中国二胡曲典（第2卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵寒阳 编

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• 二胡
• 中国传统音乐
• 民族乐器
• 乐谱
• 古典音乐
• 器乐
• 音乐
• 艺术
• 文化
• 教材

出版社： 蓝天出版社

ISBN：9787509408827

版次：1

商品编码：11226453

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-03-01

用纸：胶版纸

页数：332

字数：340000

正文语种：中文

内容简介

　　二胡这件中华民族音乐中的瑰宝，虽然已有一千多年的历史，但真正成为独奏乐器登上音乐舞台，还是从20世纪30年代由著名民族音乐家刘天华先生率先确立的。因此，二胡作品最早一般都追溯到周少梅及刘天华创作和传谱的十几首乐曲。在此后的百年发展期中，据不完全统计，二胡积累了三千余首作品，但进入流传范围的不到十分之一，被公认为经典乐曲反复使用的就更少了。这其中有一个出版推广的原因，使许多优秀的二胡作品不能及时与广大演奏者和爱好者见面，这部分优质资源的浪费是一件非常可惜的事情。而且，在现行的出版物中，由于版本和出版社的不同，乐谱的差异和错误屡见不鲜，在一定程度上也影响了这些作品的推广和使用。为此，我们决心要编订一套较为完备、准确、全面、实用的《中国二胡曲典（第2卷）》，为方便广大演奏者及爱好者使用，也为对二胡作品进行一次归纳与集成，应该说是具有重大意义的。

内页插图

目录

1．病中吟
2．听松
3．熏风曲
4．弹乐
5．小花鼓
6．弓桥泛月
7．阳关三叠
8．拉骆驼
9．新农村
10．喜唱丰收
11．赶集
12．三门峡畅想曲
13．战马奔腾
14．秦腔主题随想曲
15．豫乡行
16．流浪者之歌
17．西秦王爷
18．江河云梦
19．蒙风
20．火——彩衣姑娘
21．双阕
22．天山风情

前言/序言

《中国传统戏曲声腔艺术探微》 导言：声腔的脉络与神韵 本书旨在深入剖析中国传统戏曲中各个主要声腔流派的形成、演变、核心特征及其艺术表现力。我们致力于超越简单的曲目罗列，探究声腔背后的文化土壤、地域特色以及历代戏曲大家对这些音乐语汇的传承与创新。戏曲声腔，作为中华民族审美情趣的高度凝练，其复杂性、丰富性与深刻性，要求我们以历史的眼光和专业的视角进行系统梳理。本书将重点关注京剧、昆曲、越剧、川剧等多个代表性剧种的唱腔体系，力求展现中国声乐艺术的广阔图景。 第一部分：历史的沉淀——戏曲声腔的源流与分化 戏曲声腔的形成并非一蹴而就，它是民间歌舞、说唱艺术、雅乐宫廷音乐长期融合、碰撞、再创造的结果。本部分将追溯从唐宋燕乐、诸宫调到元杂剧、南戏的漫长历程。 第一章：早期声腔的萌芽与雏形 探讨隋唐燕乐向宋代诸宫调的过渡，分析早期说唱艺术如“变文”、“话本”中蕴含的音乐元素。重点考察南戏（温州杂剧）的“曲牌”与“板式”的初步确立，揭示其在继承民间歌谣基础上的早期规范化尝试。此时的声腔多以直抒胸臆、情绪奔放为主，尚未形成严格的程式化体系。 第二章：元杂剧与南戏的鼎盛及其声腔定型 元杂剧的“牌子腔”体系，是早期戏曲音乐的集大成者。本章细致分析了元曲中“套数”的结构逻辑，即在一个剧目中如何根据剧情需要，有选择地使用一系列既定的曲牌。同时，对比南戏在“曲牌体”之外，对“曲词”的自由处理方式，探究两种主要声腔体系在艺术追求上的差异。这一阶段，声腔开始注重“唱腔”与“角色身份”的对应关系。 第三章：明清之际的声腔变革与昆曲的崛起 明代中叶，以昆山腔为代表的声腔艺术达到了一个高峰。昆曲的出现标志着中国戏曲声腔进入了“典雅化”与“精细化”的时代。本章将详述昆曲“水磨腔”的特点，包括其对气息的极致要求、细腻的润腔技巧以及与文人文学的深度结合。分析昆曲如何通过“合乐”的严格标准，规范了旋律的进行和节奏的控制，使其成为后世许多地方戏曲学习的“母本”。 第二部分：地域的色彩——地方戏曲声腔的风格构建 中国幅员辽阔，不同地域的自然环境、风俗习惯和语言特点，孕育出了风格迥异、各具魅力的十余种主要地方戏曲声腔。本部分将聚焦于这些声腔如何在外来影响下，最终形成具有强烈地域辨识度的音乐语言。 第四章：北方雄浑——京剧的腔调体系 京剧声腔是集大成者，本章深入分析“西皮”和“二黄”两大声腔体系的结构。探讨其如何吸收徽班的唱法，融合了昆曲的精致与汉调的奔放。重点剖析京剧板式（如慢板、中板、快板）的节奏变化如何服务于人物情感的递进。同时，细致阐述京胡、月琴等伴奏乐器在烘托唱腔氛围中的不可替代性。 第五章：南方的婉转与市井的活力——江浙声腔群像 本章侧重于江南地区的声腔艺术。首先，剖析越剧的“板腔体”特色，探讨其如何吸收沪剧、宁波调等元素，形成如“慢板”、“紧拉板”等具有鲜明抒情色彩的唱腔。其次，考察淮扬戏等声腔在语言运用上的精妙，如何将方言的韵味融入唱腔，实现“唱腔即方言”的艺术效果。 第六章：西南的狂放与斑斓——川剧与秦腔 巴蜀之地孕育了热烈奔放的川剧声腔。本章分析川剧声腔中“高腔”、“清音”、“弹腔”并存的复杂局面，重点解析川剧的“花腔”特色及其与武功、变脸等表演环节的紧密配合。同时，引入秦腔，探究其“怒吼式”唱腔所体现的西北人民的粗犷与豪迈，以及“曲牌联套”在秦腔中的特殊运用方式。 第三部分：技术的精粹——声腔艺术的演唱技法 声腔艺术不仅是旋律的堆砌，更是对人体发声器官的精妙控制。本部分从技术层面解构优秀唱腔的实现路径。 第七章：气息的运用与气口把握 详细论述戏曲演唱中对丹田气的深度开发。分析不同声腔（如京剧的“运气”与昆曲的“以气带声”）在气息支撑上的差异。探讨“气口”——即换气点——在旋律连贯性和情感表达中的关键作用。 第八章：润腔、擞腔与板式的转换 润腔，即对基本旋律音的装饰与美化，是区分专业与业余的重要标准。本章细致区分不同剧种（如京剧的“擞”、“擞”、川剧的“颤音”）的润腔手法。同时，系统阐述在板式转换中，演唱者如何通过节奏的突然加速或放慢，实现剧情高潮的戏剧性张力。 第九章：角色行当与声腔的匹配逻辑 戏曲声腔的另一个核心在于“人声”与“角色”的绑定。本章考察不同行当（生、旦、净、丑）在音域、音色、情感表达上的特定要求。例如，老生腔的“苍劲”如何通过特定音区的运用来体现，而花旦腔的“灵动”又依赖于何种高频音色的处理。 结语：未来的传承与创新 本书最终将回归到对戏曲声腔艺术未来的展望。面对现代社会对音乐的审美变化，如何在新编剧目中保持传统声腔的“神韵”而不落窠臼，如何利用现代录音技术更好地保存和研究这些珍贵的艺术遗产，是每一位戏曲工作者需要思考的命题。本书的梳理，旨在为未来的研究与实践者提供坚实的学术基石。 --- 本书资料主要依据对国家级非物质文化遗产戏曲项目档案、中央音乐学院及中国戏曲学院的专业教材、以及历代戏曲理论家（如清代王季思、近现代欧阳予倩等）的论述进行整理与分析。

评分☆☆☆☆☆

从整体结构和学习路径的设置来看，这套书的编排是极具智慧的。它不是简单地将曲目按难度系数线性排列，而是似乎遵循着一种内在的逻辑或者说是某种地域流派的递进关系。我发现，相邻的几首曲子在技巧上有着微妙的承接和过渡，仿佛在引导学习者自然而然地完成一次技能的升级。这种设计极大地增强了学习的连贯性和趣味性，避免了学习者在面对难度突然跃升时的挫败感。我过去常遇到的问题是，不同曲集之间的风格切换太突兀，导致我的演奏状态也时常摇摆不定。但这一卷的内在统一性非常好，使得我在一个相对稳定的艺术氛围中进行深入探索。它提供了一个非常扎实的学习框架，让你可以循序渐进地打磨自己的“二胡语言体系”，而不是东学一点西学一点，最终难以形成自己的风格。对于想要系统提升的演奏者来说，这种结构上的匠心独运，比任何单一的技巧指导都要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种古典与现代交融的风格，一下子就抓住了我的眼球。我特别喜欢它在排版上下的功夫，字体选择大气又不失细腻，乐谱的清晰度也做得非常到位，即便是像我这种视力不算太好的乐手，也能轻松辨认每一个细节。要知道，对于学习二胡这种需要精确到毫厘的乐器来说，乐谱的易读性是多么重要！而且，纸张的质感也很好，拿在手里沉甸甸的，充满了厚重感，让人感觉这不仅仅是一本乐谱集，更像是一件值得珍藏的艺术品。翻开内页，那种墨香与纸张特有的气味混合在一起，简直是给演奏者最好的精神抚慰。我猜想，编辑团队在制作过程中一定花了很多心思去平衡实用性和美观性，这方面做得非常成功。拿到书的当天，我就迫不及待地试着演奏了其中一首曲子，那种视觉上的愉悦感，确实能潜移默化地提升演奏的心情和专注度。比起那些设计得过于花哨或者过于简陋的版本，这本书的平衡拿捏得恰到好处，体现了一种对传统音乐应有的敬畏和对现代读者的尊重。我真心希望未来的乐谱集也能借鉴这种高水准的制作工艺。

评分☆☆☆☆☆

这本书在注释和演奏提示方面的详尽程度，可以说是超出了我的预期，尤其对于中高级学习者来说，简直是如获至宝。它并没有满足于仅仅给出指法和弓法标记，而是深入到音乐的“灵魂”层面进行剖析。例如，对于某个特定段落的情绪处理，书里给出了非常具体和富有画面感的描述，而不是敷衍的“略微加快”或“加强力度”。更让我受益匪浅的是，它对一些传统演奏技法的细微差别进行了详尽的文字解释，比如“揉弦”在不同音区应有的宽度和速度变化，这些都是教科书上难以详述的精髓。我过去在处理某些高难度技巧时总感觉“不到位”，现在通过对照书中的解析，才恍然大悟，原来关键点在于对力度的微妙控制和对手指触弦角度的理解。这种“手把手”的教学质量，极大地减少了我反复摸索的时间，让我能更快地抓住原作的神韵。这表明编纂者是非常懂得一线演奏者在学习过程中会遇到的实际困难，并提供了极具针对性的解决方案。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的选曲眼光给予最高的赞誉。它收录的曲目并非那种烂大街的入门曲，而是真正能够体现二胡艺术深度和广度的佳作。这里面的每一首曲子似乎都在讲述一个独立的故事，有着鲜明的地域色彩和深刻的情感内涵。我惊喜地发现其中几首是地方戏曲中那些鲜为人知却极具表现力的选段，这对于我拓宽演奏曲目、丰富情感表达维度非常有帮助。很多曲集的选曲都比较保守，总是在重复那几首经典，时间久了难免审美疲劳。但这一卷却像一个精心策划的音乐会曲单，从激昂到婉转，从叙事到抒情，层次分明，让人在学习的过程中体会到的是完整的艺术脉络的构建，而不是零散技巧的堆砌。可以说，这本书的编纂者对二胡音乐的理解已经达到了相当高的境界，他们提供的不仅仅是音符，更是通往更深层次音乐理解的桥梁。我已经在思考如何将这些新学的曲目融入到我接下来的独奏音乐会中去了，每一个音符都蕴含着巨大的潜能。

评分☆☆☆☆☆

这套书的定价虽然不算低，但考虑到其内容的深度、选曲的独特性以及整体的制作水准，我完全认为它具有极高的性价比，是值得所有严肃对待二胡艺术的乐手进行长期投资的一套工具书。很多时候，我们为了追求快速进步，会购买大量廉价的、内容重复的教材，结果往往是买了一堆“纸面知识”，真正能沉淀下来的很少。然而，这本《中国二胡曲典（第2卷）》给我的感觉是，它更像是一个经验丰富的二胡大师坐在你身边，为你精心筛选、提炼并讲解的精华所在。它的价值不在于“多”，而在于“精”和“深”。我甚至认为，未来在考级或专业比赛中，如果能将其中几首具有挑战性的曲目演绎到位，定能让评委眼前一亮，因为它展示了演奏者不仅有扎实的基本功，更有对二胡音乐广阔视野的理解和驾驭能力。毫不夸张地说，这本书已经成为了我练习室里不可或缺的“镇山之宝”。