中国音乐学院丛书：音乐论文写作基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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傅利民 著

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• 音乐论文
• 写作技巧
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• 中国音乐学院
• 学术研究
• 音乐理论
• 论文写作
• 高等教育
• 专业教材
• 音乐学

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806675878

版次：1

商品编码：11405702

包装：平装

丛书名： 中国音乐学院丛书

开本：18开

出版时间：2004-09-01

用纸：胶版纸

页数：143

正文语种：中文

内容简介

　　《中国音乐学院丛书：音乐论文写作基础》是作者在长期的音乐理论教学、写作经验和分析研究音乐类及文艺类各种论文文体的写作的基础上写成的。书中详细阐述了音乐论文从选题、资料搜集与梳理、撰写提纲、论点与论据、论证到答辩的全过程，并涉及到科研申报书填写及开题报告的写作等。它是一部目前比较完整的音乐学术论文写作的论著。
　　《中国音乐学院丛书：音乐论文写作基础》以培养音乐专业学生分析、研讨音乐学术问题的能力，提高学生音乐学术论文的写作水平为目的，突出实践性写作环节，强调理论与实践的紧密结合，拓展学生的发展性思维能力，为学生从事音乐学术研究奠定扎实的写作基础。
　　《中国音乐学院丛书：音乐论文写作基础》可作作音乐校学校论文写作课的教材，也可供专业，业余的音乐教师和研究人员学习参考。

作者简介

　　傅利民，1960年12月出生于江西丰城。1986年7月毕业于江西师范大学音乐系，获学士学位。1994年毕业于上海音乐学院，获文学硕士学位。2002年7月毕业于中央音乐学院，获文学博士学位。现为中国音乐学院教授，硕士研究生导师。长期以来主要从事中国传统音乐理论和民族器乐的配器。

目录

序
第一章 音乐论文的概念、类别及格式
第一节 音乐论文的概念及撰写目的
一 音乐论文的概念
二 音乐论文的撰写目的和意义
第二节 音乐论文的类别
一 按学科分类
二 按写作方法和文体属性分类
三 按科学研究的两个组成部分分类
第三节 音乐论文的写作格式与规模
一 写作格式
二 写作规模
三 学位论文印制格式

第二章 音乐论文的必备条件
第一节 科学性
一 科学的方法
二 科学的态度
三 科学的内容
四 科学的表达
第二节 学术性
一 学术性的语言
二 学术性的选题
三 高素质的修养
第三节 创新性
一 旧说新证
二 否定旧说
三 发展新说
四 创立新说
五 学说综合

第三章 选题
第一节 选题的意义与原则
一 选题的意义
二 选题的原则
第二节 选题的途径与方法
一 选题的途径
二 选题的方法
第三节 课题申请书的填写与开题报告
一 课题申请书的填写
二 开题报告

第四章 资料的搜集与梳理
第一节 搜集资料的意义
第二节 搜集资料的方法
一 确定方向
二 文献检索
三 考察与调查
四 实验
第三节 资料的梳理、筛选和使用
一 阅读资料
二 分类组合
三 选择与贮存

第五章 撰写提纲
第六章 论点和论据
第七章 论证
第八章 论文答辩及评分标准
参考书目
后记

前言/序言

《西方音乐史纲：从古代到浪漫主义》 一、本书概述：宏大的历史画卷与精深的学术洞察 《西方音乐史纲：从古代到浪漫主义》是一部全面而深入的学术专著，旨在为读者勾勒出西方音乐自萌芽期至19世纪中期艺术高峰的演变轨迹。本书不仅仅是简单的事件罗列或作曲家传记集合，它更致力于揭示音乐形式、风格、审美观念与社会文化背景之间复杂而深刻的互动关系。全书以严谨的史学方法为基石，辅以详尽的音乐学分析，构建起一座从格里高利圣咏到贝多芬晚期交响曲的宏伟知识殿堂。 本书的叙事结构清晰，逻辑严密，分为“导论”“古代与中世纪”“文艺复兴”“巴洛克时代”“古典主义时期”以及“浪漫主义的黎明”六大部分，力求在时间轴的推进中，展现西方音乐如何逐步确立其理论基础、完善其表现手法，并最终走向高度个体化的艺术表达。 二、内容深度解析：跨越千年的音乐文明 第一部分：导论与古代音乐的奠基 导论部分首先确立了西方音乐史研究的基本范畴、研究方法论，并对“音乐”一词在不同历史时期的内涵变化进行了辨析。随后，笔锋转向古希腊与古罗马。本书细致考证了毕达哥拉斯的音律理论对西方音乐哲学的深远影响，探讨了古希腊“乐戏”（Mousike）的社会功能，并分析了早期的记谱尝试，为后续西方记谱法的诞生埋下伏笔。 第二部分：中世纪：神圣与世俗的交织（约500年—1400年） 中世纪部分是本书的重点之一。作者首先详述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）在教会音乐中的核心地位，分析了其单音性、自由的节奏特征及其在礼仪中的象征意义。接着，本书深入探讨了复调音乐的起源与发展：从早期的奥尔加农（Organum）到莱昂南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在巴黎圣母院乐派的鼎盛，清晰地展现了多声部如何从平行进行走向有组织的织体构建。 与此同时，本书并未忽略世俗音乐的重要性。特鲁巴杜尔（Troubadour）、特鲁维尔（Trouvère）和中世纪游吟诗人（Minnesinger）的作品被赋予了足够的篇幅，分析了他们的诗歌主题（爱情、骑士精神）以及伴奏音乐的结构特点，展现了音乐文化在教会之外的活力。 第三部分：文艺复兴：人文主义的复苏与织体艺术的成熟（约1400年—1600年） 文艺复兴章节的核心在于对“人”的重新发现及其在音乐中的投射。本书首先聚焦于法兰德斯乐派（如若斯坎、帕莱斯特里那）对复调技巧的精纯化，尤其是“模仿复调”的成熟运用。作者通过对亡灵弥撒（Requiem）和宗教动机（Motet）的分析，揭示了音乐如何在保持宗教庄严感的同时，实现了更细腻的情感表达。 世俗音乐方面，本书详尽介绍了法国香颂（Chanson）和意大利假面颂（Madrigal）的发展。特别是对“文字的音乐化”（Text Painting）这一手法的深入剖析，展示了作曲家如何运用和声、节奏、音域的变化来精准描绘歌词的意义和情感，标志着音乐的表达能力达到了一个新高度。 第四部分：巴洛克时代：情感的戏剧性与技艺的辉煌（约1600年—1750年） 巴洛克时期是本书的学术高峰之一。作者首先论述了“新艺术”（Stile Nuovo）的诞生，即歌剧的起源及其早期发展（蒙特威尔第是核心）。通奏低音（Basso Continuo）的出现被视为音乐结构革命的关键，它奠定了“主音音乐”（Monody with Accompaniment）的统治地位。 本书对巴洛克器乐的论述极为详尽，包括协奏曲（Concerto Grosso与独奏协奏曲）、奏鸣曲（Sonata）以及组曲（Suite）的体裁规范化过程。最后，本书以巴赫和亨德尔的集大成为章节高潮。对于巴赫的对位艺术，特别是《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》的结构分析，展现了西方音乐逻辑思维的极致。对于亨德尔，则侧重于其清唱剧（Oratorio）在戏剧张力上的成就。 第五部分：古典主义时期：秩序、清晰与普世性（约1750年—1820年） 古典主义部分强调了“自然”、“清晰”与“平衡”的审美追求。作者分析了这种风格转变与启蒙运动思潮的关联。奏鸣曲式（Sonata Form）的建立和规范化被视为这一时期的核心贡献，本书详细剖析了呈示部、展开部与再现部的内部逻辑。 维也纳古典乐派（海顿、莫扎特、贝多芬早期）的交响曲、室内乐（特别是弦乐四重奏）和奏鸣曲被系统性地考察。海顿的“幽默”与“主题发展”技巧，莫扎特旋律的“纯净”与“完美比例”，都被置于具体作品的框架内进行细致解读。 第六部分：浪漫主义的黎明：个体情感的喷薄（约1820年—1850年） 本书的收尾部分聚焦于贝多芬晚期作品对新时代的预示，以及舒伯特、肖邦、舒曼等早期浪漫主义大师的成就。这一部分的核心是“主观性”的凸显。 舒伯特的艺术歌曲（Lied）被视为音乐与诗歌融合的典范，本书特别分析了钢琴伴奏在叙事和烘托气氛中的革命性作用。肖邦则被置于钢琴独奏音乐的中心，对其民族性、炫技性与深刻的内心独白进行了区分和阐释。舒曼的“音乐文学性”（音乐故事与角色扮演）被视为浪漫主义想象力在室内乐和钢琴套曲中的体现。 三、本书特色与价值 1. 跨学科整合视角： 本书不仅关注纯粹的音乐技术分析，更将历史语境、哲学思潮、社会结构纳入考量，提供了一个多维度的音乐理解框架。 2. 精选范例与图谱： 每一关键理论点的阐述都配有来自不同时期的代表性乐谱示例（虽然此处为文字描述，但写作意图指向详实的乐谱分析），便于专业学习者进行对照研究。 3. 清晰的风格演变链条： 作者成功地将文艺复兴的“织体美”向巴洛克的“力度与情感冲突”，再转向古典主义的“清晰结构”的过渡，描绘得一气呵成，避免了将各个时期割裂开来的弊病。 《西方音乐史纲：从古代到浪漫主义》是一部面向高等音乐院校学生、严肃的音乐爱好者以及历史学者的必备参考书，它不仅教授“是什么”，更解释了“为什么”——为何音乐会以这种方式发展，以及这种发展对人类精神世界产生了何种深远影响。

评分☆☆☆☆☆

经过一段时间的试用和参考，我发现这本书的实用价值远超出了预期的想象。它就像一位经验丰富的导师，在你写作的每一个关键节点都给出恰到好处的指引。尤其是在进行修改和润色阶段，书中关于自我审视和同行互评的建议非常具有建设性。我尝试着用它提供的“自查清单”来审视自己的一篇草稿，结果发现了好几处自己从未注意到的逻辑漏洞和表达上的冗余之处。这种工具性的强大，使得它从一本静态的书籍，变成了一个动态的写作伙伴。它不仅告诉你基础知识，更教会你如何像一个成熟的学者那样去审视和打磨自己的作品。总而言之，对于任何希望在音乐学术领域迈出坚实一步的人来说，这本书提供的底层支撑和高阶指导，都是不可或缺的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

初识这本书的内容脉络，我感受到了一种逻辑上的清晰和层层递进的编排艺术。它似乎并没有急于抛出复杂的理论，而是采取了一种循序渐进的方式，引导读者建立起扎实的认知框架。特别是关于研究选题的确定和文献综述的构建部分，作者的论述极其细致入微，提供了许多实用的操作步骤和范例，这对于初次接触学术写作的同仁来说，无疑是一剂强心针。我留意到，书中对不同研究范式的界定和选择标准进行了深入的辨析，这在很多同类书籍中往往是一带而过的地方，但这本书却给予了足够的篇幅进行剖析，使得读者能够更准确地把握研究方法的选择与论文整体论证力量的匹配度。这种对基础构建的扎实态度，让我确信它不仅仅是一本“怎么写”的指南，更是一本“怎么思考”的启蒙之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的风格，很符合它作为学术参考书的定位。封面选用的材质触感温润，拿在手里分量十足，让人感觉内容也必定是经过精心打磨的。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如字体选择的清晰度和内页的排版布局，都体现了出版方对阅读体验的重视。虽然我还没有深入研读每一个章节，但仅从初步的翻阅来看，其纸张的质量和油墨的清晰度都达到了很高水准，即使长时间阅读也不会感到视觉疲劳，这对于需要反复查阅和学习的工具书来说至关重要。它摆在书架上，本身就是一种专业与严谨的象征，让人对即将展开的阅读之旅充满了期待，仿佛已经触摸到了知识的坚实骨架。整体来说，从外到内的呈现都透露着一种对学术严肃性的尊重，让人愿意花时间去深入探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是，它并没有将音乐理论的学习局限于枯燥的定义堆砌，而是巧妙地将写作技巧融入到了对音乐现象的深入理解之中。例如，当讨论到如何描述一段复杂的音乐材料时，作者不仅教你如何运用规范的术语，更引导你去捕捉音乐的“神韵”和“结构张力”，然后用准确的文字将其捕捉下来。这是一种对学科精神的深度贯彻，让我意识到一篇优秀的音乐论文，其核心竞争力不仅在于格式的完美，更在于对所研究对象洞察力的深度。它鼓励读者去建立自己的批判性声音，而不是盲目地重复前人的观点。这种教学思路，极大地拓宽了我对“音乐论文”这一文体的理解边界，使我不再将它视为一个必须完成的格式任务，而是一次与音乐进行深度对话的机会。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我过去在撰写一些学术性文字时，常常被各种规范和格式卡住，感觉像是被无形的条条框框束缚了手脚。这本书在这方面提供的帮助是立竿见影的。它对引文格式、注释规范以及图表制作的讲解，简直可以称得上是一本操作手册。我特别赞赏它收录了大量的“常见错误与改正示范”，这些具体的案例比干巴巴的规则说明要直观得多，能够迅速帮助读者查漏补缺。当我对照书中描述的如何构建一个强有力的论点时，我发现我过去常常犯的“蜻蜓点水式”论述得到了有效的纠正。书中的很多建议，比如如何有效地使用过渡句来确保段落间的连贯性，或者如何用更精准的学术词汇来替换口语化的表达，都让我有茅塞顿开之感。这使得写作过程从最初的挣扎，慢慢转变为一种有章可循的艺术实践。

评分☆☆☆☆☆

还行吧，

评分☆☆☆☆☆

到货书都被压弯了，有一块儿还裂了。算了反正能看，懒得退了。

评分☆☆☆☆☆

到货书都被压弯了，有一块儿还裂了。算了反正能看，懒得退了。

评分☆☆☆☆☆

挺好的，

评分☆☆☆☆☆

挺好的，

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

还行吧，

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

到货书都被压弯了，有一块儿还裂了。算了反正能看，懒得退了。