接上一个和弦，还是为了给下一个和弦做铺垫。这种注重语境的教学方法，大大加速了我对爵士乐和声语言的理解，而不是陷入单纯的指板记忆迷宫。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实很抓人眼球，那种复古的色调和粗粝的质感，一下子就让人联想到上世纪中叶那些在烟雾缭绕的爵士俱乐部里，乐手们忘我演奏的场景。我拿到手的时候，首先翻阅的是前言部分，作者似乎非常强调“感受”而非单纯的“技术堆砌”，这让我这个一直想从模仿走向自我表达的吉他手感到非常亲切。书中对音阶和和弦的讲解没有采用那种枯燥的理论罗列方式，而是巧妙地将它们融入到具体的乐句示范中，仿佛不是在教你理论，而是在引导你进入一个爵士乐的思维模式。比如，对于调式色彩的运用，作者并没有停留在“这个音该用哪个音阶”的层面，而是深入探讨了特定和弦进行下，特定音符如何营造出那种特有的“忧郁”或“跳跃”的氛围。光是看这些图例，我就忍不住拿起我的琴试弹了几遍，发现那些看似复杂的指型，一旦放在特定的律动中去体会，似乎就有了生命力。总而言之，初印象是非常棒的，它成功地在“教材”和“灵感启发”之间找到了一个微妙的平衡点，让人迫不及待想深入其中探寻究竟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实战价值体现在其对“乐句构建”的剖析上，这正是我苦苦寻找的“桥梁”——连接理论知识和即兴演奏之间的那座桥。作者没有直接丢给你一堆Blues Lick或者Bebop跑动，而是从最基础的五声音阶出发，一步步展示如何通过“色彩音的加入”和“节奏的变异”，将一个简单的旋律动机发展成一段具有个人特色的即兴段落。我特别欣赏其中对“动机发展”这一概念的阐述。书中详细拆解了几个经典爵士标准曲的片段，展示了大师们是如何围绕一个核心旋律动机进行反复变奏、转调、甚至节奏重构的。这种“微观分析”让我醍醐灌顶，明白了即兴并非天马行空的乱弹，而是建立在对现有音乐材料的熟练“烹饪”之上。对于自学者而言，这种手把手的示范至关重要，它提供了清晰的模仿蓝本，同时又鼓励你在模仿中植入自己的思考和处理方式。