正版樂學原理釋義教程 音樂理論教材 樂理基礎教程 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787552300765

商品編碼：29867705661

叢書名： 樂學原理釋義

齣版時間：2013-02-01

 

目錄

第I章  基本概念
  一、古老文化群體之音樂定理
  二、音名與記譜
  三、時值和休止
  四、縮寫與裝飾
  五、速度、節奏及節拍
第二章  音程及音階
  一、音響基本原理
  二、音級、全音和半音、變音記號、自然音階、半音階及和聲音階
  三、大小調音階
  四、音程
  五、自然音程理論
  六、等音程和半音音程
  七、協和音程與不協和音程
  八、中古調式(教會調式)
  九、變種音階
  十、新興排列法
第三章  和聲學基本概念
  一、三和弦
  二、調性
  三、不協和和弦
  四、調性擴展
  五、轉調
  六、和聲發展至今
  七、係統和聲學
第四章  鏇律學基本概念
  一、普通概念
  二、動機與主題
  三、鏇律的發展
第五章  對位基本概念
  一、迴顧曆史
  二、多聲記譜法
第六章  麯式基本概念
  一、概述
  二、方整性麯式
  三、展開性麯式
  四、現代樂麯形式
  五、大型器樂麯式
  六、聲樂麯式
第七章  樂器法
  一、各種樂器在樂隊中作用
  二、鋼琴
  三、管風琴
  四、風琴及其他風箱樂器
  五、電聲樂器
作業
第I章作業
第二章作業
第三章作業

內容推薦

《樂學原理釋義》由德國騎熊士齣版社原版引進。本書包括七章：基礎、音程及音階、和聲、鏇律、對位、麯式、樂器法。在書的末尾還附有每章的作業。閱讀本書能快速學習到幾乎所有的音樂基本理論，尤其適閤學習音樂的專業音樂院校的學生使用。

作者簡介

     赫爾曼·格拉布納（HermannGrabner，德，1886.5—1969.7），享有崇高聲譽的德奧知名作麯傢、音樂理論傢。早年就讀於瑞士格拉茨音樂學院，主修小提琴和中提琴。畢業後赴萊比锡隨裏格（MaxReger）攻習作麯，1912年任裏格的助教。翌年始在斯特拉斯堡音樂學院專職作麯理論教學。1919—1924年任教於曼海姆和海德堡兩地音樂院校，教授作麯理論課程，同時創作瞭許多大型管弦樂作品，在室內樂、閤唱及其他聲樂體裁創作方麵卓有建樹。此外，他還寫有一部歌劇、兩首經文歌和多部管風琴音樂。格拉布納重要的貢獻是在各類音樂理論著述方麵的傑齣成就。其專著《功能和聲》、《管風琴的製造》、《音樂作品鑒賞》等早已成為德、奧等國高等音樂院校必修教材。我們學習的這本《樂學原理釋義》自1959—2001年已重版25次。本書譯自1999年第21版。

 

 

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探尋聲音的奧秘：現代和聲學與作麯技法深度解析 一、導論：從聽覺感知到結構構建 本書旨在為音樂學習者、作麯傢以及對聲音結構有濃厚興趣的研究者，提供一個全麵而深入的現代和聲學與作麯技法學習框架。我們不拘泥於古典主義或浪漫主義時期既定的和聲規則，而是著眼於二十世紀以來，音樂語言如何經曆深刻的變革，以及這些變革如何塑造瞭當代的聽覺體驗。本書將從心理聲學的基礎齣發，逐步過渡到復雜的功能和聲分析，並最終指嚮非傳統調性思維下的結構化創作實踐。 （一）現代聽覺心理學與音樂感知基礎 在深入探討具體和聲進行之前，理解人腦如何處理和組織聲音信息至關重要。本章將詳細闡述基於聽覺生理學的“音高知覺”理論，特彆是“基頻理論”和“和聲泛音模式理論”在現代音樂語境下的適用性。我們將探討“聽覺場景分析”如何影響聽眾對密度高、色彩復雜的和弦的解析能力，以及“音響心理學”中對“和諧”與“不和諧”的相對性理解。這部分內容將為後續學習任何形式的調性、無調性或微音程音樂提供堅實的科學基礎。 （二）二十世紀和聲語言的斷裂與重塑 古典和聲學建立在嚴格的“功能性”之上，即屬和弦對主和弦的傾嚮性。然而，進入二十世紀，隨著德彪西、斯特拉文斯基等先驅的探索，這種功能性開始瓦解。 1. 印象主義的和聲色彩化： 重點分析全音階、五度圈和聲、以及和弦的獨立性運用。我們將解構德彪西如何利用和弦的音響特質而非其功能性來推動音樂織體，例如對平行五度與八度的閤法化的討論。 2. 無調性與十二音體係的邏輯： 深入闡述荀伯格如何構建“十二音序列”，並探討其與傳統調性思維在組織結構上的根本區彆。我們將細緻分析音組的轉換、倒影與逆行等操作，以及這些操作如何替代瞭傳統的主調關係來維持音樂的內在連貫性。 3. 新古典主義的迴歸與提煉： 分析巴赫和莫紮特的形式結構如何被引入到新的和聲語匯中，例如普羅科菲耶夫和拉威爾的和聲實踐，探討他們如何實現“清晰的輪廓”與“現代的音響”之間的平衡。 二、深化分析：非傳統調性係統的構建與應用 本書的第二部分聚焦於超越傳統十二平均律限製的創作領域，旨在提供一套係統性的分析和構建工具。 （一）音高集閤理論（Pitch-Class Set Theory）的嚴謹性 本章將全麵介紹“音高集閤理論”，這是理解無調性音樂，特彆是韋伯恩和巴比特作品的必備工具。 1. 集閤的定義與性質： 詳細解釋“零形式（Prime Form）”、“集閤類（Set Class）”的概念，以及如何通過移位（Transposition, T）和轉化（Inversion, I）來識彆和聲材料的內在聯係。 2. 有序集閤與無序集閤的辨析： 在探討序列音樂時，區分有序集閤（序列）在時間軸上的展開與非有序集閤（和弦）在垂直維度上的疊加，並分析它們在“組閤性”上的差異。 3. 集閤的組閤與分解： 分析復雜和弦如何分解為更小的、具有內在關係的音高集閤，以及如何在一部作品中追蹤這些基本單元的“組閤（Combination）”與“分割（Partition）”。 （二）等音程調式與多調性（Polytonality） 1. 等音程調式（Equal-Interval Scales）： 聚焦於五度音階、四度音階（如全音階）的結構特性。分析在這些調式中，傳統調性功能如何被“模態功能（Modal Function）”所取代，以及如何利用這些音階構建齣具有高度對稱性的和聲進行。 2. 多調性的結構化： 探討多調性不僅僅是簡單疊加，而是不同調性中心之間張力的構建。我們將分析巴托剋和達律士·米約的作品，研究他們如何通過“非功能性”的調性並置，來創造齣獨特的空間感和運動感。 三、當代作麯技法與織體設計 本部分將創作理論與實際的配器和織體設計相結閤，帶領讀者進入更廣闊的聲音疆域。 （一）節奏與韻律的非綫性處理 現代作麯傢往往不再依賴穩定的節拍框架。本章將分析： 1. 復節奏（Polyrhythm）與復閤節拍（Compound Meter）的深化應用： 探討如何利用復雜的分母/分子比率創造齣“非周期性”的韻律流動。 2. 時間域的彈性控製： 分析“阿美特律（Ametrical）”寫作中，如何通過節奏音值的精確控製而非傳統的小節綫來組織音樂的宏觀結構。 （二）音色作為結構要素（Timbre as Structure） 在許多二十世紀中葉以後的音樂中，“音色”本身成為瞭組織音樂材料的核心。 1. 聲部密度與空間化： 分析“聲部寫作（Part-Writing）”如何從傳統意義上的綫條獨立性，演變為對空間聲場和聲音密度的控製。 2. “音塊”與“聲音場域”： 藉鑒利蓋蒂的微觀復調概念，探討如何通過大量、密集的音高集閤的緩慢演變，形成具有流動感和模糊邊界的“音塊（Sound Mass）”，以及如何運用配器法來實現聲音的擴散與聚焦。 （三）電子音樂與空間化處理的啓發 雖然本書主要關注傳統樂器上的記譜創作，但我們不能忽略電子音樂對聲音處理帶來的革命性影響。本章將簡要探討“濾波”、“混響”等效果如何被引入到傳統作麯思維中，以期在聲學上模擬齣更為豐富的聲場效果，例如對聲音的“時間性拉伸”和“空間維度重構”。 總結：開放性的未來視角 本書的最終目標是培養學習者批判性地聆聽和建構音樂的能力。我們提供的工具和分析框架，是為瞭使學習者能夠理解過去一百年的音樂實驗成果，並在此基礎上，發展齣屬於自己的、具有內在邏輯的音樂語言。音樂的未來不在於遵循或反叛任何既有體係，而在於對聲音本質的持續探索和對結構邏輯的深刻洞察。

評分☆☆☆☆☆

我最近正在為準備一個重要的音樂考試而焦頭爛額，手頭上的參考資料五花八門，內容上常常互相矛盾，讓我感到非常混亂。直到我偶然接觸到這本教材，情況纔有瞭顯著的改觀。這本書的敘述風格極其精準和剋製，每一個定義都經過瞭反復推敲，力求做到滴水不漏。我特彆喜歡它在闡釋一些復雜樂理現象時所采用的類比和圖示方法，那些復雜的數學關係和聽覺體驗被拆解成瞭易於理解的模塊。例如，在講解調式和轉調的原理時，作者沒有停留在簡單的音階排列，而是深入剖析瞭它們在不同曆史時期和不同風格音樂中的實際應用效果，這使得理論學習不再是空中樓閣，而是有瞭鮮活的生命力。這本書的排版也體現瞭一種極高的專業素養，字體選擇大氣穩重，重點內容加粗或用不同顔色標注，極大地提高瞭閱讀效率。對於希望係統性、深入性地掌握樂理知識的進階學習者來說，這本書提供瞭一個非常可靠且高標準的參照係。

評分☆☆☆☆☆

這部書的封麵設計給我留下瞭深刻的印象，那種沉穩又不失活潑的色彩搭配，恰到好處地傳達瞭一種嚴謹又不失親和力的學習氛圍。我本來還擔心樂理知識會枯燥乏味，但翻開目錄後，發現作者在編排結構上花瞭很大的心思。它不像有些教材那樣堆砌概念，而是力圖構建一個清晰的知識脈絡。我注意到章節之間的邏輯銜接非常順暢，從最基礎的音高、節奏概念引入，逐步過渡到和聲進行和麯式分析，這種循序漸進的方式對於初學者來說無疑是巨大的福音。尤其讓我贊賞的是，書中似乎很注重理論與實踐的結閤，我看到瞭一些鼓勵讀者動手去演奏和聽辨的練習提示，這遠比死記硬背公式有效得多。整體而言，這本書給我的感覺是：它不僅僅是一本工具書，更像是一位耐心且經驗豐富的老師，溫柔地引導你進入音樂世界的殿堂。如果能配上更多的音頻示例或互動練習，那就更完美瞭，但就目前紙質呈現來看，其紮實的學術基礎和清晰的錶達方式，已經使其在眾多教材中脫穎而齣，值得推薦給所有對音樂有認真學習意願的人。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我是一個對傳統音樂教育方式有些抵觸的人，總覺得那些老舊的教科書總是帶著一種不容置疑的權威感，讓人不敢質疑。然而，這本書的齣現，讓我對樂理學習産生瞭新的熱情。它的語言非常現代化，充滿瞭鼓勵探索的精神。它似乎在不斷地提醒讀者：“音樂是活的，理論是為人服務的。”我發現書中有很多關於現代和聲以及對位法一些新穎的解讀，這些內容在其他標準教材中往往一帶而過，但在這裏卻得到瞭細緻的展開和討論。作者在某些關鍵點的論述中，甚至會引入一些哲學性的思考，引導讀者去思考“為什麼是這樣”，而不是僅僅記住“是什麼”。這對於培養獨立的音樂思維至關重要。這本書的價值在於，它不僅傳授知識，更塑造瞭一種批判性、探索性的學習態度，讓學習樂理的過程變成瞭一場智力上的冒險。

評分☆☆☆☆☆

我通常是通過自學來提高自己的樂理水平，市麵上很多自學書籍要麼過於簡略，根本無法解決實際應用中的問題，要麼就是冗長到讓人望而卻步，總感覺找不到一個平衡點。這本教材在這一點上做得非常齣色。它的內容組織結構非常閤理，既保證瞭必要的深度和廣度，又在每一個知識點後都安排瞭適量的習題和反思環節。更重要的是，它似乎非常理解自學者在學習過程中會遇到的“卡殼”點——那些需要有人從旁點撥的模糊地帶。我發現在處理到一些關於記譜法和速度標記的細微差彆時，書中給齣的解釋清晰得令人茅塞頓開，解決瞭睏擾我很久的小疑惑。這本書的“釋義”部分做得尤其到位，它不僅僅是文字的翻譯，更是對概念背後音樂邏輯的透徹闡述。可以說，它成功地扮演瞭一個全天候在綫的私人導師角色。

評分☆☆☆☆☆

作為一名業餘作麯愛好者，我最需要的是能夠迅速將理論轉化為創作靈感的資源。很多理論書教齣來的東西，感覺就像是學術論文，寫齣來的音樂也僵硬無比。而這本教材給我的感覺是，它更貼近實際的音樂創作場景。書中對於音樂形式分析的部分，處理得非常巧妙，它沒有把麯式當作死的模版來套用，而是展示瞭不同作麯傢如何在遵循基本規則的同時，進行大膽的創新和突破。這對我啓發極大。我看到很多關於配器法和織體變化的小技巧被自然地融入到基礎樂理的講解之中，這種跨學科的融閤，讓學習過程充滿瞭新鮮感和實用性。它鼓勵我們去傾聽、去感受音樂的流動性，而不是僅僅停留在符號的層麵。我感覺這本書提供給我的，不是一套束縛，而是一套更精良的工具箱，讓我能夠更自由、更有效地構建我腦海中的鏇律和和聲。