一学就会单簧管演奏技巧 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 现代出版社

ISBN：9787514346350

商品编码：29868436530

丛书名： 单簧管演奏技巧

商品名称：	单簧管演奏技巧/一学就会演奏系列	开本：	4
作者：	编者:赵杰//赵新旭//李金峰	页数：
定价：	38	出版时间：	2016-04-01
ISBN号：	9787514346350	印刷时间：	2016-04-01
出版社：	现代	版次：	1
商品类型：	图书	印次：	1

 

**单元 单簧管的基本知识
一、了解单簧管
二、教师的选择
三、乐器的选择及哨片的选用、安装
四、单簧管的演奏基础
五、中外名曲简介
六、中外**演奏家简介
第二单元 基本乐理知识
一、五线谱、音级
二、谱号加线及加间
三、音符休止符附点
四、节奏节拍拍子拍号
五、小节小节线终止线
六、切分音
七、音值的特殊划分
八、大调式小调式
九、和弦
十、变音记号与调号
十一、常用记号
第三单元 基本练习
一、长音练习
二、二分音符练习
三、四分音符练习
四、八分音符练习
五、三连音练习
六、十六分音符练习
七、附点练习
八、切分音与前后十六分音符练习
第四单元 中外名曲
草原歌声
梦幻曲
小河淌水
加沃特舞曲
单簧管波尔卡
六月
小夜曲
苏北调变奏曲
帕米尔之音协奏曲
第三协奏曲
A大调协奏曲
第五单元 单簧管二重奏
小步舞曲
小步舞曲
小步舞曲
小曲
二重奏
呼应

......

赵杰、赵新旭、李金峰编著的《单簧管演奏技巧/一学就会演奏系列》从单簧管的器乐学结构讲起，让初学者从它的特性开始认识这件乐器，并简明介绍了单簧管业界历史。单簧管的技巧训练有专业的科学方法，每一单元的概念阐释，系统地介绍了单簧管的演奏技巧。按照书中的讲解展开有计划的训练，初学者们可以平稳进阶，扎实掌握单簧管的演奏技术。
     书中还包含了充分有效的练习方法，使学习者能够*高效地完成练习内容。书中还介绍了几位名家，并且推荐了他们的经典乐谱。
    

音乐的色彩与指间的魔法：管乐精进之路 一部深度剖析管乐器（非单簧管）演奏美学与实践的权威指南 本书面向对象： 所有对木管乐器（如长笛、双簧管、巴松管、萨克斯风）或铜管乐器（如小号、圆号、长号、大号）的演奏者、音乐教师、以及对管乐器发声原理和艺术表现有浓厚兴趣的学习者。 --- 第一部分：管乐发声的物理学与生理学基础 (The Mechanics of Sound Production) 本篇将深入探讨所有管乐器共同面对的物理学和生理学挑战，为建立坚实的演奏基础提供科学依据。 第一章：气流的雕塑——呼吸控制的深度解构 管乐演奏的灵魂在于对气流的精准掌控。本章彻底摒弃传统的“深呼吸”口号，转而采用现代运动生理学的视角来解析呼吸系统在持续、高压、高流量气流输出时的运作模式。 膈肌与肋间肌的协同发力： 分析如何通过激活深层核心肌群，实现“主动的支撑”而非被动的收缩。详细图解不同演奏情境下（如连奏、长音、高音区爆发）所需的压力曲线和气量分配。 气柱的效率与速度： 探讨气流速度（Velocity）与气柱体积（Volume）之间的复杂关系。如何通过喉咙和口腔的精细调节（形成“元音通道”），将气流塑造成最有效率的“声波载体”。 气息的“韧性”与疲劳管理： 针对专业演奏家在长时间排练或演出中可能出现的呼吸疲劳问题，提供基于心肺耐力训练的呼吸练习方案，包括等长收缩训练和呼吸节奏的周期性调整。 第二章：口腔共鸣腔的设计与调控 (The Embouchure Nexus) 口腔内部的结构是决定音色纯净度和音准稳定性的关键。本章侧重于研究口腔形状（Vowel Shape）对泛音结构的影响，而非仅仅是嘴唇的肌肉训练。 “发声基点”的寻找： 探讨如何找到口型内部的最佳共鸣点，使其能够高效地将嘴唇振动转化为乐器腔体内的稳定波形。详细对比长笛、双簧管、小号在不同音域对口腔张力的细微要求。 舌位与气流导向： 深入分析舌头在发音、换气、断奏（Articulation）中的多功能作用。对比“高舌位”与“低舌位”在提升音色亮度与保证低音区厚度之间的平衡策略。 颌骨与面部肌肉的动态平衡： 讨论如何避免过度僵硬的面部肌肉对声音产生的负面影响。引入肌电图（EMG）研究数据，指导演奏者如何实现“轻松发力”与“精确控制”的统一。 --- 第二部分：指法、转调与音准的科学 (Fingering, Intonation, and Temperament) 本部分专注于管乐器特有的技术挑战，特别是音准的微调艺术。 第三章：指法的效率革命与机械优化 对于复杂的机械结构，如何最大限度地提高手指运动的经济性和准确性是核心议题。 高效的按键布局分析： 针对不同乐器（如萨克斯风的叠键系统、巴松管的复杂指位），设计并演示最优化的手指移动路径，减少不必要的行程时间。 “幽灵指法”与连贯性： 探讨在快速通过复杂音型时，如何运用非必需的按键（如作为稳定器或声孔遮蔽的辅助指法），以确保音符之间的无缝衔接。 机械维护与演奏表现的关联： 并非简单的保养指南，而是分析键垫老化、机械松动如何直接影响到音准的稳定性，以及如何通过演奏者的微调来适应轻微的机械缺陷。 第四章：音准的“活”调控：动态与环境适应 管乐器的音准是流动的，受温度、湿度、演奏者自身气息状态影响极大。本章教授如何将音准的调整从被动修正转为主动塑造。 超越调音器的听觉训练： 强调“内在听觉”的培养。教授如何通过分析泛音频谱来判断音高的准确性，而不是仅仅依赖外部参考音。 乐器温度与管体长度的关系： 详细分析不同乐器（尤其铜管）在演奏过程中因自身加热导致的音高漂移，并提供实时的气息或口型调整策略来应对这种动态变化。 集体演奏中的空间音准： 讨论在室内乐或管弦乐队中，演奏者如何根据舞台声学特性和与其他乐器相对位置，主动地对音高进行“倾斜”（Tilting），以实现听觉上的完美融合。 --- 第三部分：艺术表现力的深度拓展 (The Articulation and Phrasing Mastery) 本篇超越了基础技巧，聚焦于如何用管乐器“说话”，表达复杂的情感层次。 第五章：发音（Articulation）的语汇学 发音是管乐演奏的“点”和“线”，决定了音乐的风格和叙事性。 舌尖与气流的“摩擦力”控制： 细致区分不同风格的发音力度——从极轻微的“气音断奏”（Breath Attack）到强硬的“实体断奏”（Hard Attack）。提供针对小号（快速吐音）、双簧管（清晰的舌尖接触）的具体舌位图谱。 连奏（Legato）的“隐形过渡”： 阐述真正的连奏并非简单的气流不中断，而是手指、舌位、气息支撑同时进行的高度协调性操作。分析“音符间隙”的微小处理，如何创造出如歌唱般的流畅线条。 非正统发音技法： 探讨如颤音（Vibrato）的种类（喉音、气息、口型）、滑音（Glissando）的控制，以及如何有选择地使用噪音（如气声）来增强音乐的戏剧张力。 第六章：乐句构建与风格化的演绎 音乐的生命在于乐句的呼吸与呼吸间的逻辑。 驱动性呼吸（Motivational Breathing）： 学习如何将“换气点”视为乐句结构的一部分，而非机械的停顿。分析在不同作曲家（如莫扎特与马勒）的作品中，对乐句长度和呼吸速度的不同要求。 动态的“微观管理”： 深入研究如何控制一个渐强（Crescendo）或渐弱（Diminuendo）过程中的细微动态变化，确保其线性或指数级的变化符合音乐的逻辑，而非简单的音量增减。 跨乐器合作的听觉平衡： 针对乐队或合奏环境，提供一套实用的“听觉校准”方法，教导演奏者如何根据自身乐器的音色特点（穿透力、承载力），主动调整自身的音量和音色，以达到最佳的整体平衡。 --- 结语：管乐演奏的持续演化 本书力求提供一个全面且科学的框架，指导管乐演奏者从物理基础、技术实现到艺术表达的每一个环节进行系统性的自我完善。真正的精通，在于对每一个细节的科学理解和对每一个音符的用心塑造。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种深沉的蓝色调，搭配着优雅的金色字体，立刻就传递出一种专业而又富有艺术气息的感觉。我是在一个周末的书展上偶然翻到的，当时光线有点暗，但那本书散发出来的质感还是吸引了我。我本来对管乐器了解不多，但被这本书的排版和插图吸引住了。里面的图片非常清晰，特别是那些关于指法和口型的特写，即便是初学者也能看得明白。作者在构建整体结构上花了不少心思，从最基础的气息控制讲起，循序渐进地过渡到复杂的技巧练习，整个流程设计得非常科学合理，没有那种生硬的教学感。我尤其喜欢它在乐理知识上的处理方式，不是枯燥的公式堆砌，而是融入到实际的演奏指导中，让你在学习如何吹奏的同时，自然而然地吸收乐理知识。拿在手里沉甸甸的感觉，也让人觉得这是一本用心制作的工具书，而不是那种敷衍了事的教材。装帧的质量也很好，书页的纸张厚实，翻阅起来手感极佳，不用担心频繁翻动会导致纸张受损。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对细节非常敏感的人，很多乐器教学书籍在细节处理上往往会偷工减料，导致学习者在实践中总是碰到一些预料之外的障碍。这本书在这方面做得极其到位。比如，它对不同品牌单簧管的特点差异进行了简要的分析，虽然篇幅不多，但对于刚开始选购乐器的朋友来说，无疑提供了宝贵的参考意见。更难得的是，它对清洁和日常保养的部分也着墨颇多，详尽地介绍了不同季节对簧片的处理建议，以及如何正确拆卸和擦拭乐器，这些看似“题外话”的内容，实则决定了一件乐器使用寿命和音色稳定性的关键。我特别欣赏它关于“吹奏姿势对音准的影响”这一章节的论述，它不仅强调了身体的放松，还深入探讨了呼吸支持点在不同音区间的微妙调整，这种细致入微的观察力，让这本书超越了一本普通教学手册的范畴，更像是一位资深演奏家的经验总结集。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格是我非常欣赏的一点。它没有使用那种高高在上、拒人于千里之外的学院派术语，而是用一种非常亲切、如同好友在耳边指导的口吻来撰写。即便是讲解最晦涩的泛音控制或转调技巧时，作者也能用生动的比喻来帮助理解。比如，当他描述如何找到最佳的口型时，他将嘴唇比作“一个精确的调节阀”，而不是一个简单的“咬合”。这种富于想象力的表达方式，极大地激发了我的学习热情，让我觉得学习过程充满了探索的乐趣，而不是枯燥的重复。此外，书中对于不同风格乐曲的演奏处理也有涉及，比如如何用单簧管表现古典乐的庄重与爵士乐的灵动，提供了许多关于音色变化的具体练习思路。这让我意识到，掌握技巧只是第一步，如何赋予音乐灵魂才是最终的目标。这本书无疑为我指明了下一步进阶的方向。

评分☆☆☆☆☆

从整体的实用价值来看，这本书的知识密度非常高，但同时又保持了极高的可读性和操作性，这是非常难得的平衡。它不像某些速成书籍那样追求快餐式的效果，而是脚踏实地地构建一个坚实的演奏基础。我注意到书中穿插了不少历史小知识，比如某个特定指法是如何随着乐器改良而演变过来的，这些小小的历史背景介绍，让原本冰冷的技巧学习变得有了厚重的人文色彩。特别是对“气息的深度与宽度”的讲解，书中提到了一种“横向扩张”的呼吸法，这与我之前学到的传统“腹式呼吸”有所不同，提供了新的视角。我尝试按照书中的建议调整呼吸模式后，发现低音区的穿透力确实得到了显著提升。总而言之，这本书的价值不在于教会你“如何吹响”这个乐器，而在于指导你如何用这个乐器“唱出”属于你自己的声音，它更像是一份开启音乐探索之旅的地图，指引清晰，内容翔实，物超所值。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始对这本书的期望值并不算太高，毕竟市面上关于乐器学习的书籍汗牛充栋，真正能让人眼前一亮的凤毛麟角。然而，这本书的内页排版布局却给了我一个惊喜。它不像传统教材那样密密麻麻全是文字和难以辨认的小图，而是采用了大量的留白和清晰的区块划分。这种设计让我的阅读体验变得异常轻松愉快。每当遇到一个难点技巧时，作者都会配上一段详尽的文字解析，紧接着就是非常直观的图解，甚至有些高级技巧还配上了慢动作的分解描述，这种多维度的解析方式极大地降低了学习的难度。我记得有一次我为一个特定的音符颤音练习了很久都找不到感觉，翻开这本书的对应章节后，作者提出的那个关于“舌尖辅助控制”的建议，简直是醍醐灌顶。它没有直接告诉你该怎么做，而是引导你去体会气息在管体内的流动和共鸣变化，这种注重内功的讲解，比单纯模仿指法有效得多。这本书的重点似乎在于建立演奏者的“肌肉记忆”和“听觉反馈”，而不是死记硬背。