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高名潞著 著

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出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301273517

商品编码：10622186323

出版时间：2016-09-01

作  者:高名潞 著 定  价:98 出 版 社:北京大学出版社 出版日期:2016年09月01日 页  数:595 装  帧:平装 ISBN:9787301273517 ●序 /1
●部分象征再现：哲学转向
●古代被启蒙：还原人文的艺术史 /15
●完美性模仿：瓦萨里的《大艺术家传》 /16
●第二节风格即文明：温克尔曼开启的人文艺术史 /30
●第二章宣物必先思我：启蒙奠定的思辨再现理论 /55
●公众空间对启蒙思想的传播和颠覆 /56
●第二节再现的形而上学之路：从托马斯·阿奎那的“超YUE”到康德的“理性” /65
●第三节艺术再现：秩序自然和替代自然 /79
●第四节再现的定义：从柏拉图的镜子到康德的图型 /82
●第五节自明性和眼见为实：虚构和科学实证 /93
●第三章只再现符合理念的事物：启蒙与观念艺术史 /109
●黑格尔的理念艺术史的逻辑 /111
●第二节黑格尔之后的德国观念艺术史家 /125
●第三节走向自己反面的观念艺术史 /132
●第四章艺术史的原形：理念的外形及其显现秩序 /139
●风格自律：形式发展的逻辑史 /140
●第二节意志的原形：李格尔的“自足匣子” /145
●第三节“眼睛的历史”：从触觉再现到视觉再现 /151
●第四节李格尔回归：“凝视”理论的复兴 /161
●部分目录

内容简介

《西方艺术史观念(再现与艺术史转向)》是作者高名潞二十余年潜心教学和研究，从非西方视角系统梳理、反思和批判西方艺术史理论的学术专著，开创性地提出了“再现”是贯穿西方艺术史理论发展的主线。西方现代艺术史及艺术批评理论的哲学基础是启蒙时代所奠定的再现理论，正是对这一启蒙运动以来主客观二元论的继承和质询，构成了西方艺术及其理论的历史，然而西方艺术史理论始终未能超YUE二元对立的思维范式。有鉴于此，作者既提纲挈领又详实地对西方艺术理论的发展脉络进行了独特的论述，解读了不同理论流派之间的内在关系，对再现理论在西方的发展进行了梳理和重构，并探讨了艺术史理论发展的新方向及其可能性。 高名潞 著 高名潞，美国哈佛大学博士，美国匹兹堡大学艺术史及建筑史系教授，天津美术学院当代艺术研究所所长。主要著作有《中国当代美术史1985-1986》、Inside Out: New Chinese Art、《中国前卫艺术》《中国极多主义》（中英文）、《墙：中国当代艺术的历史与边界》（中英文）、《另类方法，另类现代》《“无名”：一个悲剧前卫的历史》《意派论：一个颠覆再现的理论》、Total Modernity and the Avant-Garde in Twentieth-Century Ch等 序
这本书是对自己过去二三十年断断续续所做的工作的一个总结，其中一部分来自20 世纪80 年代我在国内的读书笔记。当时，我曾发表过一篇《一切历史都是当代史：作为一般历史学的当代美术史》的文章，那是为我们在1987 年完成的《中国当代艺术史》（1985—1986）写的序言。［1］尽管它是我阅读20 世纪80年代引进的西方历史学、艺术史学的一些思考，但更重要的目的是为了伸张中国当代艺术史书写的合法性。因为那个时候中国当代艺术刚刚起步，才发展了短短几年，无论它的创作实践还是历史书写都是新事物，曾引起很大争议。

20 世纪90 年代上半期在哈佛大学，我把主要时间和精力都投入西方艺术史理论的阅读和研究之中，因为可以直接接触西方艺术史家和批评家，我特别珍惜那些机会，参加了很多研讨会和讲座。哈佛大学的图书馆是世界上好的等

《中国传统音乐理论与实践》 著者： 张文华、李明德 编著 出版社： 华夏文化出版社 出版年份： 2023年 --- 内容提要 《中国传统音乐理论与实践》是一部系统梳理和深入阐释中国数千年音乐文化精髓的权威著作。全书旨在打破现代人对传统音乐的刻板印象，以严谨的学术视角和生动的实例分析，全面展现中国古代音乐体系的内在逻辑、哲学基础及其在不同历史时期的实践面貌。本书不仅是音乐学专业研究人员的案头必备参考书，更是对中国传统文化怀有浓厚兴趣的广大读者深入了解本土艺术智慧的理想读本。 本书共分为六大部分，涵盖了从先秦时期的萌芽到清末民初的成熟阶段，对中国音乐进行了宏大而细致的梳理。 第一部分：中国音乐的哲学根基与早期形态 本部分着重探讨中国传统音乐赖以生存的哲学土壤——儒家“礼乐”思想、道家自然观以及阴阳五行学说。通过对《周礼》《乐记》等核心典籍的深度解读，揭示了“中和之美”作为音乐审美最高范畴的形成过程。 礼乐制度的建构： 详细分析了周代“雅乐”的社会功能，探讨音乐如何被纳入国家意识形态的工具。 音律的起源与象征： 追溯了“五音”（宫、商、角、徵、羽）的起源及其与五行、五方、五脏的对应关系，解释了古代十二律的确定标准和“三分损益法”的原理，强调了音高体系的宇宙观意义。 早期乐器学考察： 对陶埙、磬、编钟、瑟等早期乐器的形制、发音原理及其在祭祀和朝会中的使用场景进行了详尽的图文考证。 第二部分：汉唐盛世的音乐变革与传播 随着政治、经济中心的南移和丝绸之路的开辟，中国音乐在汉魏承袭、隋唐鼎盛时期经历了空前的融合与发展。 燕乐的兴起与成熟： 重点介绍了“燕乐”（宴饮娱乐之乐）对中国音乐风格的重大影响，分析了燕乐如何吸收外来音乐元素，形成了庞大而精致的曲目库。 俗乐与文人音乐的并存： 探讨了民间音乐的生命力，以及士大夫阶层对“清乐”的提倡与实践，如七弦琴音乐的文人化倾向。 乐律体系的再调整： 分析了唐代“燕乐二十八调”的形成，及其与前代“古调”体系的异同，讨论了七声复调（如合唱的运用）在唐代宫廷音乐中的体现。 音乐机构与人才： 考察了唐代梨园、太常寺等音乐管理机构的职能，介绍了如李龟年等著名音乐家的生平事迹。 第三部分：宋元时期音乐的世俗化与戏剧化 宋代“瓦舍勾栏”的繁荣为音乐的世俗化提供了广阔的舞台，元代则标志着中国传统音乐走向成熟的戏曲形式——杂剧的诞生。 词牌与曲牌的交融： 深入分析了宋词（诗与音乐结合的典范）的音乐属性，特别是“慢词”的出现如何拓展了音乐的节奏和结构自由度。 词曲（曲牌）的建立： 详细阐述了元代“曲牌”在音乐结构上的规范性，探讨了散曲和元杂剧伴奏音乐的组织规律。 南曲与北曲的风格分野： 比较了以南戏为代表的南方音乐与以元杂剧为代表的北方音乐在板式、腔调、配器上的显著差异。 古琴音乐的定型： 考察了宋代琴谱的出现（如《神奇秘谱》的编纂），并分析了此时期琴曲在技法和意境上如何趋于完善。 第四部分：明清音乐的集大成与地域分化 明清两代是中国传统音乐的集大成期，也是地方戏曲和器乐流派形成并定型的关键时期。 昆曲的辉煌与规范化： 以昆山腔为核心，解析了昆曲“水磨腔”的艺术特色、唱念做打的有机结合，及其在全国范围内的传播与影响。 地方戏曲的勃兴： 对花部（如京剧、秦腔、徽戏）的音乐特点进行了概述性介绍，探讨了它们如何吸收民间曲调，形成地域性极强的音乐风格。 器乐合奏的成熟： 重点分析了“丝竹乐”的兴盛，特别是“十番锣鼓”等民间乐队的组织形式，揭示了中国传统乐队的复调色彩和织体特点。 民族乐器的系统化发展： 考察了二胡、琵琶、古筝等主要民族乐器的形制改进和演奏技法（如拨弦、揉弦技术）的成熟过程。 第五部分：中国传统音乐的记谱法与理论体系 本部分是全书的学术核心，旨在清晰界定中国传统音乐记谱法的独特性及与西方记谱法的根本差异。 工尺谱的结构与转译： 详细介绍“工尺谱”的符号系统、音高标记、节奏处理和速度指示，并提供了将工尺谱转译为现代五线谱的实例分析方法。 减字谱的解读： 专注于古琴音乐特有的减字谱，分析其如何精确记录指法、徽位和力度等演奏细节，体现了“不拘一格，法度森严”的特点。 传统乐律的计算与校音： 重申中国古代十二律的“纯律”基础，并介绍了校音（如使用律管、铜律）的方法论。 第六部分：当代传承与研究展望 最后一部分探讨了晚清至近现代以来中国音乐所面临的冲击与挑战，以及当代学者和演奏家在保护、整理和创新方面的努力。 西学东渐的影响： 分析了五线谱、和声学等西方音乐理论对中国音乐教育体系的冲击与整合。 “民族音乐学”的建立： 总结了二十世纪以来，中国音乐学者在田野调查、曲目采集和理论建构上的重要成就。 传统音乐的当代语境： 讨论了如何在新时代背景下，既保持传统音乐的本体精神，又使其艺术生命力得以延续的实践路径。 本书配有大量珍贵历史图片、乐谱图例和乐器实物照片，附录部分收录了部分经典曲目的工尺谱与简谱对照范例，是研究中国音乐史、欣赏传统艺术的必读之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格实在是太像一位学识渊博却又语感活泼的朋友在耳边娓娓道来，完全没有传统艺术史著作那种拒人于千里之外的学院腔调。作者似乎深谙如何将那些复杂的理论和错综复杂的人物关系，用最生活化、最接地气的比喻串联起来。比如，当他谈到巴洛克艺术那种戏剧性的爆发力时，他没有堆砌晦涩的术语，而是将其比作一场精心编排的歌剧高潮，瞬间将读者拉入那个充满激情与张力的时代场景。这种叙事技巧的娴熟运用，极大地降低了艺术史的学习门槛，让原本感觉高不可攀的艺术史知识变得触手可及。我尤其欣赏作者在描述艺术家生平时所展现出的那种细腻的洞察力，他不仅仅罗列了作品的创作时间，更深入挖掘了艺术家在特定历史背景下，其个人命运与创作主题之间微妙的张力。读起来一点也不枯燥，仿佛每一个艺术家都从纸上“活”了过来，带着他们那个时代的困惑、挣扎与荣耀，与我进行了一次跨越时空的对话。这种轻松愉悦的阅读体验，着实令人爱不释手，我甚至会为了读到下一段精彩的描述，而刻意放慢翻页的速度。

评分☆☆☆☆☆

我从这本书中获得的最深刻体验是，它教会我如何“看”画，而不仅仅是“认识”画。作者在分析具体作品时，往往会引入当时社会学、心理学甚至物理学的视角，让观众的观赏维度瞬间丰富起来。比如，在解读一幅肖像画时，他会细致分析画家如何运用透视法来制造“权威感”，或者如何利用特定颜料的稀有性来暗示委托人的社会地位。这种层层剥开的解读方式，如同剥洋葱一般，每揭开一层，新的理解和感悟便油然而生。它不再是简单地告诉你“这是谁的作品，画了什么”，而是引导你思考“为什么是这样画的，它对同时代人产生了什么冲击，以及它如何持续影响着后世的观看习惯”。这种对“观看行为”本身的探讨，让我回去再看那些熟悉的经典作品时，总能发现过去忽略的细节和隐藏的意图。可以说，这本书不仅是知识的传授者，更是一位耐心的艺术品鉴导师，让我从一个被动的欣赏者，蜕变成一个更具批判性和深思熟虑的观察者。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊艳的，是它处理不同文化交融与碰撞时所展现出的那种宏大的历史视野，完全跳脱了传统的西方中心论的窠臼。作者在论述某个艺术运动的起源时，并非孤立地看待，而是常常会追溯到更古老的中东、拜占庭乃至远东文明对欧洲艺术的影响，构建起了一张庞大而精密的全球艺术互动网络。这种多源头的追溯，让我对“西方艺术史”这个概念本身产生了更深层次的反思。例如，书中对哥特式建筑中的某些装饰母题，追溯到丝绸之路上传播的异域元素，这种跨学科、跨区域的关联性分析，极大地拓宽了我的知识边界。它成功地将艺术史从单纯的“风格演变史”升级为了“人类文明交流史”的一个重要切面。我从中感受到的不是被动接受知识，而是一种主动参与构建历史图景的兴奋感，每一次阅读，都像是在拼凑一幅更加完整、更少偏见的文明全景图，这种格局上的开阔，是许多同类书籍所无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，封面选用的那种略带粗粝感的米白色纸张，配上烫金的字体，散发着一种沉静而又厚重的历史感。翻开内页，我立刻被那些精美的彩图所吸引，它们的印刷质量高得惊人，即便是对色彩还原要求极高的油画细节，也能清晰地捕捉到笔触的微妙变化，仿佛触手可及。尤其是对文艺复兴时期那些宏大叙事的画作，那种光影的层次感和人物面部的细腻表情，都因为这本画册级别的印刷而得到了极大的升华。 I 随手翻到某一页，那张被无数次翻拍的《雅典学院》，在这里展现出了一种前所未有的立体感和空间纵深感，我甚至能想象出拉斐尔在创作时那种运筹帷幄的胸襟。装帧的用心还体现在书脊的处理上，它既结实又富有弹性，保证了即使是平摊阅读时，书页也不会因为过度拉扯而受损。这种对物理形态的极致追求，让阅读本身变成了一种仪式，一种对艺术经典的致敬。对于我这种偏爱实体书、注重阅读体验的人来说，光是捧着它，就能感受到一种由内而外散发出的对知识的敬畏和对美的珍视。我甚至舍不得用书签，生怕留下痕迹，仿佛它不是一本可以随意翻阅的工具书，而是一件值得珍藏的艺术品本身。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下这本书在材料运用上的考究，这完全超越了一般学术书籍的水准。纸张的选择显然是经过深思熟虑的，它具有一种恰到好处的哑光质感，既能完美承载油彩的浓郁，又有效避免了反光对阅读体验的干扰。尤其值得称赞的是其索引和附录部分的编排，逻辑性极强，查阅起来异常方便。对于需要做交叉参考或者深入研究某个特定流派的读者来说，这个设计简直是福音。我常常在阅读过程中，会突然对某一历史事件或哲学思潮产生疑问，以往的做法是不得不中断阅读，去搜索引擎上艰难地搜寻，但在这本书里，作者似乎预设了读者会有的这些“小小的迷失”，并在脚注或附录中提供了简洁而精准的指向。这种对读者学习路径的周到关怀，体现了编辑团队的专业和细致。此外，排版上的留白处理得十分得体，既保证了文字的密度适中，又使得整页看起来疏朗有致，长时间阅读下来，眼睛的疲劳感也明显减轻了许多，这在厚重的艺术史著作中是相当难得的品质。