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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552300765

商品编码：29867705661

丛书名： 乐学原理释义

出版时间：2013-02-01

 

目录

第I章  基本概念
  一、古老文化群体之音乐定理
  二、音名与记谱
  三、时值和休止
  四、缩写与装饰
  五、速度、节奏及节拍
第二章  音程及音阶
  一、音响基本原理
  二、音级、全音和半音、变音记号、自然音阶、半音阶及和声音阶
  三、大小调音阶
  四、音程
  五、自然音程理论
  六、等音程和半音音程
  七、协和音程与不协和音程
  八、中古调式(教会调式)
  九、变种音阶
  十、新兴排列法
第三章  和声学基本概念
  一、三和弦
  二、调性
  三、不协和和弦
  四、调性扩展
  五、转调
  六、和声发展至今
  七、系统和声学
第四章  旋律学基本概念
  一、普通概念
  二、动机与主题
  三、旋律的发展
第五章  对位基本概念
  一、回顾历史
  二、多声记谱法
第六章  曲式基本概念
  一、概述
  二、方整性曲式
  三、展开性曲式
  四、现代乐曲形式
  五、大型器乐曲式
  六、声乐曲式
第七章  乐器法
  一、各种乐器在乐队中作用
  二、钢琴
  三、管风琴
  四、风琴及其他风箱乐器
  五、电声乐器
作业
第I章作业
第二章作业
第三章作业

内容推荐

《乐学原理释义》由德国骑熊士出版社原版引进。本书包括七章：基础、音程及音阶、和声、旋律、对位、曲式、乐器法。在书的末尾还附有每章的作业。阅读本书能快速学习到几乎所有的音乐基本理论，尤其适合学习音乐的专业音乐院校的学生使用。

作者简介

     赫尔曼·格拉布纳（HermannGrabner，德，1886.5—1969.7），享有崇高声誉的德奥知名作曲家、音乐理论家。早年就读于瑞士格拉茨音乐学院，主修小提琴和中提琴。毕业后赴莱比锡随里格（MaxReger）攻习作曲，1912年任里格的助教。翌年始在斯特拉斯堡音乐学院专职作曲理论教学。1919—1924年任教于曼海姆和海德堡两地音乐院校，教授作曲理论课程，同时创作了许多大型管弦乐作品，在室内乐、合唱及其他声乐体裁创作方面卓有建树。此外，他还写有一部歌剧、两首经文歌和多部管风琴音乐。格拉布纳重要的贡献是在各类音乐理论著述方面的杰出成就。其专著《功能和声》、《管风琴的制造》、《音乐作品鉴赏》等早已成为德、奥等国高等音乐院校必修教材。我们学习的这本《乐学原理释义》自1959—2001年已重版25次。本书译自1999年第21版。

 

 

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探寻声音的奥秘：现代和声学与作曲技法深度解析 一、导论：从听觉感知到结构构建 本书旨在为音乐学习者、作曲家以及对声音结构有浓厚兴趣的研究者，提供一个全面而深入的现代和声学与作曲技法学习框架。我们不拘泥于古典主义或浪漫主义时期既定的和声规则，而是着眼于二十世纪以来，音乐语言如何经历深刻的变革，以及这些变革如何塑造了当代的听觉体验。本书将从心理声学的基础出发，逐步过渡到复杂的功能和声分析，并最终指向非传统调性思维下的结构化创作实践。 （一）现代听觉心理学与音乐感知基础 在深入探讨具体和声进行之前，理解人脑如何处理和组织声音信息至关重要。本章将详细阐述基于听觉生理学的“音高知觉”理论，特别是“基频理论”和“和声泛音模式理论”在现代音乐语境下的适用性。我们将探讨“听觉场景分析”如何影响听众对密度高、色彩复杂的和弦的解析能力，以及“音响心理学”中对“和谐”与“不和谐”的相对性理解。这部分内容将为后续学习任何形式的调性、无调性或微音程音乐提供坚实的科学基础。 （二）二十世纪和声语言的断裂与重塑 古典和声学建立在严格的“功能性”之上，即属和弦对主和弦的倾向性。然而，进入二十世纪，随着德彪西、斯特拉文斯基等先驱的探索，这种功能性开始瓦解。 1. 印象主义的和声色彩化： 重点分析全音阶、五度圈和声、以及和弦的独立性运用。我们将解构德彪西如何利用和弦的音响特质而非其功能性来推动音乐织体，例如对平行五度与八度的合法化的讨论。 2. 无调性与十二音体系的逻辑： 深入阐述荀伯格如何构建“十二音序列”，并探讨其与传统调性思维在组织结构上的根本区别。我们将细致分析音组的转换、倒影与逆行等操作，以及这些操作如何替代了传统的主调关系来维持音乐的内在连贯性。 3. 新古典主义的回归与提炼： 分析巴赫和莫扎特的形式结构如何被引入到新的和声语汇中，例如普罗科菲耶夫和拉威尔的和声实践，探讨他们如何实现“清晰的轮廓”与“现代的音响”之间的平衡。 二、深化分析：非传统调性系统的构建与应用 本书的第二部分聚焦于超越传统十二平均律限制的创作领域，旨在提供一套系统性的分析和构建工具。 （一）音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）的严谨性 本章将全面介绍“音高集合理论”，这是理解无调性音乐，特别是韦伯恩和巴比特作品的必备工具。 1. 集合的定义与性质： 详细解释“零形式（Prime Form）”、“集合类（Set Class）”的概念，以及如何通过移位（Transposition, T）和转化（Inversion, I）来识别和声材料的内在联系。 2. 有序集合与无序集合的辨析： 在探讨序列音乐时，区分有序集合（序列）在时间轴上的展开与非有序集合（和弦）在垂直维度上的叠加，并分析它们在“组合性”上的差异。 3. 集合的组合与分解： 分析复杂和弦如何分解为更小的、具有内在关系的音高集合，以及如何在一部作品中追踪这些基本单元的“组合（Combination）”与“分割（Partition）”。 （二）等音程调式与多调性（Polytonality） 1. 等音程调式（Equal-Interval Scales）： 聚焦于五度音阶、四度音阶（如全音阶）的结构特性。分析在这些调式中，传统调性功能如何被“模态功能（Modal Function）”所取代，以及如何利用这些音阶构建出具有高度对称性的和声进行。 2. 多调性的结构化： 探讨多调性不仅仅是简单叠加，而是不同调性中心之间张力的构建。我们将分析巴托克和达律士·米约的作品，研究他们如何通过“非功能性”的调性并置，来创造出独特的空间感和运动感。 三、当代作曲技法与织体设计 本部分将创作理论与实际的配器和织体设计相结合，带领读者进入更广阔的声音疆域。 （一）节奏与韵律的非线性处理 现代作曲家往往不再依赖稳定的节拍框架。本章将分析： 1. 复节奏（Polyrhythm）与复合节拍（Compound Meter）的深化应用： 探讨如何利用复杂的分母/分子比率创造出“非周期性”的韵律流动。 2. 时间域的弹性控制： 分析“阿美特律（Ametrical）”写作中，如何通过节奏音值的精确控制而非传统的小节线来组织音乐的宏观结构。 （二）音色作为结构要素（Timbre as Structure） 在许多二十世纪中叶以后的音乐中，“音色”本身成为了组织音乐材料的核心。 1. 声部密度与空间化： 分析“声部写作（Part-Writing）”如何从传统意义上的线条独立性，演变为对空间声场和声音密度的控制。 2. “音块”与“声音场域”： 借鉴利盖蒂的微观复调概念，探讨如何通过大量、密集的音高集合的缓慢演变，形成具有流动感和模糊边界的“音块（Sound Mass）”，以及如何运用配器法来实现声音的扩散与聚焦。 （三）电子音乐与空间化处理的启发 虽然本书主要关注传统乐器上的记谱创作，但我们不能忽略电子音乐对声音处理带来的革命性影响。本章将简要探讨“滤波”、“混响”等效果如何被引入到传统作曲思维中，以期在声学上模拟出更为丰富的声场效果，例如对声音的“时间性拉伸”和“空间维度重构”。 总结：开放性的未来视角 本书的最终目标是培养学习者批判性地聆听和建构音乐的能力。我们提供的工具和分析框架，是为了使学习者能够理解过去一百年的音乐实验成果，并在此基础上，发展出属于自己的、具有内在逻辑的音乐语言。音乐的未来不在于遵循或反叛任何既有体系，而在于对声音本质的持续探索和对结构逻辑的深刻洞察。

评分☆☆☆☆☆

我最近正在为准备一个重要的音乐考试而焦头烂额，手头上的参考资料五花八门，内容上常常互相矛盾，让我感到非常混乱。直到我偶然接触到这本教材，情况才有了显著的改观。这本书的叙述风格极其精准和克制，每一个定义都经过了反复推敲，力求做到滴水不漏。我特别喜欢它在阐释一些复杂乐理现象时所采用的类比和图示方法，那些复杂的数学关系和听觉体验被拆解成了易于理解的模块。例如，在讲解调式和转调的原理时，作者没有停留在简单的音阶排列，而是深入剖析了它们在不同历史时期和不同风格音乐中的实际应用效果，这使得理论学习不再是空中楼阁，而是有了鲜活的生命力。这本书的排版也体现了一种极高的专业素养，字体选择大气稳重，重点内容加粗或用不同颜色标注，极大地提高了阅读效率。对于希望系统性、深入性地掌握乐理知识的进阶学习者来说，这本书提供了一个非常可靠且高标准的参照系。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对传统音乐教育方式有些抵触的人，总觉得那些老旧的教科书总是带着一种不容置疑的权威感，让人不敢质疑。然而，这本书的出现，让我对乐理学习产生了新的热情。它的语言非常现代化，充满了鼓励探索的精神。它似乎在不断地提醒读者：“音乐是活的，理论是为人服务的。”我发现书中有很多关于现代和声以及对位法一些新颖的解读，这些内容在其他标准教材中往往一带而过，但在这里却得到了细致的展开和讨论。作者在某些关键点的论述中，甚至会引入一些哲学性的思考，引导读者去思考“为什么是这样”，而不是仅仅记住“是什么”。这对于培养独立的音乐思维至关重要。这本书的价值在于，它不仅传授知识，更塑造了一种批判性、探索性的学习态度，让学习乐理的过程变成了一场智力上的冒险。

评分☆☆☆☆☆

这部书的封面设计给我留下了深刻的印象，那种沉稳又不失活泼的色彩搭配，恰到好处地传达了一种严谨又不失亲和力的学习氛围。我本来还担心乐理知识会枯燥乏味，但翻开目录后，发现作者在编排结构上花了很大的心思。它不像有些教材那样堆砌概念，而是力图构建一个清晰的知识脉络。我注意到章节之间的逻辑衔接非常顺畅，从最基础的音高、节奏概念引入，逐步过渡到和声进行和曲式分析，这种循序渐进的方式对于初学者来说无疑是巨大的福音。尤其让我赞赏的是，书中似乎很注重理论与实践的结合，我看到了一些鼓励读者动手去演奏和听辨的练习提示，这远比死记硬背公式有效得多。整体而言，这本书给我的感觉是：它不仅仅是一本工具书，更像是一位耐心且经验丰富的老师，温柔地引导你进入音乐世界的殿堂。如果能配上更多的音频示例或互动练习，那就更完美了，但就目前纸质呈现来看，其扎实的学术基础和清晰的表达方式，已经使其在众多教材中脱颖而出，值得推荐给所有对音乐有认真学习意愿的人。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余作曲爱好者，我最需要的是能够迅速将理论转化为创作灵感的资源。很多理论书教出来的东西，感觉就像是学术论文，写出来的音乐也僵硬无比。而这本教材给我的感觉是，它更贴近实际的音乐创作场景。书中对于音乐形式分析的部分，处理得非常巧妙，它没有把曲式当作死的模版来套用，而是展示了不同作曲家如何在遵循基本规则的同时，进行大胆的创新和突破。这对我启发极大。我看到很多关于配器法和织体变化的小技巧被自然地融入到基础乐理的讲解之中，这种跨学科的融合，让学习过程充满了新鲜感和实用性。它鼓励我们去倾听、去感受音乐的流动性，而不是仅仅停留在符号的层面。我感觉这本书提供给我的，不是一套束缚，而是一套更精良的工具箱，让我能够更自由、更有效地构建我脑海中的旋律和和声。

评分☆☆☆☆☆

我通常是通过自学来提高自己的乐理水平，市面上很多自学书籍要么过于简略，根本无法解决实际应用中的问题，要么就是冗长到让人望而却步，总感觉找不到一个平衡点。这本教材在这一点上做得非常出色。它的内容组织结构非常合理，既保证了必要的深度和广度，又在每一个知识点后都安排了适量的习题和反思环节。更重要的是，它似乎非常理解自学者在学习过程中会遇到的“卡壳”点——那些需要有人从旁点拨的模糊地带。我发现在处理到一些关于记谱法和速度标记的细微差别时，书中给出的解释清晰得令人茅塞顿开，解决了困扰我很久的小疑惑。这本书的“释义”部分做得尤其到位，它不仅仅是文字的翻译，更是对概念背后音乐逻辑的透彻阐述。可以说，它成功地扮演了一个全天候在线的私人导师角色。