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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115460226

商品编码：29867332730

丛书名： 谁都能学会-7天电子琴教程

出版时间：2017-06-01

巨牛图书专营店

音乐启蒙的另一扇门：古典乐理精粹与钢琴艺术鉴赏 献给所有对声音艺术充满好奇，渴望深入理解音乐世界本质的求知者。 本书并非致力于速成某种特定乐器演奏技巧，而是为读者构建一座通往古典音乐深层结构与审美殿堂的坚实桥梁。我们相信，真正的音乐素养建立在对“声音如何组织”以及“情感如何被表达”的透彻理解之上。 --- 第一部分：声音的骨架——古典和声与对位基础 本部分将带领读者解构西方古典音乐（特别是巴洛克至浪漫主义时期）作品的底层逻辑。我们不谈指法或键盘布局，而是聚焦于乐音的“语法”——和声学。 第一章：音高、音级与调性系统 自然音阶的奥秘： 深入探讨大调与小调的音级构成，理解全音与半音在构建稳定感和情绪张力中的核心作用。 关系调与转调的艺术： 讲解如何通过关系大小调、平行大小调的转换，实现音乐情绪的自然过渡与色彩变化，而非简单的音区移动。 调式色彩的初探： 简要介绍调式（如多利亚、弗里吉亚）在特定作品中营造的异域或古老氛围，这对于理解早期的复调音乐至关重要。 第二章：和声的三要素与功能 和弦的构建原理： 详细解析三和弦（大三、小三、增三、减三）的结构，以及七和弦在织体中的稳定与不稳定的功能。 功能和声的动力学： 深入剖析主（Tonic）、属（Dominant）、下属（Subdominant）三大和声功能群，它们如何驱动音乐的进行和解决，如同叙事中的开端、冲突与高潮。 导音与倾向性： 探讨导音（Leading Tone）在解决至主音时的强大心理效应，这是西方音乐张力构建的核心技术。 第三章：和声的连接与禁忌 和弦的连接规则： 教授如何遵循古典和声的连接原则，确保和声进行流畅、逻辑清晰，避免声音上的“不适感”。 平行五八度的规避： 详细解释为何在传统和声学中应避免平行五度与八度出现，理解其对声部独立性的削弱作用。 经过和弦与副属和弦： 介绍如何通过色彩性更强的和弦（如九和弦、减七和弦）来丰富和声纹理，增加音乐的层次感和戏剧性。 第四章：复调的魅力——对位法的初步认识 旋律线的独立性： 探讨复调音乐（如赋格）中，多条旋律线如何独立存在，同时又通过和声紧密配合。 模仿与卡农结构： 介绍最基础的模仿手法，理解卡农（Canon）作为严格对位形式的精妙之处，领略“一个旋律，多重面貌”的音乐智慧。 --- 第二部分：情感的载体——曲式结构与作品赏析 音乐之所以动人，在于其结构化的叙事方式。本部分将帮助读者识别不同音乐体裁背后的骨架，从而提升对经典作品的理解深度。 第五章：小型曲式的形态解析 乐段与乐句： 讲解构成音乐叙事的最小单位——乐句（Phrase）与乐段（Period）的结构，理解“问句”与“答句”的对应关系。 三部曲式（ABA）： 分析三部曲式在艺术歌曲（Lied）和小型器乐小品中的普遍应用，以及中间段（B段）如何提供对比与发展。 回旋曲式（Rondo）： 探讨主部（A）的不断再现与插部（B、C）的对比，如何营造出稳定而又变化无穷的听觉体验。 第六章：奏鸣曲的宏大叙事 奏鸣曲式结构导论： 深入解析奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）的内在驱动力，理解音乐是如何通过主题的“冲突”与“解决”来推动的。 呈示部： 主题的引入、对比与关系调的建立。 展开部： 音乐的“思想斗争”区域，主题材料的破碎、重组与不稳定的和声探索。 再现部： 回归的张力释放与调性的统一。 扩展应用： 简要说明奏鸣曲式在交响曲、协奏曲和室内乐中的应用。 第七章：变奏的无限可能 变奏曲的原理： 讲解变奏（Variation）作为一种创作手法，如何在保持主题核心特征的同时，对其进行节奏、和声、织体上的自由改造。 著名变奏曲的风格分析： 选取巴赫、莫扎特、贝多芬等大师的变奏作品作为范例，分析他们各自变奏的侧重点和美学倾向。 --- 第三部分：跨越时空的对话——音乐风格的演变与审美 本部分将引导读者跳出具体技巧的限制，从历史的宏观角度审视音乐如何反映时代精神，并培养一种具有辨识度的鉴赏眼光。 第八章：巴洛克时期：精密的织锦 “巴赫式”的逻辑： 强调巴洛克音乐中对位法的极致运用，以及装饰音在构建音乐流动性中的作用。 “通奏低音”的支撑： 解释古钢琴与大提琴（或低音提琴）构成的低音线如何不仅是和声的基础，更是推动音乐前进的动力。 第九章：古典主义：清晰与平衡的典范 海顿与莫扎特的清晰： 分析如何从清晰的旋律轮廓、平衡的结构和规范的和声进行中，感受到启蒙时代的理性精神。 旋律线条的优美性： 探讨古典时期对歌唱性旋律的偏爱及其在器乐中的体现。 第十章：浪漫主义：情感的火山爆发 和声的扩张： 探讨经过扩展的和声（如大量使用九和弦、增六和弦）如何服务于强烈的个人情感表达。 管弦乐色彩的革命： 简要介绍配器法的复杂化如何为音乐注入前所未有的丰富色彩和动态范围。 总结：聆听的进阶 本书旨在培养一种主动的、分析性的聆听习惯。掌握这些乐理与结构知识后，听众将不再仅仅是被动接受旋律，而是能够“看穿”声音背后的精妙设计，从而与作曲家的思想进行更深层次的交流。我们鼓励读者将所学理论应用于任何他们喜爱的古典音乐作品中，发现隐藏在美妙音符之下的深刻结构之美。

评分☆☆☆☆☆

我是一个追求效率的人，所以对任何学习材料都非常挑剔，我希望能在最短的时间内看到实际效果。《7天教程》这个名字听起来有点夸张，但我发现它的课程结构确实是精心设计过的。它把复杂的学习过程拆解成了非常明确的每日任务，每天都有清晰的学习目标和考核点。比如第一天可能是认识键盘和正确的坐姿，第二天就是简单的单指移动，第三天就开始接触和弦的雏形。这种模块化的学习方式，让我每天都能给自己一个“小小的胜利感”，而不是感觉目标遥不可及。我发现，当我按照它的节奏来，一周下来，我已经能勉强弹奏出几首非常简单的曲子，虽然还很生涩，但至少已经能发出连贯的音乐了，而不是“叮叮咚咚”的随机乱按了。这种循序渐进的节奏感，对于培养持续学习的习惯至关重要。

评分☆☆☆☆☆

作为一名中年学习者，我的记忆力和专注力已经大不如前，所以我对教材的“易读性”要求极高。这本书在视觉设计上做得非常成功，它大量使用了彩色印刷和图示，而不是大段的文字堆砌。特别是涉及到节奏和时值的讲解，它不仅仅是用数字或符号表示，还会用图形的深浅和长度来形象地表达长短关系，这一点对我这种“视觉学习者”特别友好。而且，教材似乎非常体贴地预判了初学者可能会在哪里卡壳，然后在那些关键节点，它会用一个小框或醒目的颜色来强调“请注意”，这种设计思路让学习过程中的“认知负荷”大大降低了。我感觉自己不是在啃一本教科书，而是在翻阅一本图文并茂的练习手册，阅读体验非常流畅和轻松。

评分☆☆☆☆☆

市面上很多电子琴教材，要么是只讲“怎么按”，却不讲“为什么这么按”，要么就是把理论讲得过于学术化，让人抓不住重点。这本书最可贵的一点，是它在教授技巧的同时，穿插了大量的“小贴士”和“注意事项”。比如，它会特别提醒你手腕放松的重要性，而不是只要求手指用力；它还会解释为什么某个和弦在某个段落听起来更和谐。这些细微的讲解，让我感觉不像是在对着一本冰冷的教材学习，而更像是有个经验丰富的老师在旁边手把手地指导。我尤其喜欢它在介绍一些基本指法变化时，会配上一个实物照片对比，清晰地展示了手指的弯曲度和触键点，这比单纯的文字描述要直观和有效得多，避免了我在练习初期就养成错误的手型习惯。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最担心的就是曲谱的编排。很多入门书的曲谱，要么太简单像儿歌，学了没意思；要么就是一下子就跳到高难度，让人根本跟不上。但这本书在这方面做得非常平衡。它不是那种直接给你贴一堆复杂五线谱的书，而是大量采用了简谱配合指法图的方式，这对我这种完全没接触过乐理的人来说简直是救星。最让我惊喜的是，它把那些经典的、耳熟能详的旋律，比如一些简单的民谣或者动画片主题曲，都进行了巧妙的简化处理，让初学者也能在短时间内弹奏出“像模像样”的音乐。我记得我试弹了它教的第一个小乐段，虽然只有短短的几句，但那种“我真的在弹琴”的成就感是无法替代的，这比单纯练习手指的协调性有意思多了，它让你真正体会到音乐的乐趣，而不是枯燥的机械训练。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版实在是让人眼前一亮，那种清晰度简直是为我这种视力不太好的初学者量身定做的。封面设计虽然朴实，但内页的布局却充满了巧思，每一个音符、每一个指法图都标注得清清楚楚，完全没有那种密密麻麻让人望而却步的感觉。我特别欣赏它在讲解基础乐理时的那种耐心，没有用太多深奥的术语，而是用非常生活化的比喻来解释，比如把八分音符比作跑步的节奏，把休止符比作深呼吸。而且，每学完一个小节的技巧，都会立刻配上一个非常简单的练习曲让你上手试试，这种即学即用的设计，极大地增强了我的学习动力，让我觉得弹琴这件事并没有我想象的那么遥不可及。我记得我以前买过一本号称是“零基础”的教材，结果光是看懂目录就花了我一上午，这本书完全没有这个问题，开篇就直接带你上手摸键盘，非常实在。