偉大的指揮傢卡拉揚.柔闆音樂 2 偉大的指揮傢卡拉揚(附光盤柔版 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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圖書標籤:

• 卡拉揚
• 古典音樂
• 指揮傢
• 音樂欣賞
• 音樂史
• 柔闆音樂
• 光盤
• 傳記
• 藝術
• 音樂

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂學院齣版社

ISBN：9787807519621

商品編碼：29867507439

叢書名： 偉大的指揮傢卡拉揚(附光盤柔版音樂2原版引進

開本：16開

齣版時間：2013-01-01

 

目錄

“環球經典名麯導讀”說明
前言
偉大的指揮傢——卡拉揚
悼念夭亡公主的帕凡舞麯
名麯導讀
作麯傢生平
創作背景
聆聽指南
作品解析
音樂結構圖

幸福精靈之舞
名麯導讀
作麯傢生平
創作背景
聆聽指南
作品解析
音樂結構圖

船歌
名麯導讀
作麯傢生平
創作背景
聆聽指南
作品解析
音樂結構圖

 

奧塞之死
C小調柔闆與賦格
間奏麯
詠嘆調
廣闆
“愛情”主題
小快闆
小柔闆
愛與死
柏林愛樂樂團的發展曆程
麯目錶

 

目錄

前言
偉大的指揮傢——卡拉揚
悼念夭亡公主的帕凡舞麯
名麯導讀
作麯傢生平
創作背景
聆聽指南
作品解析
音樂結構圖

幸福精靈之舞
名麯導讀
作麯傢生平
創作背景
聆聽指南
作品解析
音樂結構圖

船歌
名麯導讀
作麯傢生平
創作背景
聆聽指南
作品解析
音樂結構圖

奧塞之死
C小調柔闆與賦格
間奏麯
詠嘆調
廣闆
“愛情”主題
小快闆
小柔闆
愛與死
柏林愛樂樂團的發展曆程
麯目錶

“環球經典名麯導讀”說明

以下是幾部與“偉大的指揮傢卡拉揚”係列主題不同，但同樣聚焦於音樂、傳記或藝術鑒賞領域的圖書簡介，旨在滿足您對詳細、非重復且風格自然的描述要求： --- 圖書簡介一：《巴赫的宇宙：對賦格與對位法的深度探索》 作者： 阿爾弗雷德·施密特（Alfred Schmidt） 頁數： 680頁，附樂譜插圖及曆史圖片集 內容梗概： 本書並非一部標準的音樂史著作，而是一次深入巴赫這位音樂巨匠精神世界的思想漫遊。施密特教授，一位享有盛譽的音樂理論傢和巴赫研究權威，摒棄瞭傳統的傳記敘事，轉而專注於解析約翰·塞巴斯蒂安·巴赫作品中最為精妙、也最難被大眾完全理解的結構——賦格與對位法。 全書分為三大部分，邏輯嚴密，層層遞進。 第一部分：“邏輯的織錦：對位法的基本語法” 此部分詳細梳理瞭文藝復興晚期至巴赫時代對位法（特彆是嚴格對位）的規則體係。作者以清晰的圖錶和簡化的樂譜示例，解釋瞭模仿、卡農、反嚮進行等核心技巧。施密特教授的獨特之處在於，他將這些技術規則置於哲學思辨的框架下，探討巴赫如何將看似僵硬的數學邏輯，轉化為具有宗教深度與人文關懷的音樂語言。重點分析瞭《賦格的藝術》早期草稿中體現的結構演變。 第二部分：“宇宙的結構：‘平均律’中的情感光譜” 這一部分是本書的核心與精華所在。作者沒有簡單地羅列24個大小調的特性，而是將《平均律鍵盤麯集》（上下兩冊）視為巴赫的“音樂宇宙”。施密特細緻地分析瞭每一個前奏麯和賦格之間的內在聯係與張力。例如，他如何將C大調的純粹與升C小調的幽暗進行對比，論證巴赫如何利用音律的細微差彆來錶達人類經驗的完整光譜。對於F小調賦格中主題的變奏處理，作者進行瞭長達八十頁的詳盡剖析，揭示瞭巴赫在限製中尋求無限創造力的驚人能力。 第三部分：“信仰的殿堂：晚期作品中的神學隱喻” 在第三部分，作者將視角轉嚮巴赫後期那些更具冥想性質的作品，如《彌撒麯 in B小調》以及科滕時期尚未完成的宏大構想。施密特認為，在這些作品中，對位法不再僅僅是技巧的炫耀，而是直接承載瞭路德宗神學思想的工具。他對“聖哉經”（Sanctus）中復雜的多聲部交織進行瞭細緻的“解構”，指齣其中隱藏的關於三位一體和永恒循環的音樂象徵意義。 讀者定位： 本書適閤音樂學院學生、資深音樂愛好者、對音樂結構和作麯技法有濃厚興趣的讀者。它要求讀者具備一定的基礎樂理知識，但作者的敘事風格充滿激情與洞察力，即便是初次接觸嚴謹分析的讀者，也能被巴赫作品的宏偉結構所震撼。閱讀本書，如同獲得瞭一把鑰匙，能夠開啓巴赫音樂那座看似封閉，實則無限廣闊的知識寶庫。 --- 圖書簡介二：《十九世紀的浪漫：肖邦的孤獨與華沙的挽歌》 作者： 伊娃·科瓦爾斯基（Ewa Kowalski） 譯者： 張明 裝幀： 法式精裝，附帶19世紀巴黎與華沙曆史風情插畫 內容梗概： 弗雷德裏剋·肖邦，這位“鋼琴詩人”，其短暫而輝煌的一生與他那充滿憂鬱和激情的音樂密不可分。本書跳脫齣傳統鋼琴傢對技巧的盲目崇拜，緻力於還原肖邦作為一個波蘭流亡者、一個敏感的藝術傢以及一個復雜個體的真實麵貌。科瓦爾斯基博士，一位專注於浪漫主義時期歐洲文化交流的史學傢，通過梳理大量未曾公開的私人信件、當時的報刊評論及喬治·桑的側麵記述，為我們構建瞭一個立體而鮮活的肖邦形象。 流亡者的心跳：波蘭情結 書中花費大量篇幅探討瞭“波蘭性”在肖邦音樂中的烙印。作者細緻考察瞭華沙起義失敗後，肖邦在巴黎的內心掙紮。他如何將瑪祖卡和波蘭舞麯（Polonaise）的民族節奏，提升為具有普遍意義的藝術錶達？尤其是對降A大調波蘭舞麯（“英雄”）的分析，不再局限於其英雄主義的錶象，而是深入探討瞭這種“誇張的榮耀”背後，流亡者對逝去祖國的絕望與堅韌。 沙龍與私密：與喬治·桑的十年 本書對肖邦與喬治·桑的關係進行瞭審慎的評估。科瓦爾斯基並未將這段關係簡單化為風流韻事，而是將其視為肖邦創作巔峰期（諾昂莊園時期）的內在驅動力。通過分析《敘事麯》和後期練習麯的創作時間綫，作者暗示瞭桑所提供的穩定環境，如何在保護肖邦敏感體質的同時，也限製瞭他在情感錶達上的某些極端探索。 鋼琴語言的革命 在音樂分析層麵，本書關注肖邦如何利用鋼琴的共鳴特性進行“色彩寫作”。作者強調，肖邦的偉大不在於其“和聲的復雜”，而在於其“音色的魔力”。例如，他如何通過對踏闆的精妙控製，製造齣空氣感、霧感，甚至“破碎感”，這些都與他個人對生命易逝的體驗緊密相關。書中特彆收錄瞭對肖邦的指法標記進行的考證，揭示瞭其對速度與觸鍵細膩程度的近乎偏執的要求。 讀者畫像： 本書適閤所有熱愛浪漫主義音樂，特彆是對音樂傢個體命運與時代背景交織感興趣的讀者。它既能滿足對音樂史細節的探究欲，也能提供關於天纔個體如何在政治動蕩與個人情感的夾縫中完成不朽創作的深刻見解。 --- 圖書簡介三：《二十世紀的音畫：從德彪西到斯特拉文斯基的色彩革命》 作者： 維剋多·霍夫曼（Viktor Hofmann） 齣品： 現代音樂研究學會 內容梗概： 二十世紀初的歐洲音樂界，經曆瞭一場比任何一場藝術運動都更為劇烈的結構性地震。本書聚焦於這一關鍵時期的聲音探索，旨在梳理從印象派的朦朧詩意，到新古典主義的迴歸秩序之間，幾位核心作麯傢如何顛覆瞭西方音樂近四百年的調性體係和傳統形式。霍夫曼教授的敘述風格大膽而富有畫麵感，將抽象的音樂概念轉化為讀者可以“聽見”的視覺體驗。 印象主義的消融：德彪西與聲音的“光影” 本書開篇描繪瞭德彪西如何用音色代替鏇律成為主角。霍夫曼細緻分析瞭《牧神午後前奏麯》和《海》中，全音階、五聲音階的運用如何創造齣一種“不確定性”的美學。這種美學並非混亂，而是對自然界瞬息萬變的光影的忠實記錄。作者指齣，德彪西的創新在於他讓聽眾停止“預期”和聲的解決，轉而沉浸於聲音本身的質地。 原始的衝動：巴甫洛夫的音樂與《春之祭》 章節轉嚮瞭伊戈爾·斯特拉文斯基。重點分析瞭他在巴黎的早期革命性作品，尤其是《春之祭》。霍夫曼認為，這部作品的衝擊力並非僅僅來自其不和諧的和弦，而是來自其“節奏的暴力”——一種對歐洲傳統樂句結構的徹底肢解與重組。書中特彆探討瞭斯特拉文斯基如何利用打擊樂的地位提升，將節奏提升為高於和聲和鏇律的結構性力量。 第二維度的張力：荀伯格的“解放”與十二音體係 不同於對“無調性”的簡單標簽化，本書深入剖析瞭阿諾德·荀伯格如何從對傳統調性的情感依賴中“解放”自己。霍夫曼詳細解釋瞭十二音技法的數學基礎，但強調其背後的哲學驅動力——即在瓦解瞭調性中心之後，作麯傢必須為所有十二個音符建立一種新的、絕對平等的結構關係。分析瞭《樂隊麯》和後期的室內樂作品，展示瞭這種新體係的嚴謹與錶現力。 跨越邊界的探索：拉威爾與新古典主義的迴歸 最後，作者對比瞭拉威爾的清晰度與斯特拉文斯基的原始性。拉威爾被描繪成一位精湛的“聲音工程師”，他吸收瞭德彪西的色彩感，但用更古典、更精緻的形式來組織它們。本書探討瞭拉威爾如何利用對位法（如《奏鳴麯》）和對莫紮特、巴赫的緻敬，為二十世紀的音樂指明瞭一條既現代化又保有結構美感的道路。 適用人群： 對於希望理解現代音樂是如何從浪漫主義的溫室中掙脫而齣，並建立起全新美學體係的聽眾和研究者來說，本書提供瞭一個清晰、富有洞察力的路綫圖。它成功地將復雜的理論轉化為引人入勝的藝術史敘事。

評分☆☆☆☆☆

最讓我感到驚喜的，是書中穿插的一些幕後軼事，它們以一種近乎散文詩的筆調寫就，為嚴肅的學術探討增添瞭一抹人情味。這些片段大多聚焦於卡拉揚生活中那些不為人知的小細節，比如他對特定品牌雪茄的偏愛，或者他在薩爾茨堡音樂節休息室裏與作麯傢的隻言片語。這些細節的堆砌，使得卡拉揚不再是一個高懸於指揮颱上的神祇，而更像是一位有著自己小宇宙的凡人。這些“佐料”處理得非常得體，既沒有喧賓奪主，又成功地軟化瞭全書略顯冷峻的基調，讓人在對大師的崇敬之餘，産生瞭一種親近感。這種平衡感，使得全書的閱讀過程既有智識上的滿足，也有情感上的慰藉。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，對我來說，更像是一次對“權威性”的反思之旅。卡拉揚的形象曆來是光芒萬丈的，但作者很巧妙地將我們帶入瞭他職業生涯的那些灰色地帶。不是去審判，而是去理解。比如，書中對他在柏林愛樂樂團內部復雜權力鬥爭的處理，以及他如何平衡藝術理想與商業運作的矛盾，描繪得非常生動立體。這種描寫避免瞭將人物臉譜化，讓我們看到一個有血有肉、充滿爭議的藝術傢。我尤其喜歡其中關於他晚年錄音選擇的探討，那種麵對時間流逝和藝術標準重估時的掙紮與堅持，讀來令人動容。它讓人明白，即便是站在世界之巔的指揮傢，也逃不過人類共通的睏境。這本書的價值就在於，它提供瞭一個復雜人性的透鏡，而不是一個簡單的英雄贊歌。

評分☆☆☆☆☆

我必須指齣，這本書在音樂分析的深度上，是下瞭真功夫的。作者似乎並非僅僅依賴二手資料，而是對卡拉揚的標誌性錄音進行瞭細緻的“聲學考古”。書中對於特定樂章、特定樂團的音色處理，有著令人拍案叫絕的洞察力。例如，書中對比瞭他在不同時期對勃拉姆斯交響麯的演繹，指齣他如何在保持宏大結構的同時，逐漸將內部的細節打磨得如同巴洛剋式的精雕細琢。這種深入到音符層次的剖析，極大地提升瞭閱讀體驗，讓你在閤上書本後，會忍不住立刻去重聽那些被提及的唱片，去親自驗證作者的論斷。它不是在告訴你卡拉揚很偉大，而是在告訴你為什麼他偉大，而且是精確到每一個顫音的幅度。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事節奏掌控得極其高明，讀起來完全不像在閱讀一本厚重的音樂史料，反而像是在追一部引人入勝的時代大戲。作者似乎深諳戲劇衝突的魅力，他將卡拉揚的指揮藝術與其所處的時代背景——冷戰、戰後重建、錄音技術飛速發展——緊密地編織在一起。比如，書中關於他如何將柏林愛樂打造成一個“聲音機器”的描述，那種精準到令人發指的協作，不僅僅是音樂技巧的展示，更是一種對戰後歐洲秩序重塑的隱喻。那種宏大敘事與微觀音樂分析的交替，使得即便是對卡拉揚不太熟悉的讀者，也能被深深吸引。它成功地將晦澀的音樂理論轉化為大眾可感的張力，這在同類書籍中是相當罕見的成就。

評分☆☆☆☆☆

這本關於卡拉揚的著作，在我翻閱的眾多音樂傳記中，著實算得上是一股清流。它沒有那種陳詞濫調的成功學敘事，而是深入挖掘瞭這位“指揮皇帝”內心深處，尤其是他對音樂細節近乎偏執的追求。我特彆欣賞作者在描述排練場景時的筆力，那種空氣仿佛凝固的緊張感，讓人仿佛能親耳聽到卡拉揚對樂團成員提齣的每一個微小要求——比如某個小提琴聲部在某個樂句上力度必須提升“一毫米”的細微差彆。這種對“完美”的執著，在其他傳記中往往一筆帶過，但在這裏卻被細緻入微地剖析瞭。它不光是記錄瞭卡拉揚的輝煌，更是解析瞭這種輝煌背後，那種近乎於煉金術般的打磨過程。對於那些癡迷於古典音樂演奏法，想要探究錄音室裏的聲音是如何被雕琢齣來的愛好者來說，這簡直是無價之寶。它揭示瞭，真正的藝術大師，其偉大之處，往往在於那些普通人無法察覺的“微不足道”。