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任海杰 著

图书标签:

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• 经典

出版社： 文汇出版社

ISBN：9787549601615

版次：1

商品编码：10825948

包装：平装

开本：32开

出版时间：2011-07-01

用纸：胶版纸

页数：255

内容简介

　　想拨动心弦、寻找知音共鸣？亲近经典音乐绝对是最佳捷径。《经典音乐如是说》是有关西方经典音乐的随笔集，涉及作品欣赏，爱乐感悟，现场乐评，人物故事。谈西洋歌剧占一半，它是音乐的集大成者，“美味大餐”。

作者简介

　　任海杰，上海音乐家协会会员，中国音乐家协会音乐评论学会会员，厘米上海古典音乐演出季评委。报社编辑。著有文集《音乐心情》。

目录

序言
那乐、那人、那事
卡拉扬的心事
伯恩斯坦的痛苦
汤沐海谈卡拉扬和伯恩斯坦
指挥大师的魅力
黑色幽默
著名的未知人
阿巴多的“复活”
“如果我只是作曲，可能就给毁灭了”
永远的天堂
巴赫，还是巴赫
另类的古尔德正宗的巴赫
永远的莫扎特
莫扎特创作之谜
杨柳岸，晓风残月
听布鲁克纳要有特定心境
是马勒的“整个世界”，还是西贝柳斯的“绝对音乐”
不按常理出牌的“肖九”
王健谈音乐
音乐，更是时间的艺术
唱起来
身剑合一
音乐也可以这样表达的的
“魏玛实验”和“丝路计划”
献给一个人的音乐会
古典并不遥远
独自鼓掌
当夜幕降临后
为什么如此迷恋音乐
漫谈唱片的收藏和欣赏之乐趣
音乐中的“美味大餐”
为什么要欣赏歌剧
帕瓦罗蒂坐唱告别
做了一回多明戈的粉丝
卡雷拉斯的狂欢之夜
“三高”就是这样诞生的
“三高”以后的男高音
歌剧女皇卡拉斯
谁是卡拉斯的继承人
热版《茶花女》，颠覆与创新
歌剧导演中的新瓶装旧酒
歌剧舞台上的难忘时刻
歌剧表演中的疯狂场面
歌剧中的谢幕
美声是一门科学
天才的光芒喷薄而出
“我宁肯舍弃一切，也要保住《诺尔玛》！”
为爱疯狂——唐尼采第的三大悲剧
“简话”瓦格纳
一首深情渴望的爱之歌
“写歌剧！记住，只写歌剧！”
《图兰朵》的三个续
破釜沉舟的《玛侬·莱斯科》
“纯金”之作《波西米亚人》
风华绝代
惊心动魄《托斯卡》
一对“双生子”，“丑角”与“骑士”
是爱情，还是性之诱惑
一上场就“光荣”了
一曲难忘
《雷雨》的尝试与突破
由《赌命》想到的
再看《赌命》
一言难尽《秦始皇》
《西施》与《楚霸王》
后记

探寻音乐的无限疆域：三部跨越时代的杰作 以下为您呈现三部风格迥异，但都极具深度的音乐著作，它们各自从独特的视角剖析了音乐的本质、历史与未来。 第一部：《和声的炼金术：巴洛克至浪漫主义的结构革命》 作者： 伊利亚·凡·德·维尔德 (Elias van der Velde) 页数： 680页 出版社： 黎明之光学术出版社 (Aurora Scholarly Press) 定价： 98.00美元 ISBN： 978-1-89210-445-3 内容简介： 本书是音乐理论与历史分析领域的一部里程碑式著作。凡·德·维尔德教授以其深厚的音乐学功底和严谨的逻辑思维，系统地梳理了自巴赫到马勒近三百年的西方音乐发展脉络中，和声语言所经历的革命性演变。 不同于侧重于传记或风格介绍的传统教材，《和声的炼金术》将焦点完全集中于“结构”本身。作者首先深入剖析了巴洛克时期复调音乐中，基于“功能和声”的严格限制如何催生出令人叹为观止的复杂织体。他详细解读了巴赫赋格中的“内在线性逻辑”，并对比了亨德尔在歌剧中对和声色彩的早期尝试。 进入古典主义时期，凡·德·维尔德着重探讨了奏鸣曲式内部的“动态平衡”：如何通过主导和弦的建立、模进和解决，来构建宏大的戏剧张力。他引入了一套独创的“张力-释压指数模型”，用以量化海顿和莫扎特作品中，特定转调如何服务于整体形式的完美统一。读者将看到，古典三和弦的看似简单，实则蕴含着近乎几何学的精确性。 全书的转折点在于对浪漫主义早期（舒伯特、肖邦）和中后期（瓦格纳、李斯特）和声语言的深入挖掘。作者认为，浪漫主义的和声探索本质上是对功能和声体系的“系统性侵蚀”。通过对增六和弦、半音化技巧以及特定色彩和弦（如那不勒斯六和弦）在特定语境下的频率和功能变异进行统计分析，他展示了作曲家如何一步步拓展调性的边界。 尤其引人注目的是对瓦格纳《特里斯坦与伊索尔德》中“特里斯坦和弦”的重新分析。凡·德·维尔德摒弃了传统上将其视为“不解决的七和弦”的简单标签，而是将其置于更广阔的十二音体系初期尝试中进行考察，揭示了其作为“开启无限可能之门”的结构意义。 最后，本书探讨了勃拉姆斯对古典传统的坚守与对新和声的谨慎吸纳，以及后浪漫主义作曲家如理查·施特劳斯和马勒，如何通过极度扩展和声色彩，将调性体系推向崩溃边缘，为二十世纪的音乐变革埋下伏笔。本书的图表和乐例分析详尽精深，是音乐学院高年级学生和专业研究人员不可或缺的参考资料。 第二部：《寂静的语言：二十世纪先锋音乐中的非传统音响探索》 作者： 艾丽西亚·索尔诺夫 (Alicia Sornov) 页数： 420页 出版社： 城市之光出版集团 (Metropolis Publishing Group) 定价： 55.00欧元 ISBN： 978-3-901234-77-X 内容简介： 索尔诺夫的这部著作是一次大胆而清醒地审视二十世纪下半叶音乐激进主义的旅程。本书聚焦于那些挑战了“音高”和“节奏”作为音乐基本要素的作曲家及其作品，揭示了音乐如何从“组织声音”转向“体验声音本身”。 《寂静的语言》没有采用传统的编年史叙述，而是根据声音的物理特性和创作理念，将先锋音乐划分为四个核心探区： 1. 噪音与质感 (Noise and Texture)： 重点分析了卢奇亚诺·贝里奥和卡尔海因茨·施托克豪森早期电子音乐的实践。索尔诺夫详细阐述了磁带音乐的剪辑技术如何将非音高元素（如环境录音、白噪音）提升到与传统乐器同等的地位。她尤其关注了“声音景观”理论的形成，探讨了作曲家如何试图捕捉和重塑日常听觉经验。 2. 偶然性与不确定性 (Chance and Indeterminacy)： 本章是本书的精华部分，深入探讨了约翰·凯奇的哲学基础及其对音乐结构的反叛。索尔诺夫细致分析了《4’33”》的哲学意义，将其置于禅宗思想和后现代美学背景下进行解读。更重要的是，她对凯奇后期的“不确定性”记谱法进行了技术解析，对比了他在不同作品中对演奏者自由度的控制程度，强调了“过程”而非“结果”在作品中的核心地位。 3. 符号系统与图示记谱 (Sign Systems and Graphic Notation)： 这一部分考察了克日什托夫·潘德列茨基和扬·卡茨马雷克等波兰学派作曲家对乐谱的革新。作者展示了如何通过改变视觉符号（如线条、色块、密度图）来精确控制宏观的声响密度和时间流逝，而放弃了传统的五线谱。这些图示不仅是指令，它们本身就是音乐体验的一部分。 4. 身体与空间 (Body and Space)： 最后，索尔诺夫转向了对“表演”本身的反思，聚焦于行为艺术与音乐的交汇点。她分析了特定时刻剧场音乐（如拉·蒙特的尤利扬斯作品）中，观众的在场感和物理空间如何成为作品不可分割的组成部分。 本书的洞察力在于，它成功地将这些看似晦涩难懂的先锋实践，还原为对人类感知极限的系统性探索。它不是教人如何欣赏，而是教人如何“听见”那些被传统音乐训练所过滤掉的声音。 第三部：《东方之韵与西方之魂：丝绸之路上的音乐碰撞与融合》 作者： 宫本 雅彦 (Masahiko Miyamoto) 页数： 512页 出版社： 全球文化研究中心 (Center for Global Cultural Studies) 定价： 45.00英镑 ISBN： 978-0-987654-32-1 内容简介： 宫本雅彦教授的这部作品，是一部宏大而细腻的跨文化音乐人类学研究。它避免了将非西方音乐简单地视为“异域奇观”的窠臼，而是聚焦于历史上音乐观念、乐器形制和演奏传统在地理轴线上相互渗透和转化的动态过程。 本书的核心论点是：音乐的传播并非单向的“输入”与“输出”，而是在贸易、宗教和王朝更迭中形成的复杂“交响反馈回路”。 作者首先从中亚的变声之桥入手，详细考证了公元八世纪唐朝宫廷雅乐中，来自中亚和波斯的乐器（如筚篥、琵琶的早期形制）如何被本土化和“中国化”。他利用敦煌壁画中描绘的乐器图像，结合考古发现的实物碎片，重建了早期中西乐器相互影响的物理证据。 随后，重点转向伊斯兰黄金时代对旋律体系的影响。宫本教授详细对比了波斯“拉加姆”（Rāgam/Maqam）体系与印度“拉格”（Rāga）体系的结构差异，并探讨了这些体系如何通过阿拉伯世界的扩张，间接影响了欧洲中世纪的教会圣歌谱式。他特别指出，某些被认为是纯粹欧洲起源的调式结构，可能存在早期的东方根源。 本书的下半部分着眼于近代以来的“再发现”与“融合”。作者深入分析了十九世纪末至二十世纪初，西方民族主义音乐家（如德彪西）如何受到日本浮世绘和五声音阶的影响，以及这种影响在创作中是如何被解构和重塑的。 最具启发性的是对当代世界音乐（World Music）现象的批判性考察。宫本教授警惕地指出，许多被标签化的“融合音乐”，往往是西方音乐结构对东方旋律元素的浅层嫁接。他通过对印度西塔琴演奏大师拉维·香卡在西方巡演中的具体案例分析，展示了真正的跨文化对话，是如何在保持母体结构纯粹性的前提下，实现技术和哲学的深度交流。 《东方之韵与西方之魂》的价值在于，它提供了一种动态的、去中心化的音乐史观，提醒读者，音乐的“经典”并非孤立存在于某一地理边界内，而是在人类文明的广阔丝绸之路上，不断碰撞、磨合与再生的活态实体。这本书适合对世界音乐史、文化交流研究以及民族音乐学感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为自己是个对音乐不太敏感的人，但《经典音乐如是说》这本书，却像一把钥匙，打开了我心中尘封的音乐之门。它让我明白了，原来那些听起来“高深莫测”的古典音乐，其实蕴含着最朴素、最真挚的情感。《经典音乐如是说》这本书，让我重新认识了音乐的意义。我特别喜欢书中对探戈音乐的解读，虽然它并非传统意义上的“古典”音乐，但书中将其与情感的表达、人生的起伏紧密相连，让我理解了音乐是如何能够捕捉并放大我们的情绪的。那种时而热烈、时而忧伤、时而缠绵的情感，在音乐中得到了淋漓尽致的展现。我尝试着去聆听那些音乐，感觉自己仿佛也随着音乐起舞，经历了人生百态。这本书的语言风格非常独特，它不像很多音乐评论那样枯燥乏味，而是充满了诗意和哲思，让人在阅读的过程中，也仿佛在经历一场精神的洗礼。它让我开始主动去寻找那些能够打动我的音乐，去感受音乐带给我的喜悦、悲伤、以及对生活的热爱。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让人读了之后，内心久久不能平静的书。我的生活一直很忙碌，很少有时间静下心来欣赏艺术，但《经典音乐如是说》做到了。《经典音乐如是说》这本书，它不仅仅是一本书，更像是一扇窗，让我得以窥见那些沉睡在历史长河中的音乐瑰宝。书中对一些相对“冷门”但同样伟大的作曲家的介绍，让我惊喜连连。例如，关于勃拉姆斯，我过去只知道他是一位严肃的作曲家，但书中深入剖析了他音乐中蕴含的深情和坚韧，那种历经磨难后的温暖与力量，让我对他的作品有了全新的认识。我特意去听了他的一些交响曲，曾经觉得有些沉闷的部分，现在却能感受到其中蕴含的深沉情感和坚毅的线条。这本书的魅力在于，它能让你在阅读文字的同时，就能在脑海中勾勒出音乐的轮廓，甚至在心底激起共鸣。它让我明白，伟大的音乐能够跨越时空，触及到人类内心最柔软的地方，给予我们安慰和力量。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是一场惊喜的音乐之旅！我一直对古典音乐有些敬畏，总觉得那是一片深邃而遥不可及的领域。然而，《经典音乐如是说》以一种极其亲切和引人入胜的方式，将我带入了那个辉煌的世界。它不像一本枯燥的教科书，而是像一位慈祥的长者，娓娓道来那些伟大的作曲家和他们的不朽杰作。我特别喜欢它讲述贝多芬创作《第九交响曲》时的心路历程，那种面对命运的顽强抗争，那种对人类大同的深切期盼，通过作者细腻的笔触，仿佛就呈现在我眼前。读到这里，我忍不住停下手中的一切，去寻找那段激昂的旋律，当合唱响起时，我能感受到一股强大的力量在体内涌动，那是超越时代的情感共鸣。书中对巴赫赋格的剖析也让我茅塞顿开，原来那些错综复杂的旋律线条，背后隐藏着如此精巧的逻辑和深刻的哲思。我不再觉得那些和弦和音符是难以理解的符号，而是变成了有生命、有故事的表达。这本书让我发现，经典音乐并非遥不可及，它就在我们身边，在每一个触动心灵的瞬间。它让我愿意主动去探索，去聆听，去感受。

评分☆☆☆☆☆

这本《经典音乐如是说》彻底颠覆了我对古典音乐的刻板印象。我原以为会看到一堆晦涩难懂的乐理知识和枯燥的历史年代，结果却被它深深吸引，仿佛置身于一个充满故事和情感的艺术画廊。书中对于莫扎特童年时期的天才描绘，以及他短暂一生中那些充满生命力的作品，简直让人拍案叫绝。尤其是对《安魂曲》的解读，不仅仅是音乐本身的分析，更融入了对生命、死亡以及人类情感的深刻反思。作者的文字如同拥有魔力，能够唤醒我内心深处对美的感知。我尤其欣赏书中对音乐背后社会背景的阐述，比如浪漫主义时期音乐家们如何回应时代的变革和个人的情感激荡。当我读到肖邦在异国他乡对祖国的思念，那些忧伤而又坚韧的旋律，我仿佛能感受到他内心的孤寂与不屈。这本书让我明白，伟大的音乐不仅仅是音符的组合，更是作曲家心灵的呐喊、时代的回响，是人类共同情感的结晶。它让我重新审视音乐在我们生活中的意义，不再是背景音，而是能够与我们对话，治愈我们，激励我们的力量。

评分☆☆☆☆☆

读完《经典音乐如是说》，我感觉自己像是打开了一个全新的世界，一个充满色彩、情感和智慧的世界。这本书的独特之处在于，它并没有直接灌输音乐知识，而是通过讲述一个个生动的故事，让我们在不知不觉中爱上古典音乐。我非常喜欢书中关于德彪西印象派音乐的描述，那种如梦似幻、捕捉瞬间光影的音乐风格，让我脑海中浮现出一幅幅美丽的画面，像是微风拂过湖面，又像是阳光穿透树林。作者用非常形象的比喻，将抽象的音乐概念变得触手可及。当我听到那些作品时，不再是茫然的听众，而是能从中感受到那种“此时此刻”的美好和变幻。书中对瓦格纳歌剧的介绍也让我大开眼界，那种史诗般的宏大叙事，那种将音乐、戏剧、文学融为一体的艺术形式，虽然篇幅不多，却让我对这位巨匠充满了敬意。它让我意识到，古典音乐的魅力远不止于旋律，更在于它所承载的文化、哲学和人类的精神追求。这本书就像一位引路人，让我愿意继续在这条艺术的道路上探索下去。