Masterpieces of Chinese Painting中国绘画精华之作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Hongzing Zhang 著

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店铺： 善本图书专营店

出版社： V & A Publishing

ISBN：9781851777563

商品编码：10611608508

包装：精装

开本：25.4 x 3.2 x 29.2 cm

出版时间：2013-10-07

页数：360

正文语种：英文

Hardcover: 360 pages
Publisher: V & A Publishing; 01 edition (7 Oct. 2013)
Language: English
ISBN-10: 1851777563
ISBN-13: 978-1851777563
Product Dimensions: 25.4 x 3.2 x 29.2 cm

Painting has always been regarded by the Chinese as a supreme art, its merits equal to those of poetry and philosophy. The tradition can be traced over 2,500 years, but - from very early on - many Chinese paintings were made to be viewed on a temporary basis, displayed for just a few hours, or perhaps several weeks. The masterpieces of the form have been seen very rarely, and then only by few, particularly in the West. This spectacular book accompanies a major V&A; exhibition that brings together some of the world's masterpieces on silk and paper - many of which will be displayed only for a short time. Presenting works from the richest and most representative collections in the world, the book is an authoritative guide to these great works, and includes the best paintings by the greatest masters as well as those by lesser-known artists. Written by a team of international scholars, the book explains the background against which Chinese painters worked, as well as the original social context of the paintings and their display in the palace, temple, studio or tomb.
绘画，与诗歌和哲学一起，被称为中国一项伟大的艺术。绘画传统已经有2500年的发展历史，但是，从很早开始，很多中国画只是被当作一种临时的展品，只被展示几个小时或者几周。这些壮观的书伴随主要博物馆，汇集展览了世界上一些丝绸和纸上的杰作——其中许多将只能在短时间内显示。

Zhang Hongxing is Senior Curator of Chinese Collections at the V&A.; His previous publications include The Qianlong Emperor:Treasures from the Forbidden City (2002); China Design Now (with Lauren Parker, V&A; 2008); and The Most Beautiful Chinese Classical Paintings (with Zheng Xinmiao, 2011).

中国古代典籍重述：宋代文人画的兴起与流变 本书并非一部关于中国绘画杰作的宏观导览，而是一次深入聚焦于特定历史时期——宋代——文人画现象的专题研究。 我们将避开对历代“名家名作”的宽泛罗列与赞颂，转而细致剖析文人画（士人画）作为一种独立艺术思潮，如何在宋代文官士大夫阶层中孕育、发展，并最终确立其理论与实践基础的过程。 引言：范式转移的社会背景 宋代，尤其是北宋，是中国社会结构发生深刻变革的时代。科举制度的完善使得大量出身于中下层地主的知识分子进入权力中枢，他们既是统治阶级的一员，又往往保持着对传统儒家“修身、齐家、治国、平天下”理念的执着。这种身份的二元性，促使他们在艺术上寻求一种既能表达个人学养、又区别于工匠画（院体画）的表达方式。本书将首先梳理这一社会转型对艺术审美取向的塑造作用。我们考察的重点在于：“士”如何从艺术的赞助者转变为主要的创作者？以及这种转变如何对“技”与“道”的关系进行重新定义？ 第一章：雅集与圈层——文人画的早期生态 文人画的诞生离不开特定的社会环境与交际圈。本章将聚焦于北宋中晚期，以苏轼、米芾为核心的文人士大夫群体。我们不着重于分析他们的诗词成就，而是考察他们在书房、园林中进行的艺术实践。 研究对象包括： 1. “以诗为画”的理论萌芽： 探讨苏轼关于“论画以诗为上”的论断，解析其如何将诗歌的意境、节奏与画面结构进行类比。这是一种对唐代画家如王维“诗中有画”的逆向强调，标志着审美重心从“形似”向“神似”的根本性倾斜。 2. 朋友圈的交流媒介： 分析当时文人之间互相赠送书画、题跋、集会绘画的社会功能。这些作品往往不是为了公开展览，而是为了维护特定的士人群体认同感，其内容多具有强烈的个人隐喻色彩。 3. 米芾的“尚意”实践： 重点分析米芾在山水画上的探索，特别是他对“点皴”技法的运用，以及他如何将这种略显粗犷、不求工整的笔墨，视为区别于院体细腻描绘的“真性情”的体现。 第二章：理学思潮对绘画观念的渗透 南宋时期，以朱熹为代表的理学思想达到鼎盛，这对文人画的理论深度产生了更为直接的影响。本章旨在揭示哲学思辨如何转化为艺术的审美标准。 1. “格物致知”与笔墨的本体论： 我们考察理学家对自然本源的探求，如何投射到对笔墨媒介的理解上。笔墨不再仅仅是描绘物象的工具，而是画家心性、乃至宇宙真理的载体。例如，对枯笔、飞白等技巧的推崇，体现了对“自然天成”状态的向往。 2. 对院体画的疏离与批判： 分析文人画派如何构建自身话语体系，对宫廷院体画家（如马远、夏圭）的过度技巧化和迎合皇权的倾向进行间接的批判。这种批判的核心在于“用心不用目”，强调内心的精神投射高于对客观世界的模仿。 3. “意在笔先”的理论确立： 深入剖析南宋理论家（如姜夔、刘剡）对文人画特征的总结，特别是“逸品”概念的固化。逸品强调的是艺术家的气质与修养，而非作品的完美程度，这为后世文人画的发展设定了基本框架。 第三章：山水题材的内化：从写景到写心 宋代文人画的实践主要集中在山水画领域。本书将避开对名山大川的地理考察，转而关注山水意象的心理投射。 1. “可游、可居、可观”的层次递进： 考察文人画家如何通过对“虚实”、“浓淡”的控制，将客观的山水转化为可供精神栖居的精神家园。例如，许多作品中弥漫的空寂感，并非客观描绘的寂静，而是士人对官场失意或隐退生活的心理补偿。 2. 树石皴法的“文人化”处理： 详细分析几种代表性的皴法（如披麻皴、斧劈皴）在宋代文人画家手中的演变，强调它们在结构上的简化与在笔触上的个人化表现。这些变化是画家试图在有限的笔墨语言中，表达无限胸襟的尝试。 3. 留白艺术的哲学意蕴： 探讨宋代山水画中“留白”的意义，它不仅仅是空气或云雾，更是画家刻意留出的“虚空”，用以承载观者的想象与介入，体现了道家“有无相生”的观念。 结论：宋代文人画的定型与后续影响 本书的总结部分将回顾宋代文人画如何从一种边缘化的个人实践，发展成为中国艺术史上的主流范式。我们将探讨这种范式的确立如何为元代“四大家”的理论基础奠定了不可动摇的地位，并简要指出其对后世明清绘画的深远影响，例如对董其昌“南北宗论”的间接促成。 本书的重点在于对“文人”这一身份在艺术创作中的能动性进行细致的梳理与分析，关注创作动机、社会互动和理论构建，而非对图像本身美学价值的简单评判。 它是一部关于宋代士人如何通过绘画来构建和维护其文化身份的编年史与思想史。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的画册，翻开扉页，首先映入眼帘的是那种扑面而来的历史厚度和笔墨的张力。我得承认，我对着这些宋元时期的山水画作，常常感到一种近乎敬畏的沉默。尤其是那些气势磅礴的巨制，绢本上的墨色似乎不仅仅是颜料，更是凝固了千年的云烟和朝代的更迭。拿其中一幅李唐的风格作品来说吧，那嶙峋的怪石，那种斧劈皴的力度，简直能让你感受到画家在挥毫时手臂的肌肉起伏。我花了好大力气才从那些密集的树林和深远的雾霭中辨认出隐藏在角落里的茅屋，那种“可游、可居”的意境，不是现代人能轻易体会的。它不只是关于“画得像不像”，而是关于“如何看待自然”的哲学表达。我记得有一页展示的是南宋院体的界画，那精确到毫米的楼阁屋脊，对比旁边一笔写意的远山，那种对比张力简直让人拍案叫绝。这让我思考，在那个时代，艺术家的技艺要求是多么的苛刻，既要遵循宫廷的规制，又要融入个人的胸臆。我甚至能想象，在没有现代光照条件的画室里，他们是如何依靠对光影的极致把握，来构建出这种深邃的空间感的。这本书的印刷质量极高，墨色的层次感还原得非常到位，即便是微小的皴擦变化，也能清晰可见，这对于研究中国画的笔法演变，绝对是不可多得的珍藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的第三部分，收录了不少明代中后期的私人收藏和地方画派的精品，这部分内容相对少见，也正是它让我觉得物超所值的地方。它打破了以往一些艺术史书籍只关注“正统”或“名家”的局限性，将镜头对准了那些在历史长河中被忽略的，但同样充满生命力的作品。比如，那里有几幅描绘江南市井生活的风俗画，虽然技法上不如宫廷画那样一丝不苟，但那种市井的烟火气和人物的生动表情，却让人感到无比亲切。一个挑担的小贩，他额头上细密的汗珠，衣角微微被风吹起的弧度，都显示出画家对生活细致入微的观察。这让我意识到，中国绘画的精华不仅仅存在于那些描绘帝王将相或高山大川的“大叙事”中，更深藏于对日常人间的温情描摹里。这本书通过精选的目录，构建了一个更为立体和多维度的中国绘画图景，它让我们看到，艺术的生命力是渗透在社会各个阶层的。它不仅是一本艺术鉴赏的工具书，更像是一次对中国传统审美精神的深度文化探访之旅。

评分☆☆☆☆☆

我花了相当长的时间来研究其中关于“水墨晕染”技巧的章节。这部分内容虽然篇幅不大，但信息密度极高，展示了从唐代到明代，水墨在表现湿润感和空气感上的演变路径。我尤其对那些元代文人用水墨进行“破墨”和“积墨”的实验感到惊奇。你看那些层层叠加的墨色，从最淡的赭石灰到近乎纯黑的焦墨，它们之间过渡得如此自然，仿佛不是人工着色，而是自然界的日光和阴影自动生成的一样。这本书通过高倍率的微距摄影（我猜是用了专业设备），清晰地捕捉到了纸张纤维与墨水渗化的边界，这对于理解“气韵生动”中的“韵”字，提供了物理层面的支撑。我发现，不同的纸张（宣纸、绫、绢）对墨色的吸附和洇散程度有着决定性的影响，这解释了为什么同样的一位画家在不同载体上作画，最终呈现出的精神气质会大相径庭。这本书没有过多地讲述枯燥的艺术史理论，而是用最直观的图像证据，让你自己去“感受”到这些技术变迁带来的美学冲击，这种不言自明的引导方式，我非常欣赏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对传统花鸟画的兴趣一直比较浅薄，总觉得不如山水画那样具有宏大叙事的魅力。但这次被这本书里的细节彻底“圈粉”了。那些工笔仕女图旁边的配图，那些细致入微的草虫和花卉写生，简直是微观世界的史诗。我记得有一组特写，是关于宋徽宗的写生册页，那只停在枝头的麻雀，眼睛里竟然有种灵动和警惕，羽毛的绒感处理得极其微妙，仿佛下一秒它就要振翅飞走了。这完全颠覆了我对“古典”艺术的刻板印象，原来在宫廷的精致背后，藏着如此鲜活的生命力。而且，书里收录的不少文人画派的作品，那些看似随意挥洒的写意风格，其实蕴含了极高的用笔技巧。比如那几幅墨竹，寥寥数笔，浓淡干湿变化万千，每一片竹叶的姿态都不同，有的带着雨水，有的迎着风，那种“意在笔先”的境界，让人不得不佩服古人对观察入微的坚持。我甚至尝试拿起毛笔临摹了几次，才发现那些看似简单的线条，背后是数十年如一日的功力积累，没有对自然万物的深刻理解，是画不出来的神韵。这本书让我对“写意”二字有了全新的认识，它不是敷衍，而是更高层次的提炼与概括。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直可以用“克制而高雅”来形容，它没有用那种浮夸的色彩去烘托内容，而是用沉稳的米白和深灰构建了一个安静的阅读空间。我最欣赏的是它在版式处理上的巧思。很多时候，为了展示一幅长卷的细节，编辑组没有采取粗暴的拉伸或切割，而是巧妙地运用了跨页的留白和局部放大的图例。特别是当介绍到元代四家之一的画作时，那种布局的处理就显得尤为高明。他们把长卷中的几处关键“笔墨语言展示点”单独截取出来，用接近原尺寸的篇幅呈现，配合旁边简短却精炼的学术注释，使得读者可以清晰地辨识出特定笔触的力度、水分控制以及皴法的细微差异。这种“慢读”的体验，是很多快餐式的艺术图集所不具备的。对我这个业余爱好者来说，这本画册的价值不仅仅在于收藏那些名作的影像资料，更在于它提供了一种接近原作的“观看方法论”。它教会我如何去解读那些隐藏在墨迹深处的“信息”，而不是仅仅停留在表面的欣赏上。这种对阅读体验的重视，让它超越了一般的画册范畴，更像是一本精修的专业导览手册。