琵琶使用手册 敦煌国乐系列丛书 艺术音乐教材 民族乐器 琵琶基知识 王国振主编 上海音乐出版社书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 上海音乐出版社
• 乐器学习
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552306569

商品编码：29867189078

丛书名： 琵琶使用手册

出版时间：2014-10-01

• 书名:琵琶使用手册
• 出版社：上海音乐出版社
• 版次：2014年10月第1版  印次2014年10月第1次印刷
• ISBN：9787552306569
• 商品页码：102
• 商品价格：20.00
• 商品开本：48开 （12*13.5cm）
• 商品重量：120g
• 商品用途：艺术音乐教材

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《弦韵流光：中国传统乐器鉴赏与演奏入门》 图书简介 本书旨在为广大音乐爱好者、初学者以及对中国传统音乐文化感兴趣的读者，提供一个全面而深入的乐器鉴赏与基础演奏入门指南。我们聚焦于中国民族乐器家族中的精华代表，通过系统化的梳理和生动的实例解析，带领读者领略这些古老乐器的独特魅力、历史渊源及其在当代音乐语境中的生命力。 本书内容结构严谨，覆盖面广，不涉及特定乐器如琵琶的详细使用技巧、指法教学或专门的历史文献考据，而是着重于构建一个宏观的中国民族乐器知识体系。全书共分为五大部分，约十五万字。 第一部分：中国民族音乐概述与乐器分类体系 本部分作为全书的基石，首先勾勒出中国传统音乐的整体风貌。我们探讨了中国音乐在历史长河中的主要流派、宫廷雅乐与民间乐曲的差异，以及其独特的五声调式体系。 重点阐述内容包括： 1. 音乐文化背景： 简述中国传统音乐在儒家、道家哲学中的地位与功能，以及其与戏曲、说唱艺术的紧密联系。 2. 乐器分类法： 详细介绍中国最常用的“丝竹匏土革木金石丝竹”八音分类法，解释每种材质代表的乐器家族及其在古代社会中的象征意义。同时，对比现代基于发声原理的分类法（如弓弦乐器组、弹拨乐器组、吹管乐器组等），帮助读者建立清晰的乐器归属概念。 3. 乐器群体概览： 对拉弦乐器（如二胡、板胡）、吹管乐器（如笛子、唢呐）、弹拨乐器（如古筝、中阮）和打击乐器（如堂鼓、铙钹）进行宏观介绍，概述它们在合奏中的基本职能。 第二部分：主要弹拨乐器群体的文化价值与形态特征 本部分深入探讨了弹拨乐器这一重要家族的构造、历史演变及审美取向。虽然本书不聚焦于某一种乐器的具体演奏法，但会详尽分析该乐器群体的共性特征。 核心内容聚焦于： 1. 构造共性分析： 比较古筝、古琴、阮族乐器（如中阮、高音阮）在外形、琴体结构、弦制（材质与定弦方式）上的异同。重点分析面板、音箱、音窗等关键部件对音色产生的普遍影响。 2. 演奏技法概述（概念层面）： 从物理学角度分析“弹挑”、“勾托”等基本动作的原理，讨论不同拨片或手指佩戴物（如假甲）对音色颗粒感和延音的影响，但不涉及具体的指位图解或练习曲目。 3. 文学与艺术形象： 探讨弹拨乐器在中国古典诗词、绘画中的意象描绘，例如古琴的“清微淡远”与阮的“和而不争”的文化内涵。 第三部分：吹管与拉弦乐器的音色美学与合奏定位 本部分将视角转向空气振动和弦摩擦发声的乐器组，解析它们如何在乐队中塑造主要的旋律线条和和声色彩。 吹管乐器部分： 笛子与箫的对比： 分析横吹（笛）和竖吹（箫）在气流导入方式上的物理差异，以及膜片（笛膜）对音色产生的独特增益效果。探讨不同调性竹笛（如梆笛、曲笛）的音域特点。 唢呐的张力： 重点阐述唢呐喇叭口的设计如何成就其穿透力极强的音色，以及其在民间庆典音乐中的核心地位。 拉弦乐器部分： 弓与弦的交互作用： 讲解弓毛与弦的摩擦运动原理，这是所有拉弦乐器发声的基础。分析不同弓法（如分弓、连弓、揉弦）对音高稳定性和情感表达的普遍影响。 二胡家族的地位： 概述二胡作为代表性拉弦乐器在民族管弦乐队中的“中提琴”或“次中音”定位，分析其双弦系统带来的音色特性，以及琴筒蒙皮材质对共鸣的影响。 第四部分：打击乐器的节奏架构与音色层次 打击乐器是中国音乐中不可或缺的驱动力。本部分将打击乐器的功能从单纯的“打拍子”提升到复杂的节奏组织和音色渲染层面。 内容侧重于： 1. 体量与音高： 区分有固定音高的打击乐器（如排鼓、定音锣）与无固定音高的乐器（如钹、板）。讨论大型定音鼓组在管弦乐中的作用。 2. 民间锣鼓的程式化： 介绍传统戏曲锣鼓中，不同锣、钹的组合如何形成特定的节奏模型（如“紧、慢、旺”等），这些模型是音乐情绪变化的重要标记。 3. 节奏的呼吸： 分析打击乐在保持乐队统一性方面的作用，强调其对速度（Tempo）和力度（Dynamics）的精确控制。 第五部分：民族乐器的现代化发展与未来展望 本书的最后一部分探讨了中国传统乐器在当代艺术中的实践与创新，旨在拓宽读者的视野，理解这些古老乐器如何适应现代音乐需求。 主要议题包括： 1. 乐器形制的改良： 介绍为适应交响乐队或电声乐伴奏而进行的弦制调整、指板拓宽、音窗改造等工程学上的进步，以及这带来的音域拓展和音准改善。 2. 跨界合作的案例分析： 讨论民族乐器与西方管弦乐、爵士乐、电子音乐的融合尝试，分析传统乐器在和声配器上需要克服的挑战与取得的成果。 3. 数字时代的保存与传播： 探讨高质量录音技术和多媒体应用如何帮助记录和传承民族乐器的精湛技艺与珍贵曲目，为未来的学习者留下宝贵的参考资料。 全书语言力求准确、流畅，学术性与普及性并重，力求使读者在不进行具体指法训练的情况下，也能建立起对中国民族乐器系统的深刻理解与审美鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种半路出家、对传统乐器一窍不通的人量身定做的！我一直对那“大珠小珠落玉盘”的琵琶音色心驰神往，但市面上那些动辄就是高级技巧的教程，看得我头都大了。可这本《琵琶使用手册》完全不一样，它就像一位和蔼可亲的老师，从最基础的“这玩意儿叫什么名字”开始教起。封面设计就透露着一股严谨的学院风，虽然主题是“使用手册”，但内容绝不是枯燥的说明书。它花了大量的篇幅去介绍琵琶的构造，甚至细致到每根弦的材料、每块码子的作用，让我明白了，原来弹奏的根基是建立在对乐器本身的理解之上的。书中对持琴姿势的讲解细致入微，图文并茂，生怕你站错了地方，手型不对劲。那种手绘的示意图，比照片更有助于理解发力点和放松的微妙关系。读完前几章，我感觉自己终于拿住了的不是一个冰冷的木头物件，而是一个有生命的乐器。它没有直接跳到复杂的琶音或轮指，而是像剥洋葱一样，一层层地揭开琵琶的神秘面纱，让我从心底里生出敬畏与亲近。这种循序渐进的引导，极大地降低了初学者的心理门槛，让我想立刻上手试试，而不是望而却步。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超出了单纯的“乐器入门指南”范畴，它更像是一部精炼的中国音乐文化史切片。虽然书名直指“使用手册”，但它巧妙地将琵琶的演奏技巧融入了深厚的历史文化背景之中。书中对于敦煌艺术中琵琶形象的探讨，尤其让我感到惊艳。那些壁画上的飞天仙女拨弦的姿态，不再是遥不可及的宗教符号，而是成为了可供现代学习者参考的“祖师爷级”的样本。作者的叙述风格非常注重传承感，让你觉得你正在接过的不仅仅是一套教材，而是一份沉甸甸的文化遗产。它没有过多渲染那种“江湖气”的传奇色彩，而是用一种近乎学术研究的严谨态度，梳理了琵琶从唐代到近现代的流派演变和风格差异。当我读到关于不同流派在揉弦和扫弦上的细微处理时，我意识到，原来音乐的表达是如此的微妙和多维。这本书的深度在于，它让你在学习“如何弹”的同时，也不断地思考“为什么这样弹”，这对于一个严肃的学习者来说，是至关重要的精神滋养。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初买这本书是冲着“上海音乐出版社”的牌子去的，毕竟专业出版社出品，质量总是有保障的。实际翻阅后，我对书中排版的考究程度感到非常满意。很多音乐教材的字体和谱面混在一起，看着十分费劲，但这本《琵琶使用手册》在视觉设计上做到了极佳的平衡。五线谱和工尺谱的对照清晰明了，对于那些习惯了现代记谱法的学习者来说，提供了极大的便利。更值得称赞的是，书中对于指法标记的规范性。它没有采用那种模棱两可的符号，而是用一套自洽的、经过严格论证的体系来标注每一个动作，比如“上挑”、“右手按音”、“左手虚按”等，都配有简洁而准确的图示。这种对细节的执着，使得练习者可以最大程度地减少因误读谱面而产生的负面习惯。我个人特别喜欢它在基础练习部分的处理，不是简单地罗列音阶，而是嵌入了一些非常具有“画面感”的小练习曲，听起来虽然简单，但对指力的均衡和左右手的配合度要求极高，可以说是润物细无声地把难点给攻克了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它对“自我纠错”机制的构建上。我发现，很多教材教完技巧就结束了，留下学习者在反复的失败中自我摸索。而这本《琵琶使用手册》仿佛预料到了学习过程中会遇到的所有“坑”。它专门设置了一个章节来讨论常见演奏错误及其修正方法。比如，手腕僵硬导致声音发紧、左手指尖按弦力量不足导致音色软弱等问题，书中都配有对比清晰的“错误示范图”和“正确调整步骤”。这种预判性的指导，极大地节省了学习时间，避免了错误习惯的固化。此外，它还提供了一些非常实用的日常维护小贴士，比如如何判断环境湿度对音准的影响，以及如何清洁指甲和指套。这体现了编者不仅是演奏家，更是对乐器持有者全方位的关怀。整本书的逻辑链条非常完整，从乐器认知到基础练习，再到常见问题的解决，形成了一个闭环的学习体系，让学习者在每一步都能找到清晰的下一步指引。

评分☆☆☆☆☆

说实话，作为一本面向大众的教材，它在理论深度上并没有让人觉得“浅尝辄止”。王国振主编的功力在很多地方都有体现，尤其是在节奏感和律动的讲解上。很多初学者的问题在于，手指能跑起来，但弹出来的东西总像是在“数拍子”，缺乏音乐的内在流动性。这本书在这方面给出了非常独到的见解，它没有用空泛的词汇来形容“感觉”，而是从物理学和声学的角度，解释了如何通过拨弦角度和触弦深度的微小变化，来控制声音的颗粒度和延展性。举个例子，书中关于“轮指”的解析，并没有直接要求你去练习几百遍的僵硬动作，而是先从如何找到最佳的“自然回弹点”入手，强调的是手的放松与琴弦的共振。这是一种由内而外的训练，它引导你学会“听”自己的指尖在做什么，而不是机械地模仿手型。这种强调主动感知和自我校正的学习方法，无疑比死记硬背要高效得多，也更符合艺术学习的本质。