正版初级基础入门中外钢琴独奏小品精3李晓平1CD曲谱教材 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807517771

商品编码：29867289205

丛书名： 中外钢琴独奏小品精选(附光盘3钢琴基础教程配

开本：8开

出版时间：2011-04-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

 

 

 

目录

 

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1．我和你(2008年北京奥运会主题曲)
2．如歌的柔板(选自《悲怆奏呜曲》Op．13第二乐章)
3．阅兵进行曲
4．你微笑的影子(电影《矶鹞》中的爱情主题)
5．蓝蝴蝶
6．阿坝夜会(选自组曲《巴蜀之画》)
7．降D大调圆舞曲(Op．9 N0．4)
8．道地的爵士
9．美丽的梦神(据同名声乐曲改编)
10．骑兵之歌(Op．27 N0．29)
11．山歌(选自《云南民歌五首》)
12．天使的小夜曲
13．矮人进行曲(Op．54 N0．3)
14．灵巧的手指
15．马刀舞(选自舞剧《盖妮》)
16．摇篮曲
17．悲歌
18．在某处(选自电影《西区故事》)
19．吉姆诺·佩蒂(首)

 

20．愉快地醒来
21．两个滑稽的阿姨吵架了(选自《儿童钢琴曲集》第二册N0．6)
22．春风竹笛
23．马祖卡(Op．67 N0．4)
24．夏威夷婚礼曲(选自小歌剧《夏威夷王子》)
25．舞曲
26．微笑波尔卡(据同名手风琴曲改编)
27．杰克森街的布鲁斯

28．珊瑚舞(舞剧《鱼美人》选曲)

内容提要

 

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本套书系《钢琴基础教程》的姊妹篇。配合《钢琴基础教程》四册的教学难度逐步提高其曲目的难度，在循序渐进学习的同时，作者在选曲方面也充分考虑到其欣赏和演奏的价值。

经典钢琴曲目赏析与演奏指南 本书聚焦于世界范围内享有盛誉的钢琴独奏作品，旨在为钢琴学习者和爱好者提供一套系统、深入的学习资源。内容涵盖从巴洛克时期到近现代的诸多重要作曲家及其代表作，不涉及任何特定初级教材或特定演奏家的入门作品集。 第一部分：巴洛克时期的键盘音乐精粹 本部分深入探讨了巴洛克时期（约1600-1750年）键盘音乐的结构、风格特征及其演奏技巧。我们将重点剖析这一时期音乐的复调性、装饰音的使用以及对古钢琴特性（如羽管键琴、大键琴）的理解。 一、约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的宏伟世界 巴赫的音乐被誉为西方音乐的“旧约”。本书将精选分析其键盘作品中非特定针对初学者教材的范例，侧重于作品的结构解析而非技巧简化。 1. 《平均律键盘曲集》（Well-Tempered Clavier）选段赏析： 赋格的艺术： 选取不同调性的赋格，详细讲解主题的呈示、展开、再现的完整逻辑，分析声部间的独立性和相互作用。探讨如何通过触键的清晰度来区分各个声部，避免“混响”效果。 前奏曲的即兴色彩： 分析那些结构复杂、充满装饰音的前奏曲，探讨其在演奏中如何保持织体清晰和速度的连贯性。 2. 英格兰与法国组曲深度解读： 聚焦于组曲中典型舞曲的节奏特征（如萨拉班德的庄重、吉格的活跃），以及如何通过细微的速度变化和重音处理来体现巴洛克舞曲的精神。 3. 《哥德堡变奏曲》核心思想研究： 重点分析变奏曲中展示的“卡农”结构和技巧性挑战，探讨演奏者如何在宏大结构中保持音乐的连贯性和内在的逻辑性，而非仅仅停留在技术模仿层面。 二、其他巴洛克大师的键盘遗产 多梅尼科·斯卡拉蒂的奏鸣曲： 选取几首技巧复杂、充满西班牙风情的奏鸣曲，分析其独特的“即兴化”写作手法，以及在演奏中如何处理快速的音型、跳跃的和弦和复杂的双手交替。 亨德尔键盘作品的庄严与抒情： 探讨亨德尔作品中清晰的线条感和结构对称性，分析其与巴赫在复调处理上的区别。 第二部分：古典主义的平衡与清晰 古典主义时期（约1750-1820年）强调清晰的结构、平衡的比例和清晰的旋律线条。本部分主要围绕奏鸣曲式的原理及其在键盘作品中的应用展开。 一、海顿：奏鸣曲形式的大师 选取海顿晚期奏鸣曲中结构严谨、逻辑性强的乐章进行分析。重点阐述奏鸣曲呈示部、发展部和再现部的功能，以及如何通过清晰的乐句划分来展现“对话感”。探讨海顿作品中蕴含的幽默感和机智性，以及如何通过节奏的精确性来表达。 二、莫扎特的钢琴音乐：优雅与深度 莫扎特的音乐要求极高的触键控制和对音色的细腻处理。 1. 钢琴奏鸣曲精选： 分析其奏鸣曲中旋律的歌唱性（Cantabile）和伴奏织体的精致性。讨论如何在保持清晰音准的同时，赋予旋律以歌剧般的表情。 2. 回旋曲与幻想曲： 探讨莫扎特在这些自由体裁中展现的即兴才能，以及如何通过对比性的主题材料来构建篇章的戏剧性。 三、贝多芬的过渡与突破：英雄的宣言 贝多芬的作品标志着古典主义向浪漫主义的桥梁。 1. 早期奏鸣曲中的古典秩序： 分析其早期的作品如何遵循古典规范，但已开始展现更强的个人情感色彩。 2. 中期奏鸣曲（如“热情”、“阿帕桥”等）的结构张力： 深入剖析贝多芬如何通过对奏鸣曲形式的拓展和“发展部”的深化，来表达强烈的情感冲突和英雄主义精神。着重讨论踏板使用的革命性变化及其对音响效果的拓展。 第三部分：浪漫主义的激情与色彩 浪漫主义时期（约1820-1900年）是钢琴音乐的黄金时代，强调个人情感的抒发、对色彩的追求和炫技的运用。本书聚焦于展现这一时期音乐多样性的作品。 一、肖邦：诗意的钢琴语言 本书将摒弃所有简化版练习，专注于肖邦作品中内在的浪漫主义精神和波兰民族情怀。 1. 叙事曲（Ballades）的叙事性： 分析叙事曲如何通过对比性的主题、复杂的节奏和情绪的剧烈波动来“讲述”一个故事。探讨其复杂的和声语言及其对演奏连贯性的要求。 2. 夜曲（Nocturnes）的情感深度： 分析肖邦夜曲中精致的装饰音、即兴化的旋律线条以及对柔和音色的极致追求。 3. 练习曲的“双重性”： 探讨肖邦练习曲（如Op.10, Op.25系列）不仅是技术训练，更是高度成熟的艺术作品。分析如何在技术难度的背后，挖掘出深刻的情感内涵。 二、舒曼的内心世界 舒曼的作品充满了文学色彩和内省的思考。 1. “交响性”的键盘写作： 分析如《交响练习曲》中展现的对管弦乐效果的模仿，以及如何在钢琴上实现丰富饱满的音响。 2. “情景组曲”的解析： 深入《童年情景》等作品，探讨如何通过细微的力度变化和节奏的弹性来塑造性格鲜明的小人物形象。 三、李斯特的辉煌与技巧挑战 聚焦李斯特的艺术歌曲改编和基于帕格尼尼主题的作品，分析其对钢琴演奏技巧的拓展，包括双手的跨度、半音阶的流畅性以及对音色变化的极度要求。讨论如何理解其炫技背后的浪漫主义渴望。 第四部分：晚期浪漫主义与印象派的色彩探索 本部分探讨了钢琴音乐在十九世纪末至二十世纪初如何突破传统和声框架，寻求新的音响可能性。 一、勃拉姆斯：古典形式的浪漫主义重构 分析勃拉姆斯晚期狂想曲、间奏曲的特点，探讨他如何在严谨的结构内，填充温暖、略带忧郁的浪漫主义情感，以及他特有的厚重和弦运用。 二、德彪西与拉威尔：听觉的“印象” 本部分专注于印象派作曲家如何运用和声、音色和节奏来描绘光影、水波和瞬间的感觉。 1. 德彪西的音色魔术： 分析《前奏曲》中对全音阶、五声音阶的使用，以及如何通过模糊节奏和踏板来创造“朦胧”的音响效果。 2. 拉威尔的精准与炫技： 探讨拉威尔作品中对清晰度的高要求，以及如何在他那充满色彩的织体中保持线条的精确性。 总结与演奏哲学 全书最后一部分将提炼出对所有时期作品的共通要求：技术是为音乐服务的工具，而非目的本身。 我们将讨论如何建立个人的听觉标准，理解不同时期乐谱上术语的真实含义（例如“Allegro”在巴赫和贝多芬作品中的细微差别），从而形成一套成熟、深刻的钢琴演奏哲学。本书旨在引导学习者超越单纯的音符堆砌，进入对音乐灵魂的深度探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性真是超乎我的预期。我以前买过一些理论性很强的乐谱，买回来后发现很多技巧根本无法在实际弹奏中应用，就像是看了一本“空中楼阁”的指南。但这本教材的每一个练习，都紧密结合了钢琴的实际演奏手感和键盘布局。比如，在讲解如何平稳地过渡到高音区时，它给出的练习曲目，其音区分布和指法设计，都完美地模拟了你在未来可能会遇到的真实场景。感觉作者不仅是一个音乐家，更是一个非常懂得“教学法”的导师。他不是把知识硬塞给你，而是通过设计一系列精心构造的“迷你挑战”，让你在不知不觉中攻克了那些看似困难的演奏难关。对我这种自学者来说，这种“手把手”的体验感，价值连城。

评分☆☆☆☆☆

我之前学钢琴断断续续的，总是找不到一个能让我坚持下去的动力。很多教材的曲目都太“古典”了，听起来缺乏现代感，很容易让人产生审美疲劳。然而，这本教材里的选曲，让我耳目一新。它在保持基础训练严谨性的同时，巧妙地穿插了一些我们非常熟悉的旋律片段，虽然是改编的，但那种熟悉的味道能立刻抓住你的耳朵。这就像是给初学者装上了一个“即时满足感”的引擎，让你在弹奏这些小品的时候，会由衷地产生“我正在演奏音乐”的成就感，而不是单纯的“我在练习指头协调”。这种成就感是持续学习的最大燃料，我发现自己现在每天都会主动去弹上一个小时，完全不需要人催促，这在以前是不可想象的。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来形容这本书给我的感受，那就是“踏实”。它没有夸大其词地承诺能让你“速成”，而是非常诚恳地告诉读者，学习音乐需要一步一个脚印。我尤其欣赏它在一些技术难点旁边的注释，那些注释往往不是单纯的术语解释，而是充满了“过来人”的经验之谈。比如，在提到连奏（legato）时，作者强调的不是“手指要用力”，而是“想象你的手指像羽毛一样轻轻地拂过琴键，但同时要带着一点点的重量”。这种富有诗意又极其实用的指导，让我对钢琴演奏有了一种全新的体悟。它让我明白，钢琴不仅仅是机械的按键，更是情感的载体。这本书真正做到了让初学者在打下坚实技术地基的同时，也开始懂得如何去“倾听”和“表达”音乐，这一点非常难得。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书拿到手的时候，我就感觉到了那种沉甸甸的分量，不只是物理上的重量，更是一种知识的厚度。我本来以为这会是一本枯燥的教材，没想到翻开目录才发现，这里的曲目选择非常独到。它不像市面上那些只教基本功的书，而是巧妙地把一些世界名曲的简化版融入了进来，让初学者在练习指法和节奏的时候，也能接触到真正的音乐审美。特别是那些练习曲，编排得很有层次感，从最简单的单音进行，到稍微复杂的和弦转换，每一步都像是精心设计的阶梯，稳稳地把你向上引导。我特别喜欢它对踏板使用的简单介绍，虽然篇幅不多，但点到了关键，让原本死板的练习曲立刻有了“呼吸感”。对于想打好基础又不想太无聊的朋友来说，这本书简直是福音，它真的做到了“寓教于乐”的精髓，让人愿意每天都去翻开它，而不是把它当成任务一样完成。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种“入门级”的书籍一向是持保留态度的，因为很多时候它们要么内容太浅，要么解释得过于晦涩，搞得人云亦云。但李晓平老师的这本教材，在讲解乐理概念时，真是做到了化繁为简，深入浅出。比如，他解释“休止符”的时候，没有用一大堆抽象的术语，而是用了一个非常形象的比喻，说休止符就像是音乐里的“喘息”，让听众和演奏者都有时间去回味刚才的旋律。这种接地气的讲解方式，让我这个有点“乐理恐惧症”的人都能轻松理解。而且，书里的排版设计也让人赏心悦目，五线谱的间距恰到好处，黑白分明，即便是长时间盯着看也不会觉得眼睛很累。这一点在长时间练习中真的非常重要，细节决定成败啊，这本书在这方面做得太到位了。