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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805534688

商品编码：29867707570

丛书名： 音乐

开本：16开

出版时间：2012-08-01

• 版 次：3
• 页 数：373
• 字 数：
• 印刷时间：2005-6-1
• 开 本：
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：
• 包 装：平装

 

 

 

目录 说明
乐理 视唱 练耳
    一课 儿童歌曲的旋律构成与进行
第二课 儿童歌曲的主题乐句
第三课 儿童歌曲的曲式结构（一）
第四课 儿童歌曲的曲式结构（二）
第五课 儿童歌曲的曲式结构（三）
第六课 儿童歌曲的旋律发展手法（一）
第七课 儿童歌曲的旋律发展手法（二）
第八课 儿童歌曲的旋律发展手法（三）
第九课 儿童歌曲的旋律发展手法（四）
第十课 儿童歌曲的旋律发展手法（五）
第十一课 儿童歌曲的高潮
第十二课 儿童歌曲的前奏、间奏及尾声
第十三课 儿童歌曲实例分析  

 

 

内容推荐 本教材的编写指导思想是：
遵循“教育面向现代化，面向世界，面向未来”的战略思路，全面贯彻党的教育方针。通过音乐教学和音乐艺术形象的感染，激发学生学习音乐的兴趣和积极性；提高学生音乐文化的素质；陶冶学习的情操；培养学生正确的审美观和创新能力；让学生掌握从事小学教育所必需的音乐基础知识的基本技能。
本教材的编写特点是：
1、教材按分课时的形式，采取单元综合教学进行编写。既有各项内容纵向顺序，又有各项内容间的横向联系，将知识点、技能训练和各种能力培养有机地结合，相互渗透，争取在有限的教学时间内获得**的效益。
2、立足于学生的发展。教材中设有《思考与练习》，启发学生学会探索，通过听觉、演唱、演奏、指挥、创造、分析、评论等音乐实践活动，培养学生自学能力、创新能力，有益于学生的未来。
3、力求精简。教材注重思想性、艺术性和趣味性，并具有**的可教性和可唱性。便于教师挖掘教材的内涵，充分发挥艺术的感染力，提高学生审美和创造美的能力。
4、重视职业培训。教材编写中有计划地渗透小学音乐教育观念和教学方法，让学生在学的过程中，随着自身音乐素质的提高，也能掌握音乐教育观念和小学音乐教学方法。  

 

《西方音乐史概览：从巴洛克到浪漫主义的辉煌篇章》 本书简介 本书旨在为音乐爱好者、非音乐专业学生以及对西方音乐文化感兴趣的读者，提供一部系统、深入且富有洞察力的西方音乐史导论。我们避免了晦涩的专业术语堆砌，而是以生动的叙事方式，带领读者穿越时空，领略自巴洛克时期至浪漫主义晚期近三百年间，西方音乐从萌芽、确立到巅峰的辉煌历程。本书重点关注不同历史阶段的音乐风格特征、重要的作曲家及其代表作品，以及这些音乐现象背后的社会、文化和哲学背景。 第一部分：巴洛克时期的宏伟基石 (约 1600-1750) 巴洛克时期是西方音乐史上一个决定性的转折点。它标志着“固定音高系统”的最终确立，以及情感表达（Affekt）理论的兴盛。本部分将详细解析巴洛克音乐的几个核心要素。 一、歌剧的诞生与早期发展： 从佛罗伦萨的“美第奇家庭聚会”到蒙特威尔第的《奥尔费奥》，我们将探讨歌剧如何从试图复兴古希腊戏剧的尝试，发展成为一种结合了戏剧、音乐与舞台艺术的综合体。重点分析宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的结构差异及其功能。 二、器乐的崛起与体裁的成熟： 巴赫和亨德尔的时代，奏鸣曲、协奏曲（特别是大协奏曲 Concerto Grosso）和组曲（Suite）等器乐体裁得到了空前的完善。我们将深入剖析赋格（Fugue）的严谨对位结构，探讨巴赫《平均律钢琴曲集》对键盘音乐发展的重要意义。此外，对维瓦尔第的“四季”进行音乐分析，阐释其标题音乐的雏形。 三、风格特征与装饰艺术： 巴洛克音乐的标志性特征——“通奏低音”（Basso Continuo）的运作方式，以及装饰音的运用如何服务于情感的增强和织体的丰满，将是本部分探讨的重点。 第二部分：古典主义的清晰与和谐 (约 1750-1820) 随着启蒙运动的兴起，音乐审美开始追求清晰、平衡、对称和普适的“自然之美”，这催生了古典主义风格。 一、奏鸣曲式的确立与核心地位： 本部分将用大量图表和实例，详细拆解奏鸣曲式（呈示部、再现部、呈示部）的内在逻辑和戏剧性冲突的解决过程。我们将展示海顿如何被称为“交响曲之父”，以及他如何在形式上巩固了这一体裁的规范。 二、交响曲与室内乐的黄金时代： 莫扎特将古典主义的优雅与深刻的情感完美融合。我们将对比分析莫扎特晚期交响曲的精妙配器，以及他与海顿在四重奏（String Quartet）发展中的贡献。室内乐如何成为音乐家之间私密交流的媒介，区别于宏大的公共音乐会。 三、贝多芬：连接古典与浪漫的桥梁： 贝多芬的工作标志着个人意志和英雄主义主题在音乐中的前所未有的突出。我们不仅研究他早期的古典风格，更着重分析其“中期英雄风格”（如《第三交响曲“英雄”》）中，如何通过拓展奏鸣曲式和增加乐章的长度与深度，为浪漫主义开辟了道路。 第三部分：浪漫主义的激情与个性 (约 1820-1910) 浪漫主义时期，音乐不再仅仅是形式的完美展现，而成为了表达个人情感、想象力、民族精神乃至超自然幻想的强大工具。 一、个体情感的抒发与小型体裁的繁荣： 舒伯特、舒曼和肖邦代表了浪漫主义早期对“艺术歌曲”（Lied）和钢琴独奏曲的极致探索。我们将分析艺术歌曲中诗歌与旋律的完美结合（如舒伯特的“水车旁的磨坊少女”），以及肖邦如何将民族特性（波兰舞曲、玛祖卡）融入高度精致的钢琴作品中。 二、标题音乐的兴起与管弦乐队的扩张： 随着中产阶级听众的扩大，明确的叙事性音乐需求增加。李斯特开创的“交响诗”（Symphonic Poem）如何取代了传统协奏曲的结构，成为叙事音乐的主流。同时，瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）理论及其对歌剧改革的尝试（如《尼伯龙根的指环》）将作为重点剖析对象。 三、民族主义的觉醒： 在德奥音乐占据主导地位的同时，各国有识之士开始挖掘本民族的民间音乐元素。柴可夫斯基、德沃夏克和斯美塔那等作曲家如何巧妙地将民间调式、节奏和传说融入宏大的交响音乐中，构建具有强烈地域色彩的音乐语言，将是本章的精彩内容。 四、晚期浪漫主义的极致与界限探索： 勃拉姆斯对古典传统的继承与发展，以及马勒对人类存在的终极追问，标志着浪漫主义精神的登峰造极。马勒的交响曲如何融合人声与管弦乐，试图囊括整个宇宙的经验，展现了浪漫主义音乐对极限的不断挑战。 结论：走向现代的阴影与回响 本书在对浪漫主义晚期作曲家如理查·施特劳斯和德彪西（印象主义的先声）的简要介绍中结束，指出这些晚期探索如何在不经意间，为二十世纪音乐的彻底变革埋下了伏笔。 本书特色： 1. 结构清晰的历史脉络： 严格按照时间顺序梳理，方便读者建立整体认知框架。 2. 避免技术性深陷： 对于乐理术语的运用保持克制，主要服务于风格的解释，而非纯粹的技法分析。 3. 文化背景的融入： 强调音乐作品与其所处时代社会思潮、哲学运动之间的互动关系。 本书是您理解西方古典音乐发展脉络的理想入门读物，它将帮助您欣赏音乐不仅仅是声音的排列，更是人类精神史中一段激动人心的旅程。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的实用性超出了我的预期。很多乐理书，读起来就像是在啃一本枯燥的数学公式集，让人望而却步。但这本书不一样，它简直就像是一位耐心的导师，手把手地引导你进入音乐的殿堂。特别是它在练习题的设计上，简直是天才之作。这些练习不是那种简单的机械重复，而是充满了设计感，能够有效地检验你对知识的真正掌握程度，而不是死记硬背。比如说，关于节奏型和节拍感的训练部分，它设计了一些非常贴近实际演奏场景的复杂交错节奏，这对于我们未来进行合唱或器乐排练指导至关重要。我尝试着按照书中的提示，将那些原本觉得晦涩难懂的理论知识，应用到我正在编配的一首小品中，效果立竿见影。原本卡壳的地方豁然开朗，整个作品的织体瞬间变得立体而丰满起来。这本书没有把我们当成纯粹的消费者，而是当作未来的教育者来培养，这一点从它的深度和广度中就能体现出来，它培养的是一种结构性的思维能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容编排上，逻辑跳转的处理非常巧妙，体现了极高的教学智慧。很多教材在章节衔接处往往会生硬地“换挡”，让读者感到突兀和迷失。然而，这本教程似乎深谙“循序渐进”的艺术。它总能找到一个完美的桥梁，将前一章的知识点自然而然地延伸到下一章的核心内容中去。例如，在讲完基础的四部和声之后，它不是立刻跳到复杂的转位和弦上，而是先用一整章的篇幅，深入讲解了和声在不同历史时期（如巴洛克与浪漫主义）的“语境化”应用，这让理论学习立刻拥有了鲜活的时代背景。这种处理方式，极大地降低了初学者的畏难情绪，同时也为高阶学习打下了坚实的情感和理解基础。它教会的不仅仅是规则，更是规则背后的“音乐精神”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量，也体现了出版方的用心。作为一本高频使用的教材，耐用性是必须考虑的因素。这本书的装订非常结实，即使我每天都翻阅好几次，重点部分还要反复涂画、折角，它依然保持着挺括的姿态，没有出现散页的现象。纸张的厚度适中，墨水的清晰度极佳，即便是印刷精美的五线谱和复杂的和弦图示，也丝毫没有重影或模糊的情况，这对阅读体验来说至关重要，毕竟乐谱上的任何一个细微错误都可能导致理解的偏差。我个人对教材的“触感”很看重，这本书拿在手里有一种沉甸甸的可靠感，这让我每次翻开它时，都感觉自己正在接触一份严谨、可靠的知识体系。这种对细节的关注，是专业出版物区别于普通书籍的关键所在，它让学习过程本身也成为了一种享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在是太吸引人了，那种沉稳的蓝色调，配上简洁的字体，一看就知道是精心打磨过的专业教材。我拿到手的时候，立刻被它散发出的那种学术气息所吸引。作为一名音乐专业的学生，我深知一本好的乐理教材的重要性，它不仅仅是考试的工具，更是我们理解和创作音乐的基石。这本书的排版清晰流畅，即便是面对复杂的和声进行和曲式分析，也能让人一目了然。那些理论概念的阐述，没有丝毫的堆砌和冗余，每一个定义、每一个公式，都像是经过了精密的计算，直击要害。我特别喜欢它在引入新概念时，总会穿插一些古典乐派大师的经典范例，这种将抽象理论与具体音乐实践相结合的方式，极大地提升了我的学习兴趣。比如，讲解到调式转换时，书中引用的巴赫的赋格片段，那种逻辑上的严谨性和音乐上的美感，让人在理解理论的同时，也接受了一次高水平的音乐熏陶。相比我之前用的几本教材，这本书的深度和广度都更胜一筹，它不仅仅停留在“是什么”的层面，更深入到“为什么是这样”的逻辑探究，非常适合我们这种需要进行深入研究的师范生。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在处理“应用”层面的开放性。许多传统的乐理教材，似乎预设了一个标准答案，要求学习者严格遵守某个时期的规范。但这本书，尤其是后半部分关于配器和织体设计的部分，展现出了非常现代和包容的视野。它不仅系统地梳理了古典配器的法则，还引入了对二十世纪乃至当代音乐织体复杂性的探讨，甚至涉及到了爵士乐和流行音乐中的一些和声色彩处理手法。这对于我们这些未来需要面对多元化音乐需求的师范生来说，是极其宝贵的财富。它没有把乐理变成一个封闭的体系，而是把它视为一个不断演进的语言工具。阅读这些章节时，我感觉自己不再是单纯的“学生”，而更像是一个正在探索音乐边界的研究者，这极大地激发了我对未来音乐创作的无限遐想和实践动力。