正版 新编小提琴基础教程(第3册)(声像示范版)(附光盘1张) 上海音乐学院出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 上海音乐学院出版社
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• 第3册
• 新编
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806926352

商品编码：29867680939

丛书名： (声像示范版3)新编小提琴基础教程第3册

开本：16开

出版时间：2011-09-01

目录

1.教学内容25：各类分弓Several Types of Detache 

练习1—8 

2.教学内容26：各类顿弓Several Types of Martele 

练习9—16 

3.教学内容27：连分连顿弓法Mixed Bowing 

练习17—19 

4.教学内容28：换弦平面Exercises of Changing String Levels 

练习20—22 

乐曲片段 

5.教学内容29：手指训练Finger Exercise 

练习23—25 

乐曲片段 

6.教学内容30：减七和弦指法Fingering for Diminished Seven Chords 

练习26—27 

7.教学内容31：1—3—4指法Fingering Pattern for 1st，3rd＆4th Fingers 

练习28—31 

8.教学内容32：半音阶指法Fingerings for Chromatic Scale 

练习32—36 

9.教学内容33：颤音Trills 

练习37—40 

10.教学内容34：跳弓Spiccato 

练习41—45 

11.教学内容35：连顿弓Continued Staccato 

练习46—48 

12.教学内容36：飞跳弓Flying Staccato 

练习49—51 

乐曲片段 

13.教学内容37：和弦Chords 

练习52—56 

14.附录：弓法练习Bowing Exercises

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《弦上飞扬：当代小提琴演奏技巧与音乐表达精研》 面向中高级学习者、专业院校学生及资深音乐爱好者的权威指南 著者： [此处可填入知名小提琴教育家或演奏家的虚构姓名，例如：李文瀚 教授] 出版社： [此处可填入一所历史悠久、享有盛誉的音乐专业出版社的虚构名称，例如：金钟音乐文化发展中心] --- 内容概述：超越基础，直抵艺术殿堂 本书《弦上飞扬》并非对初级技巧的简单重复或线性推进，它是一部深度聚焦于中高级小提琴学习者在技术精进、音乐理解和个人风格构建方面所面临的核心挑战与解决方案的专著。我们认识到，在完成基础教程（如您提到的第3册）的学习后，学生进入了一个技术与艺术表达并重的关键阶段。本书旨在成为连接“学会拉琴”与“成为音乐家”之间的桥梁。 全书共分为五大部分，精心编排了三十个核心章节，并辅以大量的乐谱分析范例和独家演奏示范视频链接（不含实体光盘，所有资源均需通过本书提供的加密数字平台访问）。 --- 第一部分：精微的弓法革命 (The Refined Bow Control) 本部分深入剖析了传统弓法理论的局限性，并引入了当代演奏中对“声音颗粒感”和“音色色彩”的极致追求。 1.1 动态弓段的非线性控制： 探讨如何在高难度乐段中，实现如微风拂过般的PPP（极弱）与如雷鸣般的FFF（极强）之间的无缝过渡。重点分析了在不同弦位、不同速度下的“弓速-触弦点-弓压”三要素的动态平衡模型。 1.2 现代跳弓与连弓的融合艺术： 区别于基础教程中对基本跳弓（如柳特琴式跳弓）的教学，本章专注于多层次跳弓（Multi-level Spiccato）和快速断奏（Détaché Lancé）的控制。我们将详细解析如何在高把位、快板乐章中，保持跳弓的清晰度和活力而不失连贯性。 1.3 独家技术：共振弓法 (Resonance Bowing)： 一种基于物理学原理的弓法，旨在最大化琴弦的自然共振，尤其适用于巴赫无伴奏奏鸣曲中的长音处理，使得音色在保持穿透力的同时，拥有丰富的泛音色彩。 --- 第二部分：左手的高级指位与和声触角 (Advanced Left Hand Voicing and Harmony) 本部分将左手视为构建复杂音乐结构的关键工具，超越了音准的范畴，聚焦于如何在多声部音乐中凸显线条的独立性。 2.1 换把的“隐形”技术： 换把不应是听觉上的中断。本章详述了如何利用揉弦的瞬间衰减、弓毛的轻微抬起和手指的提前预位，实现超越传统“滑音”的平滑过渡，确保连续乐句的呼吸感。 2.2 揉弦的“调色板”： 揉弦不再是单一的速度和幅度。我们详细分析了不同作曲家（如勃拉姆斯、西贝柳斯）对揉弦密度的要求，以及如何根据乐曲的情感张力（如激昂、哀婉、沉思）实时调整揉弦的宽度与频率。特别收录了“慢速宽幅揉弦”在慢板乐章中的应用案例。 2.3 解决双音与和弦的精确性： 针对帕格尼尼和巴托克等对双音要求极高的作品，本章提供了一套系统性的练习方法，重点在于手指间的相对独立性训练，而非单纯的肌肉记忆。 --- 第三部分：演奏的文学性与心理学 (The Poetics and Psychology of Performance) 技术训练的终极目标是服务于音乐的表达。本部分探讨了音乐诠释的深度与舞台心理的调适。 3.1 乐句的叙事结构： 将乐谱视为一篇文学作品。分析如何构建乐句的“起承转合”，识别高潮点（Climax），并利用速度的微小变化（Rubato）来烘托叙事情绪。不再是机械地遵循拍子记号，而是赋予其内在的生命力。 3.2 风格的“语境”重建： 深入研究不同历史时期和地域风格的演奏惯例。例如：如何平衡维也纳古典乐派的清晰度与浪漫主义时期的激情；如何理解和运用东欧民间音乐对小提琴演奏的影响。 3.3 舞台表现与抗压训练： 提供专业的心理学工具，帮助演奏者应对演出焦虑。讨论如何将注意力从“我是否会出错”转移到“我要向听众传达什么”，构建强大的心理韧性。 --- 第四部分：精选曲目深度剖析（超越教程范畴） 本部分选取了五首具有里程碑意义的、通常在中级教程之后才会接触的核心曲目，进行逐段的、细致入微的解析。 莫扎特 D大调第三小提琴协奏曲 K.216：重点分析其第一乐章的歌唱性与精准的古典风格控制。 贝多芬 D大调浪漫曲 Op.28：探讨慢板乐章中线条的连贯性与情感的克制。 巴赫 恰空 (Chaconne) 选段分析：侧重于基于和声进行来组织旋律的逻辑，以及右手如何区分主旋律与低音声部的织体。 勃拉姆斯 降D大调匈牙利舞曲 No.5 (改编版)：着重于强烈的节奏驱动力和快速变奏中的音色控制。 布鲁赫g小调第一小提琴协奏曲（选段）：解析如何将浪漫主义的宏大情感融入到技术难度极高的段落中。 --- 第五部分：器乐维护与数字化时代的实践 本部分关注演奏者的长期发展与现代工具的应用。 5.1 琴弓的个性化选择与调整： 从羊毛到巴西木，从法式到德式，探讨不同弓杆材质、重量和马尾的特性如何影响演奏风格。教授如何根据自身条件微调琴弓的重心。 5.2 乐器的“对话”： 理解不同音色特性的提琴（如斯特拉迪瓦里、瓜奈里学派风格的复制琴）如何反作用于演奏者的弓法选择，以及如何最大化地开发手中乐器的潜力。 5.3 数字化资源整合与效率学习： 指导如何高效地利用在线高清演奏录音、历史文献扫描件，以及如何运用节拍器App和录音设备进行自我诊断和进步追踪，实现自我指导式学习。 --- 结语： 《弦上飞扬》以一种挑战性的姿态，旨在将学习者从机械的技巧执行者，提升为具有深刻理解力和独特声音的独立音乐诠释者。它要求学习者付出专注和批判性的思考，以迎接小提琴艺术更广阔、更深邃的领域。本书是为那些已经掌握了基本功，渴望在艺术高峰上留下自己印记的求索者而作。

评分☆☆☆☆☆

我最近在学习的这本关于电子音乐制作的参考书，风格非常前卫和技术导向，内容集中于声音设计（Sound Design）而非传统的乐理编曲。它几乎完全围绕着现代合成器的工作原理展开，包括了减法合成、加法合成、波表合成以及颗粒合成等多种核心技术。书中对于LFO（低频振荡器）、包络（Envelope）和滤波器的数学模型及实际应用给出了非常深入的讲解，图表和频谱分析图是标配。对于想要从“使用预设”进阶到“创造属于自己独特音色”的制作人而言，这本书是不可多得的宝典。它不会教你如何写一首流行歌曲的A-B-A结构，而是会告诉你，如何通过调整一个滤波器截止频率的微小变化，去模拟出雨滴坠落的声音，或者深海的低鸣。阅读过程中需要一定的电声学基础，但一旦掌握了其中的原理，你会发现你对任何数字音频工作站（DAW）里的合成器都能了如指掌，真正实现了从“演奏者”到“声音建筑师”的转变。

评分☆☆☆☆☆

这本关于管风琴演奏的指南，从一开始就给人一种庄严肃穆的感觉，它聚焦的并非是室内乐的小品，而是教堂和音乐厅中大型管风琴的演奏实践。内容上，它详尽地介绍了管风琴复杂的机械结构和音栓（Stop）系统的选择逻辑。这对于习惯了钢琴键盘的演奏者来说，是全新的知识体系。书中详细解释了不同音栓组合（如8尺、4尺、16尺的组合、使用簧片音栓时机）如何影响整体的音响效果和空间填充感，教会读者如何“绘制”声音的蓝图。更重要的是，它提供了大量的巴赫作品（如赋格和托卡塔）的演奏批注，这些批注是基于作者多年在欧洲著名教堂的演奏经验总结出来的，比如在特定的段落中如何利用不同键盘和踏板的切换来突出对位线条，避免声音的混浊。这本书更像是一本“现场实践手册”，而不是单纯的指法书，它教会你如何与一台宏伟的乐器进行“对话”。

评分☆☆☆☆☆

这本关于古典吉他的入门教材，简直是为我这种零基础的初学者量身定做的！从最基本的持琴姿势到指法练习，讲解得细致入微，图文并茂，即便是初次接触吉他的人也能很快上手。最让我惊喜的是，它并没有急于求成地堆砌复杂的乐理知识，而是循序渐进地引导你认识音符和节奏，每一步都有明确的练习目标。书里精选的练习曲目难度梯度设置得非常合理，像是漫步在一条平坦的小路上，每走一步都能感受到自己的进步，而不是一开始就面对陡峭的山峰让人望而却步。比如那些关于琶音的练习，它不仅给出了清晰的指位图，还特别强调了触弦的力度和均匀性，对于追求音色纯净的新手来说，这是至关重要的前期训练。而且，排版的设计也十分人性化，大开本的设计让我在练习时无需费力眯眼去看那些密密麻麻的五线谱和指法标记，阅读体验大大提升。总的来说，这本书打下了非常坚实的基础，让我对未来系统学习古典吉他充满了信心和期待。

评分☆☆☆☆☆

我手里这本关于爵士钢琴和声学的专著，简直就是为中级乐手打开了一扇通往更深层次音乐理解的大门。它没有停留于传统大小调的和声体系，而是大刀阔斧地将色彩和声、延伸音以及离调转调的技巧进行了系统梳理。作者的讲解方式非常注重逻辑性和实用性，他不仅仅是罗列和弦公式，更深入探讨了不同和弦在特定音乐风格（比如比波普和融合爵士）中的“情感倾向”和“功能作用”。我特别喜欢其中关于“三全音替代”和“属七和弦色彩化”的章节，讲解得极为透彻，配合书中大量的即兴示范乐句和和弦进行分析，让我立刻明白如何在自己的演奏中注入更丰富的变化和张力。唯一的“不足”（如果非要说的话）是，它要求读者对基础和声理论有一定的掌握，对于完全的新手可能略显吃力，但对于渴望突破瓶颈、想要让自己的即兴独奏听起来更“专业”、更“都市”的乐手来说，这本书的价值是无可估量的。它迫使我重新审视我过去听到的、弹奏的每一个和弦，充满了启发性。

评分☆☆☆☆☆

不得不提我最近淘到的这本关于中阮演奏技巧的教材，它的侧重点完全放在了民族乐器的特殊发音控制上，这一点非常宝贵。市面上很多民族乐器教材过于偏重曲目堆砌，而忽略了“手感”的细节。这本书的开篇部分，就花了很大篇幅讲解如何正确地使用右手拨片（如竹片或塑料片）与琴弦的接触角度和力度变化，以区分出“脆音”、“闷音”和“滑音”这几种核心的音色表现。书中对于左手的“按竹”和“绰注”等揉弦技巧，更是细致到了手腕和手指关节的配合度，配有高清的剖面图示，让抽象的力度描述变得具象化。我尝试按照书中的慢速示范练习，发现以往总是很生硬的颤音现在开始有了连贯的“气息感”。它清晰地表明，演奏中阮不仅仅是弹出正确的音高，更重要的是如何“塑造”音符的生命力。对于想在民族乐团中演奏或进行独奏的演奏者来说，这本书提供了扎实的“工匠精神”训练。