历代名家册页：金农 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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《历代名家册页》编委会 编

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出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534034879

版次：1

商品编码：11225267

包装：平装

开本：12开

出版时间：2013-04-01

用纸：胶版纸

页数：47

正文语种：中文

内容简介

　　金农（1687-1763），清代书画家、诗人。字寿门，又字司农，号冬心先生、稽留山民、昔耶居士。仁和（今浙江杭州）人，流寓扬州。尝署款日金吉金，梵典中“金”译为“苏伐罗”，故镌一印日“苏伐罗吉苏伐罗”。博学多才，精鉴别，工书，自创“漆书”，在隶楷间。尤善诗文，造怀复远，蓄韵幽微。好游历，跋涉四方，终无所遇，年五十始习画。善山水、人物、花卉，尤擅画梅，涉笔即古，脱尽画家之习。画中多跋，写胸中逍遥高岸之气，为“扬州八家”之一。著有《冬心先生集》等。传世作品有《玉壶春色图》轴、《梅花图》册页等。

内页插图

前言/序言

好的，这是一份关于不同图书的详细简介，与您提到的《历代名家册页：金农》内容无关。 --- 《宋代诗词选注与评析》 引言： 宋代，一个文风鼎盛，诗词艺术臻于成熟的时代。从开国初期的沉郁顿挫，到中晚期的婉约细腻，再到后期涌现出的豪放派的磅礴气象，宋代诗词以其独特的审美情趣和深邃的思想内涵，在中国文学史上占据着至关重要的地位。本书旨在系统梳理宋代诗词的发展脉络，精选历代最具代表性的作品，并结合详尽的注释与深入的评析，为读者提供一份全面而深入的宋代文学鉴赏指南。 第一部分：北宋初期的变革与探索 北宋建立之初，文人墨客在继承唐代遗风的同时，也开始寻求新的表达方式。本部分聚焦于早期词坛的探索，特别是那些试图突破“花间派”柔靡之风的作品。我们将详细解析以柳永为代表的都市词风，他对于市井生活和个人情感的细腻描摹，如何开创了慢词的新格局。同时，也会探讨如晏殊、欧阳修等人在词律和意境上所做的努力，他们如何将士大夫的文人情怀融入婉约词中，使其更具典雅之美。 重点篇目解析： 选取柳永《雨霖铃》、晏殊《浣溪沙》等名篇，从句法结构、用典选择、情感张力等方面进行细致剖析，探讨其艺术成就与时代背景的关联。 第二部分：豪放派的崛起与盛世气象 进入北宋中后期，随着国家政治环境的变迁，一股追求雄浑、开阔意境的艺术思潮应运而生。苏轼，作为豪放词派的开创者，其文学成就具有划时代的意义。本书将重点研讨苏轼如何将诗歌的意境融入词中，以哲理思辨和旷达胸襟，极大地拓展了词的题材与表现力。我们将分析其“以诗为词”的创作手法，以及他如何通过对自然景物的描绘，寄托对人生和政治的深刻思考。 重点篇目解析： 对苏轼《念奴娇·赤壁怀古》进行多角度解读，着重分析其如何通过历史场景的再现，达到“境由心生，情寓景中”的艺术效果。 第三部分：婉约派的集大成者与对立 与豪放派并行发展的是婉约词的巅峰。以周邦彦为代表的词人，对音律的精妙把握达到了前人未有的高度，其作品结构严谨，用语典雅，被誉为“词中之圣”。本书将详细介绍周邦彦在词谱运用和句式变换上的匠心独运。同时，我们也关注那些在婉约中融入个人哀愁的作品，例如秦观，他以其特有的含蓄蕴藉的笔法，表达了深沉的忧郁和对美好事物的留恋。 重点篇目解析： 深入剖析周邦彦《少年游》中对音乐美学的极致追求，以及秦观《鹊桥仙》中对离别愁绪的细腻刻画。 第四部分：南渡前后的承接与创新 靖康之变后，南宋词坛在国家存亡的背景下，情感表达更为激越，主题更为沉重。岳飞的《满江红》以其慷慨激昂的爱国情怀，成为民族精神的象征。而李清照，作为宋代最杰出的女词人，其作品展现了极高的艺术水准和真挚的个人情感，从早期的清新明快到后期的沉郁悲凉，为我们留下了一份宝贵的闺阁心史。 重点篇目解析： 比较分析岳飞《满江红》的艺术特征与其所承载的历史责任感，并对比李清照《声声慢》中叠字的使用，探讨其对声律和情感的强化作用。 第五部分：南宋后期的多元发展 南宋后期，词风趋于多元化。辛弃疾，继承并发扬了苏轼的豪放传统，以其“以文为词”的创新，创造出汪洋恣肆、气势恢宏的独特风格，其作品中对恢复中原的渴望与壮志难酬的矛盾，极具感染力。同时，姜夔等词人则在清幽、雅洁的格调上继续深耕，注重个人情志的内敛表达。 重点篇目解析： 重点研读辛弃疾《永遇乐·京口北固亭怀古》，分析其如何通过历史人物的对比，抒发对国家命运的关切，以及姜夔在处理清冷意境时的笔法特点。 结语： 本书不仅是对宋代诗词作品的简单罗列，更是一次深入的文化探索之旅。通过对选篇的细致解读，我们得以窥见那个时代文人的精神世界、审美取向以及他们与社会环境的复杂互动。宋词，是中华文化宝库中一颗璀璨的明珠，其价值在于其丰富的情感层次、精湛的艺术技巧，以及穿越千年依然能引发读者共鸣的人文关怀。 --- 《中国古代木版年画的流变与艺术特征研究》 导论：民间艺术的活化石 木版年画，作为中国特有的一种民间艺术形式，历经数千年发展，是研究中国社会风俗、宗教信仰、审美情趣和雕刻印刷技术的重要载体。它以其鲜明的色彩、夸张的造型和吉祥的寓意，深深根植于百姓的日常生活之中。本书旨在追溯中国木版年画自萌芽至成熟，再到近代衰落与现代复兴的完整历史脉络，并从艺术语言的角度，深入剖析不同地域、不同时期年画的独特风格。 第一章：年画的起源与早期形态 追溯木版年画的源头，我们需从汉代的画像砖和魏晋时期的木刻印本说起。本章将探讨早期印刷技术如何与民间图像结合，形成了早期的“门神”和“贴画”形式。重点分析隋唐时期，随着佛教和道教的盛行，年画图像中宗教色彩的加强。 关键发展点： 早期“避邪驱祟”功能的体现，以及套色印刷技术在唐五代时期的初步应用与局限性。 第二章：宋元时期的成熟与世俗化 宋代市民阶层的崛起，为年画的普及提供了市场基础。本章将详细介绍宋代城市中出现的“年画作坊”，它们开始批量生产，题材也日益世俗化，逐渐从单纯的宗教符号转向世俗生活的描绘，如节庆、戏曲故事和吉祥图案。 案例分析： 结合出土的宋代木刻图像，分析其构图的朴拙与生动，以及水印技法在这一时期的发展。 第三章：明清时期：年画艺术的鼎盛 明清两代是中国木版年画的黄金时代，形成了以苏州桃花坞和天津杨柳青为代表的两大流派。 3.1 桃花坞派（江南）：精工细致的典雅之风 桃花坞年画以其细腻的线条和典雅的色彩闻名。本节将详述其“拉线勾边，套色分版”的精密工艺。作品题材广泛，尤以“仕女”、“婴戏”和“吉祥花卉”最为出色，体现了江南文人审美情趣对民间艺术的影响。 3.2 杨柳青派（北方）：粗犷有力的生活气息 杨柳青的艺术特色在于其独特的“彩绘填色”技法。它在木刻线条的基础上，大量采用手工彩绘，色彩对比强烈，造型饱满，极富生活气息和泥土芬芳。我们将分析其对戏曲人物和历史演义场景的偏爱，及其如何反映北方民众朴实热烈的精神面貌。 工艺对比： 深入比较桃花坞的“套色水印”与杨柳青的“线刻套印+手工彩绘”在视觉效果和制作难度上的差异。 第四章：晚清至民国：技术冲击与题材转型 随着西方机械印刷技术的传入和照相制版工艺的出现，传统木版年画面临前所未有的挑战。本章探讨在这一转型期，年画作者如何应对。一方面，一些作坊开始借鉴西方的透视法和光影处理，使画面更具立体感；另一方面，题材上则大量转向新闻时事、时髦人物和政治宣传，体现了传统艺术在现代化浪潮中的挣扎与适应。 时代侧写： 分析晚清“月份牌”的兴起，它如何巧妙地融合了西方月份日历与中国传统吉祥图案，成为一种新的商业艺术形式。 第五章：现代的复兴与学术价值 新中国成立后，对民间艺术的保护与抢救工作使得木版年画得以传承。本章将关注当代年画在继承传统的基础上，如何进行创新性发展，例如主题的现代化处理和新材料、新色彩的尝试。同时，本书将总结木版年画在研究中国版画史、民俗学乃至早期大众传播史中的不可替代的学术地位。 结语： 《中国古代木版年画的流变与艺术特征研究》通过对实物和历史文献的细致梳理，旨在展现这一古老艺术形式的生命力与复杂性。它不仅是视觉的盛宴，更是研究中国社会变迁的活态文本。 --- 《古代建筑的结构与美学：从榫卯到斗拱的解析》 前言：凝固的力学与哲思 中国古代建筑，以其独特的木结构体系，傲立于世界建筑之林数千年。其精妙之处，不在于厚重的石墙，而在于“柔性连接”的智慧——榫卯结构和斗拱系统。本书聚焦于解析这些核心结构构件如何完美结合力学原理与哲学美学，实现建筑的稳固、灵活性与艺术性的统一。 第一章：木构架体系的基础：榫卯的艺术 榫卯，是古代木工技艺的灵魂。本章将深入探讨不同类型的榫卯结构，如穿带榫、燕尾榫、十字榫等，及其在梁、柱、檩、枋等构件间的具体应用。我们将详细阐释榫卯如何通过精确的凹凸咬合，实现了构件之间的紧密结合，同时避免了使用钉子可能带来的材料应力集中问题。 结构解析： 结合大量线描图和剖面图，展示“墙倒屋不塌”的柔性抗震原理，以及榫卯在适应季节性形变中的作用。 第二章：承上启下的桥梁：斗拱的演变与功能 斗拱，作为中国古建筑最显著的标志之一，其功能绝非仅是装饰。本章将系统梳理斗拱自汉代萌芽、唐代雄大、宋代简化、至明清繁复的演变历程。我们将重点分析斗拱如何起到“挑出屋檐”和“传递荷载”的关键作用，并将屋顶的巨大重量均匀分散至柱身上。 比例美学： 探讨不同朝代斗拱的出跳比例如何影响建筑的整体气势，以及其“层层叠加”的结构逻辑所蕴含的几何学思想。 第三章：跨越空间的艺术：梁架结构 梁架系统是中国建筑的骨架。本章将解析不同类型的梁架，如“抬梁式”和“穿斗式”的结构特点、适用范围及其优劣。特别是对抬梁式中“戗脊”、“牵马柱”等关键构件的力学分析，揭示它们如何在跨度较大的空间内提供稳定的支撑。 空间哲学： 分析梁架结构如何创造出内部空间的自由度，并阐述开敞的内部空间与中国传统哲学中“天圆地方”观念的呼应关系。 第四章：屋顶与出檐的力学平衡 中国古建筑的宏大屋顶往往是自重最大的部分。本章将探讨如何通过屋顶的坡度设计、屋脊的曲线处理，以及悬挑出檐的长度和角度，来平衡结构荷载和应对雨水排泄。重点解析“庑殿顶”、“歇山顶”等不同屋顶形式的结构差异及其对建筑外观的影响。 形式与功能： 分析深远出檐在保护木结构免受雨水侵蚀方面的重要作用，以及曲线屋面在视觉上产生的轻盈感。 第五章：美学渗透：结构装饰化 在古代匠人眼中，结构与装饰是不可分割的。本章将考察在榫卯、斗拱、雀替、令箭等结构构件上所雕刻的纹饰，它们如何在满足功能需求的同时，体现出吉祥寓意和等级制度。探讨“结构即装饰，装饰即结构”的艺术境界。 文化符号： 分析龙、凤、蝙蝠等图案在结构构件上的应用，它们如何将世俗的祈愿融入到建筑的“骨骼”之中。 结语：不朽的工程学遗产 古代建筑的结构体系是一部写在木材上的工程学教科书。本书旨在让读者理解，那些看似古朴的连接方式，实则蕴含着对材料特性、力学原理和环境适应性的深刻洞察。这种将实用性与至高美学完美结合的智慧，至今仍具有重要的启示意义。 ---

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书带给我的是一种精神上的愉悦和对传统艺术的重新亲近感。它不仅仅是一本画册，更像是一份精心策划的文化之旅的邀请函。通过这些册页，我得以窥见一个更立体、更饱满的金农形象——他不仅是那位以怪著称的画家，更是一位生活在那个时代，对世界充满好奇、对艺术抱有赤诚之心的文人。每一次翻阅，都能发现新的趣味点，无论是那独特布局的章法，还是那些看似信手涂鸦却寓意深远的题款。它成功地将古典的艺术魅力，用现代的、易于接受的方式传递给了当代读者，没有架子，却有内涵，是那种值得放在书架上，时不时拿出来静静品味的佳作。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏这本册子在细节处理上所体现出的专业性。很多册页画作原迹的边缘部分，往往会因为装裱或流传过程而有所损耗，但在这本画册中，即便是那些经过数字化修复的边缘细节，也保持了相当高的可信度和清晰度，没有出现那种生硬的人工痕迹。比如，有些作品上的印章的朱砂色泽，被处理得既鲜亮又保有其年代感，能清晰分辨出印泥的厚度变化和拓印时的力度差异。这说明在制版和校色过程中，专业的艺术史专家和技术人员进行了细致的沟通和反复的校对，确保了“复刻品”的艺术价值能够最大程度地还原“真迹”的神韵。对于任何一个希望通过印刷品来研究或细品金农艺术语言的人来说，这种严谨的态度是至关重要的保障。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅这本册页集，我立刻被金农那股子“老顽童”式的率真和洒脱所吸引。他的笔墨，不同于同期许多大家那种雕琢的精致，而是带着一种天真烂漫的稚气，却又在不经意间流露出深厚的学养。我特别留意了其中几幅描绘蔬果和花卉的作品，那些辣椒画得是何等的生动，仿佛还能闻到微微的辛辣味；题跋上的文字更是别有趣味，那种看似信手拈来的洒脱背后，隐藏着对生活最本真的观察和体悟。这本画册收录的作品种类颇为丰富，涵盖了他不同时期的面貌，甚至能看到他晚年那种更加苍劲有力的线条变化。阅读的过程，与其说是看画，不如说是在与一位性情中人对话，他的画作里没有矫饰，全是真情实感，让人在快节奏的现代生活中找到了一片宁静而又充满活力的精神角落。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对清代绘画史有所涉猎的爱好者，我发现这本册页集在选材上的独到之处。它并未拘泥于收录那些最广为人知、已经被无数画册“消费”过的经典之作，而是似乎深入挖掘了一些较为罕见或被低估的佳作。这使得我——一个自认为对金农有一定的了解的读者——也获得了许多新鲜的视觉体验。例如，其中几页展示了他与友人间的书信往来中的小品画，那种随性的题词和简笔勾勒，更像是“文人游戏”的产物，却恰恰体现了金农作为“扬州八怪”之一的博学与幽默。这本册子的编排逻辑似乎是按照主题或时间脉络进行组织，引导读者逐步深入地理解金农艺术风格的演变，这种精心设计的阅读路径，极大地提升了欣赏的层次感和深度，而非仅仅是简单罗列图片。

评分☆☆☆☆☆

这本《历代名家册页：金农》的装帧设计真是让人眼前一亮。纸张的质感厚实而细腻，触摸起来有一种温润的触感，仿佛能感受到岁月的沉淀。印刷的色彩饱满，即便是那些年代久远的墨迹，也展现出惊人的层次感和力度。特别是对于金农那些标志性的“漆画”风格的作品，色彩的过渡处理得非常到位，既保留了原作那种拙朴的质感，又在现代印刷技术下显得清晰可辨。装订上也非常讲究，平摊开来时书页能够完全展开，对于欣赏大幅面的册页作品来说简直是福音，完全不用担心有任何视觉上的遮挡。封面设计简约而不失格调，只用了一个非常克制的字体来点明主题，让观者能够将全部的注意力集中到内页的艺术品上，这是一种非常成熟且懂得留白的排版哲学。整体来看，这是一本真正用心为爱书人、爱画人打造的精品，从拿到手的那一刻起，就能感受到出版方对于“册页”这一艺术形式的尊重与敬意。

评分☆☆☆☆☆

陆俨少，这位当代中国画坛不可多得的山水画艺术大师，以其深厚的功力，博学的才识，非凡的创造力，开创了当代山水画独树一帜的艺术风貌，登上了山水画艺术的又一峰巅。 他的山水画创作在国际上具有很大的影响，与李可染一起被誉为“北李南陆”，然以传统的笔墨意蕴审视，其成就显然在李之上。 陆俨少早年随冯超然学画，从王同愈习诗文，后又师从吴湖帆。 陆俨少的山水由"四王"正统派入手，后上溯宋元诸家。他20岁的临摹作品，即被冯超然认为可以乱真。他还临过王石谷、王原祁、戴醇士等明清真迹。这些临本，功力殊深，格调高雅。在他看来，"四王"的作品，平心而论还是有存在的价值，有许多宋元遗法，赖"四王"而流传下来。他对画史上的大名家，也不是一味盲目崇拜，而是择优而取。他认为石涛的一种生拙烂漫的笔墨，新奇取巧的小构图，有过人之处，但其大幅，经营位置每多牵强窘迫，未到行云自如、左右逢源的境界。他学吴湖帆，并不因其名重一时，又是他艺术生涯中领路的前辈而奉为圭臬。 陆俨少山水画集（精选）　　读陆俨少的山水画，常给人一种清新隽永、古拙奇峭的感觉。具有一种超凡脱俗的审美情趣，自有一种郁勃之气回荡其间，散发着行云流水般的意气，近视远看均有一番别具一格且引人入胜的景象。尤其是那独创的风貌，神奇的笔墨，灵变的意韵，散发着文人气息的高品位的艺术，具有一种引人入胜的美感。 陆俨少向来把传统文人画“天然去雕饰”视为创作的最高准则，但这种天然去雕饰，绝非一般文人墨客的笔墨游戏。他的画以高超扎实的笔墨技艺为根基，以胸有丘壑的博大情怀为视界，以对艺术的执著追求为基点。他的画实从生活中来，但又不仅仅是自然生活中的形象，而是一种对象化了的概括与提炼。他的画无做作的成分，却有经营的学问；无自怜自营的自缚，却充满着勃勃生机，让人感到清新、隽永、动感。他的山水画是从传统的山水画向现代迈进中，富有强烈时代感的艺术，达到了山水艺术境界的新的升华。他的画，无论从何种角度审视，都具有相当高的审美价值。 陆俨少中国画作品　　陆俨少的山水画拟可分为早、中、晚三个时期。早期从50年代始至70年代；中期从70年代后至80年代；晚期又从90年代始。然期间有个渐变的过程，有时各个时期又不能截然分开。 早期的作品呈缜密娟丽、神韵流动之感，较多地留有古人的笔意，尤其是唐寅、王蒙的遗风；中期的作品呈浑厚苍润、犷放简约，糅南北二宗画风，个性鲜明，风格独具；晚期的作品显得较为粗疏漫溢、荒率颓唐，这主要是心情不畅、疾病缠身，加上商品经济的冲击，想晚年再求变法，然终未能如愿以偿。然不管如何，陆俨少画风之演变，由缜密趋向简淡，简淡中又具犷达多变的境界。他的画既充实又空灵，充实中蕴含着空灵，空灵中饱含真实。这种空灵而真实，且又幻变的境界实是将宇宙生命中最具深刻意义的灿然呈现在人们的面前，自有一种化工之外的灵气，一种沉痛超迈的人生情蕴与深邃莫测的宇宙境界的完美合一。 陆俨少中国画作品　　陆俨少对中国山水画如何创新自有独到的见解。他认为，山水画皴法的出现，是中国画的一个里程碑，自后作者只不过在其范围之内改进修补，或在章法上出奇制胜，或在笔墨上更趋成熟，否则就谈不上中国画的创新。他曾说："凭聪明也可画出一张画来，但要真正画好画，没有传统功力不行。但不管如何，笔墨是中国画创新的首要条件。"陆俨少的山水画，其传统笔墨功力自不用说，其形式、构图更有独到之处。尤其是那巴山蜀水、峡江巫云的奇绮变化，通过他的多种笔墨技法的探索，终于使他的创作突破性地进入一个新的表现层次。尤其是他70岁左右，其山水画的创作出现了传统表现技法上少有的勾云、留白、墨块等画法。这些新的表现手法，不但是他山水画变法的标志，更是形成他独特风格的重要转折点。他的画以笔见长，笔笔见笔，笔墨韵律极有魅力。而他的设色又不同于吴湖帆的设色，强调在青绿设色中突出线条，并吸收敦煌及唐画的勾线，再参以赵孟頫、钱舜举法成之。 值得注意的是，陆俨少在笔墨技法上的创新，突出之点是表现在他的画云和画水。先说画云。云水陆俨少中国画作品　　陆俨少先生1948年乘筏险经三峡，沿途险滩相接，回波氵伏流，汹涌澎湃。其间上下渚滩，因其结构不同，惊波撞击，耍弄其势，天险幸过，额手称庆。此后，陆俨少不断探索改进，始用线条作半圈弧形，正反相属，连成一行，行行相并，聚散疏密，取其变化；有的画作漩涡状，溢波外溢，留出白地，以破其平；有时干脆间杂"网巾水"，或波头泛澜之法，以求变化。 值得称述的是，陆俨少所绘云、水二物，若同时在一幅画中出现，则更显奇妙。由于表现的手法不同，云是弧形带圆，水是弧形带扁；云之势氤氲氵翁勃，曲然而生，线条故简；水则潆洄曲折，或奔或咽，线条故繁。加之水是平面，云是立体.

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正品，印刷精美，非常的满意

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