音乐学学术规范读本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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☆☆☆☆☆

蔡际洲 编

图书标签:

• 音乐学
• 学术写作
• 规范
• 指南
• 研究方法
• 论文写作
• 音乐研究
• 学术论文
• 音乐理论
• 高等教育

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810962063

版次：1

商品编码：10288089

包装：平装

丛书名： 音乐学教学参考丛书

开本：32开

出版时间：2007-01-01

用纸：胶版纸

页数：421

正文语种：中文

内容简介

　　音乐学教学参考丛书。学术规范是近年来学术界关注较多的问题之一。一方面，由于学风浮躁，学术腐败现象日趋严重；另一方面，凡真正的学者又不能不维护学术的尊严，守护我们这最后的一方“净土”。音乐学界则由于长期以来“技术至上”的影响，这方面存在的问题更是令人担忧。因为至少在目前的音乐教育体制中，除了各音乐学院的音乐学系外，我们还十分缺乏对本科生、研究生进行系统的学术训练这一环节，其中包括如何做研究、如何写论文，以及知识产权保护、著作权法、出版法规等方面知识。鉴于中国的国情和音乐教育的发展状况，学术规范教育的缺失，是我们面临的一个重要问题。 　　自20世纪80年代以来，音乐学界有不少学者针对学术研究中的种种“失范”进行过讨论。涉及学术规范的文献，据不完全统计约100多篇。这些文献，既是音乐学学科理论建设的重要组成部分，也是了解音乐学界这段学术史的重要参考。由于篇幅所限，我们在此基础上选择了较有代表性的35篇编入《音乐学学术规范读本》。按其内容，还分为上编和下编两大部分：上编主要为关于音乐学学术规范的总体表述。其中既有从学术批评、音乐编辑的角度撰稿者；也有从音乐教育、音乐文献和学科建设的角度探讨者。下编则是目前对各自的学术规范问题讨论较多的几个学科，即音乐史学、民族音乐学、音乐美学等学科的文献。在编辑体例特别是文后注释和参考文献的著录格式上，《音乐学学术规范读本》采取基本“保持原貌”的做法（对有些较长的文稿，考虑到篇幅原因，也作了一定的删节）。之所以如此，一方面是为了让读者比较客观地了解音乐学界在这一领域的认识、探索过程；另一方面也因为这种“形式规范”在音乐学界目前的意见还不尽一致，不过它并不违背学术研究最基本的准则。 　　编入《音乐学学术规范读本》中的这些文献，都是从各自不同的角度对音乐学学术规范所作的种种探索。目前看来，尽管对某些问题的认识还不尽一致，但在最基本的问题上还是取得了共识的。这就是：音乐学研究也同其它学科的学术研究一样，是探索、发现、传播科学真理的知识创新活动。在这一活动中，要以实事求是的工作作风和尊重前人成果的学术道德为基本的行为准则，要坚决反对剽窃抄袭和弄虚作假等违规违法的不良行为，同时也要遵守国内国际涉及著作权、语言文字的法律条文和其它相关的技术规定等等。因此，从这个意义上讲，《音乐学学术规范读本》对广大音乐教育工作者特别是在读的本科生、研究生而言，是具有一定参考意义的。 　　笔者因作过一些年的学报编辑工作，也因自2002年以来在武汉音乐学院为研究生和音乐学系本科生开设《音乐论文写作》课，故此，学术规范一直是我较为关注的，且一直是在思考的问题。几年来，除了撰写论文对其作些粗浅的探索外，还想将音乐学界多年来讨论学术规范的一些主要文章汇编成册，以供大家学习、研究和参考。后来，这一想法得到了中央音乐学院出版社俞人豪教授的支持，但由于教学任务繁重，这一工作的进展一直受到影响。刚好在2004年秋，我招收了两名音乐编辑学方向的研究生。他们一方面攻读学位课程，另一方面也参与这部书稿的编辑实践。这样，我便在两位研究生的协助下，完成了《音乐学学术规范读本》的编辑工作。在此，特向俞人豪教授和我的研究生杨明辉、王晓晴，以及对《音乐学学术规范读本》的出版给予关心和支持的胡向阳副教授、孙晓辉博士表示衷心的感谢！ 　　限于自己的学识和能力，《音乐学学术规范读本》无论是在所选择的篇目上还是在具体的编辑工作中，一定还有许多不足之处，敬请各位读者不吝指教。

作者简介

　　蔡际洲，男，汉族。原籍甘肃宁县，1952年10月生于陕西汉中。毕业于武汉音乐学院音乐学系，获硕士学位。现为武汉音乐学院教授、音乐学系主任、中国音乐家协会会员、中国传统音乐学会常务理事、国际传统音乐学（ICTM）会会员、中国戏曲音乐理论研究会常务理事。 　　早年曾从事音乐创作，写有歌剧《金色的苹果》、戏曲音乐《紫梨记》以及部分歌曲和器乐作品。后主要从事民族音乐学、音乐编辑学和音乐学学科理论的教学与研究。1994－2002年，曾任武汉音乐学院学报《黄钟》副主编，其间《黄钟》两度入选音乐类“全国中文核心期刊”（1996、2000）。 　　在教学方面，讲授的《中国传统音乐概论》、《中国音乐名著》、《音乐论文写作》、《长江流域的音乐》等课程，均系在武汉音乐学院首开。自1995年起任硕士生导师，研究方向为民族音乐学和音乐编辑学。

目录

前言 上编 我国音乐学学术论文写作中的几个问题 研究中国音乐基本理论需要科学的态度——从杜亚雄《中国民族基本乐理》的谬误谈起 再谈学术规范与文德文风 也谈学术规范、文风、文德 关于音乐论文写作的通信（一） 要重视书评和音像评论的规范化——关于音乐论文写作的通信之二 引文、注释和参考文献目录应该进一步规范化——关于音乐论文写作的通信之三 音乐学术论文中的“重复”现象——编稿琐记之二 也谈注释、参考文献的规范化问题——编稿琐记之三 关于《中央音乐学院学报》应用《文后参考文献著录规则》的几点体会 研究生的学习方式与论文写作 关于研究生学年论文宣讲和选题的思考 音乐院校大学生音乐论文写作若干问题探讨 音乐论文特点探析——音乐论文写作系列研究之一 关于音乐论文形式特征的完整性 我国音乐期刊论文标注信息的考察与分析 统一译名的别议与杂谈 关于加强学术道德建设的联合声明与建言 当代音乐学的学术规范与学术创新 音乐学术与规范建制：回顾、思考与建议 从古籍征引谈借鉴西方规范 音乐学学术规范论略 音乐学学术研究规范 下编 谈谈音乐史研究的材料与方法 资料工作是论文写作的基础 以古鉴今慎待史料——读书偶拾之一 收集西方音乐史资料的途径和方法 关于史料的收集、整理和研究 传统音乐分类学原理初探 实地调查资料储存的理论及方法 民族音乐研究中的形式逻辑问题 民族音乐学的论文写作 关于音乐美学的基础、对象、方法的几点思考 音乐美学研究中的方法论问题 美学论文的概念规范与表述规范刍议 本书作者简介

前言/序言

《西方音乐史纲：从古希腊到二十世纪》 图书简介 一、 概述：跨越时空的音乐文明之旅 《西方音乐史纲：从古希腊到二十世纪》并非一部枯燥的年代罗列，而是一部旨在引导读者进行深度思考的音乐文明史叙事。本书旨在勾勒出西方音乐在漫长历史长河中，从其模糊的起源到工业化时代前夕所经历的结构性演变、美学思潮的更迭，以及社会环境对音乐形式的塑形作用。我们立足于音乐文本本身的内在逻辑，同时将其置于广阔的哲学、宗教、政治和技术背景之下进行考察。本书的根本目标是使读者理解：音乐并非孤立地发展，而是特定文化环境下的产物，其“规范”与“突破”都是时代精神的映射。 本书将西方音乐史划分为若干关键阶段，但强调各阶段之间并非截然断裂，而是存在着深刻的延续性与张力。我们关注的焦点在于：“是什么定义了某个时期的音乐？” 这一问题将引导我们剖析格里高利圣咏的单音体系如何为复调音乐的萌芽奠定基础，文艺复兴时期的人文主义如何解放了和声的色彩，以及巴洛克时期（Baroque）的“激情理论”如何系统地支配了音乐的结构。 二、 深度聚焦：关键时期的结构性变革 1. 古代与中世纪：秩序的建立与神性的表达 本章深入探究了古希腊音乐理论（如毕达哥拉斯音律、教会调式）对后世西方音乐的决定性影响。我们将详细解析柏拉图和亚里士多克塞斯关于音乐伦理的争论，理解音乐在早期社会中扮演的教化角色。 中世纪部分，重点解析了格里高利圣咏的文本与旋律的结合方式。我们不仅探讨了记谱法（纽姆谱到五线谱）的革命性意义，更深入分析了复调音乐——特别是奥尔加农（Organum）的出现——如何标志着人类对声音空间感知的第一次结构性突破。诺特丹学派（Notre Dame School）的音乐家如佩罗坦（Pérotin），他们的创作展示了早期的对位思维和节奏的初步量化尝试。 2. 文艺复兴：人性的回归与声音的织体 文艺复兴时期的音乐不再仅仅是神灵的侍从，而是开始颂扬人类的创造力与情感深度。本书详细考察了弗朗哥-佛兰德斯学派（Franco-Flemish School）如若斯坎（Josquin des Prez）如何精妙地平衡了模仿对位与清晰的文本表达。我们将运用现代分析工具，解构弥撒曲和经文歌中复杂的声部交织，探讨“清晰性”与“织体丰满度”之间的辩证关系。 此外，牧歌（Madrigal）的兴起是理解这一时期美学转向的关键。牧歌对文字的“表情描绘”（Word Painting）不再是简单的音符对应，而是对人类世俗情感的深刻洞察。这为即将到来的巴洛克“激情”预留了空间。 3. 巴洛克：情感的体系化与戏剧的诞生 巴洛克时期是西方音乐史上系统化和规范化达到顶峰的阶段。本书将蒙特威尔第（Monteverdi）的歌剧《奥尔费奥》视为一个里程碑，分析了“第二道艺术”（Seconda Prattica）如何打破文艺复兴的均衡，转而追求强烈的戏剧效果和情绪表达。 核心内容集中于对巴洛克“风格固定”的解析： 数字低音（Basso Continuo）：作为音乐结构的骨架，它如何为即兴创作提供了框架，并规范了和声的进行。 调性体系的成熟：大调与小调的对立如何取代了教会调式的主导地位，形成了我们今天熟悉的“功能和声”。 对位法的巅峰：巴赫（J.S. Bach）的赋格曲不再仅仅是技术练习，而是将逻辑结构与精神深度完美结合的典范。本书将通过详细的对位分析，展示其如何在一个既定的技术框架内，实现无穷无尽的变化。 4. 古典主义：清晰、平衡与普世的理想 从巴洛克走向古典主义，是音乐审美从“复杂性”转向“清晰性”和“可理解性”的过程。海顿、莫扎特和贝多芬（早期至中期）是这一变革的核心驱动力。 本书将深入剖析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑——呈示部、展开部和再现部之间的戏剧性张力。我们认为，奏鸣曲式是启蒙运动“理性秩序”在音乐领域的完美投射。通过对交响曲、协奏曲和室内乐的考察，读者将理解古典音乐是如何通过清晰的结构和旋律线条，追求一种“普世的、非个人化”的美感。贝多芬的出现，标志着这一追求开始向个体英雄主义和意志力的表达过渡，为浪漫主义的爆发埋下伏笔。 三、 理论视角的引入：理解“如何听” 本书并非仅仅描述“发生了什么”，更重要的是教会读者“如何听”以及“为何那样听”。我们将穿插介绍如和声学基础（音程、三和弦的构建、功能和声的初步概念）、曲式结构（如回旋曲式、三段式）以及配器法的演进。 我们强调，学术研究者必须具备对音乐“技术”层面的敏感性。例如，理解管弦乐队中铜管乐器在不同时期地位的变化，能直接解释作曲家在表达力度和色彩时的局限与自由。通过对具体音乐片段的细致分析，读者将建立起一套严谨的分析框架，能够超越对音乐的表面感受，进入到对其内在逻辑的深刻把握之中。 四、 总结与展望 《西方音乐史纲：从古希腊到二十世纪》是一部面向严肃学习者和资深爱好者的工具书与导读手册。它力求在提供详实史料的同时，保持高度的思辨性。我们相信，只有理解了历史的“必然性”和艺术家的“选择性”，才能真正欣赏音乐的伟大。本书的终点停留在对十九世纪晚期浪漫主义的复杂性梳理，为读者进入二十世纪的剧变做好坚实的知识准备。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排简直是一流的教科书范本。我习惯于先粗略浏览目录，然后针对性地查阅所需章节。它的逻辑层次极其清晰，从基础的术语界定，到文献检索策略，再到田野调查的伦理考量，每一步都衔接得天衣无缝。特别是关于“音像资料的引用与版权处理”那一章，内容详实得令人惊叹，连如何规范描述不同年代录音的介质和版本都一一列举，这对于研究近现代音乐史的我来说，简直是及时雨。我过去常在这些细节上耗费大量时间查找资料，现在有了这本书作为指引，效率提升了不止一个档次。它不是空谈理论，而是处处体现着实操性，仿佛一位经验丰富的前辈，将他多年摸爬滚打的“避坑指南”倾囊相授。读完，我甚至产生了一种“现在做什么研究都不怕”的信心。

评分☆☆☆☆☆

对于长期从事跨学科研究的人来说，这本书的价值简直无法估量。我主要研究的是音乐与视觉艺术的交叉领域，不同学科的引用标准差异巨大，常让我无所适从。这本书在这方面展现了惊人的包容性和前瞻性。它没有固守单一学科的藩篱，而是提供了一个宏观的框架，教导读者如何根据研究对象的特性，灵活而审慎地采纳最适用的规范体系。书中的案例分析，很多都来自于前沿的、跨学科的研究课题，这让我感觉这本书的编写者不仅是规范的制定者，更是学术前沿的观察者。它像一个多功能的瑞士军刀，无论我是在处理复杂的图像引用，还是在整理口述历史的转录文本时，总能找到最恰当的指导。这本书，真正做到了“授人以渔”，而非仅仅“授人以鱼”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这类工具书不抱太大希望，总觉得它们难免有些刻板僵化，缺乏思想的火花。然而，这本书最成功的地方在于，它成功地将“规范”与“思辨”巧妙地融合在了一起。它没有止步于告诉你“对”与“错”，而是引导你去思考“为什么某种规范在特定研究场景下更为恰当”。例如，在讨论不同研究范式下（如分析音乐学与民族音乐学）对原始材料的呈现要求时，作者用了大量的篇幅进行对比论证，这种深度的剖析，远超我预期的“规范手册”范畴。它激发了我对既有研究方法的质疑和反思，让我明白学术规范不是束缚，而是保障高质量对话的基石。这本书的文字风格冷静而精准，读起来像是在进行一场高强度的智力运动，每读一页都需要集中注意力，但带来的成就感是巨大的。

评分☆☆☆☆☆

这部读本的阅读体验是极其“扎实”的，它没有华丽的辞藻去粉饰太平，而是以一种近乎于“工匠精神”的态度，对待每一个学术细节。我尤其欣赏它在处理“脚注与尾注的辩证关系”时所展现的细腻考量，不仅解释了格式差异，更深入剖析了不同注法对读者阅读节奏和信息获取的影响。这种对“读者体验”的关注，体现了作者对学术交流本质的深刻理解。全书的排版和印刷质量也无可挑剔，长时间阅读下来，眼睛的疲劳感明显减轻。对我而言，这本书已经从一本参考工具书，升级为我案头必备的“定海神针”。它带来的不仅仅是学术上的规范性，更是一种对待治学态度的内在修炼。每次遇到研究上的困惑，翻开它，总能找到条理清晰、令人信服的答案，那种踏实感是无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本《音乐学学术规范读本》，我立刻被它严谨又不失亲切的笔触所吸引。起初，我对“规范”这个词有些敬畏，担心会是一本枯燥的教条汇编，但作者的叙述方式却充满了对音乐学研究的无限热情。它不仅仅罗列了引文格式和注释的规则，更是深入浅出地剖析了学术诚信的内核。比如，书中关于“原创性”的讨论，不再是冰冷的法律条文，而是结合了大量真实案例，展示了如何在尊重前人研究成果的基础上，构建出真正属于自己的学术声音。我印象最深的是它对语境理解的强调，指出在不同的音乐文化背景下，对“引用”的理解也需要细微调整，这让我这个初入此道的学生豁然开朗。它教会我的不是“怎么做”，而是“为什么这么做”，从根本上提升了我的学术素养。整本书读下来，感觉像是经历了一次高质量的学术研讨会，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

给女儿买的，还没来得及看

评分☆☆☆☆☆

好~~非常的棒~！！~

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给女儿买的，还没来得及看

评分☆☆☆☆☆

其实没什么意思，像是大家为了发表东西而凑成的一本书，并没有什么用

评分☆☆☆☆☆

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