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彭晓玲 著

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• 声乐
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• 音乐基础
• 声乐技巧
• 音乐

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562125709

版次：1

商品编码：11012881

包装：平装

丛书名： 21世纪音乐教育丛书

开本：16开

出版时间：2011-08-01

页数：172

内容简介

《声乐基础理论》的问世，丰富了声乐理论，拓宽了声乐研究的领域，为声乐教育事业作出了贡献。以往对有关声乐的理论知识，多是以专题讲座的形式进行讲解，而华中师范大学音乐系现将其列为学生必修的一门基础理论课程，并制定了教学大纲，保证课程严格有续地进行，此举据我所知，还是声乐教育界的首创。
此书有12章，内容全面、系统，其中诸多问题虽古今中外早有很多论著，但作者根据本人教学实践和研究，不少问题都有个人独特的见解，很有新意。更难能可贵的是，以往很多著作多是侧重某一个或几个问题来论述的，而此书将有关声乐的理论集中于一书，而且涉及的学术领域十分广泛，有美学、史学、心理学、生理学和物理学等，指导学习者去认识并运用声乐艺术的科学规律，既有广度又有深度。

目录

序 言
第一章 歌唱的思维
第一节 歌唱思维的重要意义
第二节 歌唱思维的特点
第三节 歌唱创造性思维的培养

第二章 歌唱的审美特征
第一节 个性独特的人声魅力
第二节 声乐艺术的语言魅力
第三节 声乐艺术的情感特征

第三章 歌唱的生理基础
第一节 歌唱的呼吸器官与运用
第二节 歌唱的发声器官与运用
第三节 歌唱的共鸣器官与运用
第四节 声音的高位置
第五节 歌唱的平衡

第四章 声音的分类
第一节 声部划分的重要性
第二节 声部划分的综合测定
第三节 声音的分类
第四节 声区

第五章 歌唱的语言基础
第一节 汉语言的基本结构与特点
第二节 语言的规范与音韵学
第三节 歌唱语言的特征

第六章 歌唱的心理基础
第一节 歌唱的心理特征概述
第二节 歌唱的感知觉
第三节 歌唱的想象
第四节 歌唱的思维
第五节 歌唱的意志与情感
第六节 歌唱的性格与气质

第七章 歌唱的二度创作
第一节 歌唱二度创作的意义
第二节 歌唱再创造的基本原则

第八章 歌唱与钢琴伴奏
第一节 培养音乐的听觉和感受力
第二节 分析作品、把握立体化的音乐形象
第三节 和谐统一的二度创作

第九章 歌唱的卫生与健康
第一节 歌唱发声器官疾病简述
第二节 嗓音病变原因及其防治方法
第三节 嗓音保健与卫生

第十章 影响深远的西欧美声唱法
第一节 西欧美声唱法的定义
第二节 美声唱法的三个重要时期
第三节 美声唱法的声乐教育
第四节 欧洲歌剧的发展历程
第五节 歌剧咏叹调的意义和演唱特点
第六节 艺术歌曲的风格与流派
第七节 美声唱法的重要论著及其意义

第十一章 美声唱法在中国的引进与发展
第一节 美声唱法与中国现代声乐教育
第二节 中国艺术歌曲的悠久传统
第三节 现代及建国17年艺术歌曲探论
第四节 我国女中音审美观念的更新与发展
第五节 当代歌曲和歌剧创作的繁荣

第十二章 源远流长的中国民族声乐
第一节 民族声乐（民歌、戏曲、曲艺）的悠久历史
第二节 现代民族声乐专业的建立与民族声乐的蓬勃发展
第三节 当代民族声乐对戏曲传统的继承与发扬
第四节 当代民族歌剧的创作成就
附录：《声乐基础理论》教学大纲
参考文献

歌剧艺术的演进与美学探析 图书名称： 歌剧艺术的演进与美学探析 作者： [此处填写作者姓名] 出版社： [此处填写出版社名称] ISBN： [此处填写ISBN号] 字数： 约15万字 --- 内容简介 《歌剧艺术的演进与美学探析》是一部深入剖析西方歌剧自文艺复兴晚期诞生至二十世纪末现代主义浪潮的宏大历史画卷与精微美学思想的专著。本书旨在超越传统歌剧史的简单编年叙事，聚焦于歌剧艺术在不同历史时期如何与社会思潮、哲学观念、技术发展及听觉审美相互作用，最终形成其独特而复杂的艺术体系。 本书结构清晰，逻辑严密，分为“溯源与奠基”、“古典主义的规范与突破”、“浪漫主义的激情与人性”、“世纪之交的多元探索”四大核心部分，辅以详尽的个案分析和理论阐释。 第一部分：溯源与奠基——巴洛克的幻觉与理性 本部分追溯歌剧的哲学渊源，深入探讨了16世纪末佛罗伦萨“新艺术同好会”对古希腊悲剧复兴的渴望如何催生了“以音乐讲述戏剧”的实验。重点分析了卡梅拉塔学派对“说唱调”（Recitar Cantando）的理论构建及其在早期歌剧（如佩里的《欧律狄刻》）中的实践。 随后，本书详细考察了克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）在曼图亚和威尼斯时期对歌剧艺术的革命性贡献。我们不仅分析了《奥尔费奥》在人声表达、管弦乐配器上的创新，更将其置于巴洛克时期“奇观美学”（Spectacle Aesthetics）的语境下进行解读。研究了巴洛克歌剧（特别是“正歌剧” seria 与“喜歌剧” buffa 的早期形态）中咏叹调（Aria）与宣叙调（Recitative）的结构性分工，揭示了这种结构如何服务于强调个体情感宣泄与遵循固定程式的张力。此外，本书对威尼斯歌剧院商业化的兴起及其对歌剧创作的影响进行了细致梳理。 第二部分：古典主义的规范与突破——对清晰性与平衡的追求 进入18世纪中期，歌剧迎来了对巴洛克过度装饰的理性反思。本部分着重探讨了“歌剧改革”的核心议题，特别是克里斯托夫·维兰德（Christoph Willibald Gluck）如何试图回归戏剧的本真，强调音乐为文本服务的原则。通过对《奥尔菲欧与欧律狄刻》等作品的深入剖析，本书阐释了古典主义美学中对清晰性（Clarity）、平衡感（Balance）和普适性（Universality）的追求如何重塑了歌剧的结构与情感表达方式。 随后，本书聚焦于“歌唱之王”法里内利（Farinelli）时代的阉人歌手现象及其对早期美声技巧的塑造。并过渡到沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的成熟期创作。莫扎特作品（如《费加罗的婚礼》、《唐璜》）被视为古典主义歌剧的巅峰，本书探讨了莫扎特如何巧妙地在严格的结构中注入复杂的心理层次，特别是他如何运用乐队织体来推进戏剧冲突，而非仅仅作为人声的伴奏。对于“德语歌唱剧”在莫扎特手中如何获得与“意大利歌剧”同等的地位，本书也进行了专题论述。 第三部分：浪漫主义的激情与人性——无限情感的拓展 19世纪是歌剧走向高峰的时代，浪漫主义思潮深刻地影响了其主题、音乐语言和舞台呈现。《浪漫主义的激情与人性》部分首先探讨了这一时期歌剧艺术与民族主义、个体解放思潮的紧密联系。 本部分详细分析了意大利“美声歌剧”（Bel Canto）的黄金时代，特别是罗西尼、贝利尼和多尼采蒂的作品中，对声乐技巧的极致展示与旋律线的纯粹美感的坚持。随后，本书进入朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi）的宏大世界。威尔第的创作被视为意大利民族精神的听觉载体，我们考察了他如何从早期对政治隐喻的运用，逐渐深化到对人类普遍情感（如嫉妒、复仇、牺牲）的深刻挖掘，特别是其后期作品中，乐队角色地位的显著提升。 在德语世界，理查德·瓦格纳（Richard Wagner）的贡献被视为一场革命。本书将瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论作为核心，详细解析了“主导动机”（Leitmotiv）系统的复杂运作，分析了其如何打破传统咏叹调与宣叙调的界限，构建出“无限旋律”（Unendliche Melodie）的叙事流。此外，本书还讨论了瓦格纳对中世纪传说、哲学思辨的偏爱，以及他对传统调性体系的冲击。同时，本章也兼顾了现实主义流派的兴起，如法国的“抒情歌剧”（Opéra Lyrique）以及意大利的“真实主义”（Verismo）流派（如普契尼），分析了他们如何将日常题材和强烈的感官冲击引入舞台。 第四部分：世纪之交的多元探索——调性的边缘与新的边界 进入20世纪，社会结构的剧烈变化和科学哲学的新发现对歌剧艺术发起了前所未有的挑战。本部分探讨了在调性体系趋于瓦解的背景下，歌剧作曲家们如何寻求新的表达工具。 重点分析了理查德·施特劳斯（Richard Strauss）在后浪漫主义和早期表现主义歌剧中对心理深度的极致描绘，特别是《莎乐美》和《埃勒克特拉》中对人类潜意识和非理性的揭示。本书也深入研究了德彪西（Claude Debussy）在《佩利亚斯与梅丽桑德》中，对“暗示”与“气氛”的追求如何挑战了传统歌剧的宏大叙事模式。 最后，本书探讨了20世纪中后期歌剧的多元发展方向，包括对民间音乐、爵士乐元素的借鉴，以及如布列顿（Benjamin Britten）在英国语境下对传统与现代的融合，以及后现代主义语境下对歌剧结构、性别角色和观众参与的解构与重塑。 本书特色： 1. 跨学科视角： 结合音乐学、戏剧理论、哲学史和社会学，提供多维度的分析框架。 2. 详尽的乐谱案例分析： 选取关键作品的片段进行细致的音乐语言解析，而非停留在表面的故事介绍。 3. 对听觉审美的探讨： 深入讨论特定历史时期对“美声”与“戏剧性”的不同权衡标准。 《歌剧艺术的演进与美学探析》是音乐专业学生、歌剧爱好者、艺术史研究者不可或缺的参考读物，它引导读者以批判性的眼光重新审视这一集合了文学、戏剧、视觉艺术与音乐的复杂艺术形式，理解其如何在历史的洪流中不断自我批判与重生。

评分☆☆☆☆☆

我一直对美妙的歌声充满向往，但总是觉得唱歌是一件很神秘的事情，直到我读了《声乐基础理论》。这本书就像一把钥匙，为我打开了通往声乐世界的大门。它不仅仅是关于技巧的堆砌，更是关于声音的哲学。作者从人体工程学和物理学的角度，深入浅出地剖析了声音是如何产生的，气息又是如何与声带协同工作的。我被书中关于“声音的塑造”的讲解深深吸引，它让我明白，每一个声音都是独一无二的，而通过科学的方法，我们可以让自己的声音变得更加动听。书中提供的练习方法也非常具有指导意义，我按照书中的指示，一步步地去尝试，虽然过程充满挑战，但每一次小小的进步都让我倍感欣喜。这本书让我看到了声乐学习的无限可能，也让我对自己的声音有了新的期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的让我眼前一亮！我一直对唱歌挺感兴趣，但总是感觉不得其法，唱出来的声音干涩，气息也不稳。之前也零零散散地看过一些关于声乐的书，但要么讲得太专业，我这个初学者完全看不懂，要么就是泛泛而谈，没什么实际操作的指导。直到我偶然翻到这本《声乐基础理论》，才发现原来声乐学习可以这么有条理，这么清晰。书的开头就从最基础的发声原理讲起，一点一点地剖析了声带是如何工作的，气息是如何支撑声音的，这对于我理解“唱歌是怎么发出来的”有了颠覆性的认识。它不像我之前看的那种书，直接上来就讲技巧，而是先建立起一个坚实的理论基础。比如，关于共鸣腔的作用，书里用了非常形象的比喻，让我一下子就理解了为什么唱歌要打开喉咙，为什么要有“打通”的感觉。而且，它还很注重气息的训练，给出了很多循序渐进的练习方法，我按照书里的指示每天练习，真的能感觉到自己的气息变得更长，声音也更稳定了，这一点真的是太惊喜了！

评分☆☆☆☆☆

我一直在寻找一本能让我真正理解音乐的本质的书，而《声乐基础理论》恰好满足了我的需求。我一直认为，音乐不仅仅是旋律和节奏的组合，更是一种情感的表达，而这本书让我明白了，要将情感准确地传达给听众，首先需要掌握扎实的发声技巧。作者在书中详细阐述了声音的“质感”和“色彩”，以及如何通过不同的发声方法来赋予声音不同的表现力。我特别喜欢书中关于“情感共鸣”的章节，它不仅仅停留在理论层面，还结合了许多音乐作品的例子，让我深刻体会到，一个好的演唱者是如何通过声音将情感的力量放大，从而触动人心的。这本书也让我认识到，声乐学习是一个循序渐进的过程，需要耐心和坚持，但我相信，只要我按照书中的方法勤加练习，一定能够不断提升自己的演唱水平，也能够更深刻地理解和表达音乐的美。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个音乐爱好者来说，《声乐基础理论》是一本不可多得的宝藏。我过去总是觉得，学唱歌就是模仿，就是靠耳朵去听，但这本书让我意识到，声乐背后有着深厚的科学依据。作者在书中用非常通俗易懂的语言，解释了声带的生理结构，以及气息如何在发声过程中起到关键作用。我尤其欣赏书中关于“共鸣”的讲解，它让我明白了为什么有些歌手的声音听起来那么饱满、那么有穿透力。书中还提供了一些非常实用的练习方法，比如如何进行气息的稳定训练，如何找到正确的声带闭合点，这些都对我非常有帮助。我按照书中的指导，每天坚持练习，真的能感觉到自己的声音越来越有力量，也越来越稳定。这本书让我对声乐有了全新的认识，也激发了我更深入学习声乐的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这本《声乐基础理论》就像是我打开音乐世界的一扇新大门，我原本以为声乐就是靠天赋，靠嗓子好，但这本书彻底颠覆了我的认知。它深入浅出地讲解了声乐背后蕴含的科学原理，从人体的发声器官到声音的传播，再到如何有效地运用气息来控制音高和音量，都进行了详尽的分析。我印象最深刻的是关于“支点”的概念，作者用图文并茂的方式解释了如何找到腹部支撑点，并将其与声带的振动结合起来，这让我明白了为什么有些歌手唱高音时依然游刃有余，而我却总是“卡壳”。书中还提供了一些非常实用的练习，比如腹式呼吸的练习、声音的连接和过渡，我按照书中的指导，一步一步地去尝试，虽然过程有些艰难，但每次进步都让我充满成就感。这本书不仅仅是一本理论书籍，更像是一位循循善诱的老师，它引导我认识自己的声音，也教会我如何去雕琢自己的声音，让我对声乐学习充满了信心和期待。