中国艺术教育大系：西方芭蕾史纲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱立人 著

图书标签:

• 芭蕾史
• 西方芭蕾
• 艺术教育
• 舞蹈史
• 中国艺术教育大系
• 舞蹈艺术
• 艺术史
• 芭蕾舞
• 舞蹈
• 文化艺术

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539409

版次：1

商品编码：11555111

包装：平装

丛书名： 中国艺术教育大系

开本：16开

出版时间：2001-05-01

用纸：胶版纸

页数：262

正文语种：中文

内容简介

　　《中国艺术教育大系：西方芭蕾史纲》作为文化部“九五”规划的重点工程，拟向全国推荐使用的专业艺术教育的教材，“大系”的编写集中了文化部直属的中央音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院、中央美术学院、中国美术学院、中央戏剧学院、上海戏剧学院、中国戏曲学院、北京舞蹈学院等被称为“国家队”院校的各学科领头人、以及中央工艺美术学院、武汉音乐学院等在相关学科的翘楚俊杰，计国内一统的专家学者数百人。同时，这些教材都是经过了长期或至少关学科的翘楚俊杰，计国内一流的专家学者数百人。同时，这些教材都是经过了长期或对少几轮的教学实践检验，从内容到方法均已被证明行之有效，并且比较稳定、完善的优秀教材，其中已被列为重要教材的有9种，部级重点教材19种。况且，这些教材在交付出版之前，均经过各院校学术委员会、“大系”各分卷编委会以及总编委的三级审读。可以相信“大系”的所有教材，足以代表当今中国专业艺术教学成果的水平；也有理由预见，它对中国规范今后的专业艺术教育，包括普通艺术教育，将起到难以替代的作用。

目录

《中国艺术教育大系》序
绪论
一、芭蕾释义
二、芭蕾史的研究对象
三、中世纪杂耍者的技艺

第一章 芭蕾的起源
一、古代希腊的舞蹈
二、古代罗马的拟剧
三、中世纪杂耍者的技艺

第二章 芭蕾的雏形
一、文艺复兴与芭蕾的形成
二、路易十四与宫廷芭蕾
三、皇家舞蹈院与皇家音乐院
四、最初的芭蕾理论书籍

第三章 前浪漫主义芭蕾
一、启蒙主义及其对前浪漫主义芭蕾的影响
二、18世纪的法国芭蕾
三、18世纪的奥地利芭蕾
四、诺维尔及其舞蹈改革思想
五、多贝瓦尔与《关不住的女儿》

第四章 浪漫主义芭蕾
一、浪漫主义与浪漫主义芭蕾
二、塔里奥尼父女与舞剧《仙女》
三、《吉赛尔》
四、《葛蓓莉娅》与浪漫主义芭蕾的衰落
五、四人舞（Pas de quatre）
六、浪漫主义芭蕾的其他舞蹈家

第五章 俄罗斯芭蕾
一、《奥菲士》与芭蕾传入我国
二、瓦尔贝赫和格鲁什科夫斯基
三、活跃在俄国的法国编导们
四、彼季帕——俄罗斯芭蕾奠基人
五、列夫·伊凡诺夫的创作
六、俄罗斯芭蕾教学学派的形成

第六章 世纪之交的芭蕾改革
一、戈尔斯基及其改革活动
二、福金的创作活动
三、佳吉列夫的“俄罗斯演出系”及其俄罗斯芭蕾舞团
四、佳吉列夫舞团中的几位主要舞蹈家

第七章 前苏联芭蕾
一、概述
二、探索阶段
三、戏剧芭蕾的兴衰
四、交响芭蕾时期

第八章 当代欧美芭蕾
一、概述
二、英国芭蕾简介
三、美国芭蕾简介
四、法国芭蕾简介
五、丹麦芭蕾简介
六、其他一些国家的芭蕾简况
七、苏联演员在西方的活动

附录 部分舞剧的台本或剧情概要
主要芭蕾舞剧索引
主要芭蕾舞蹈家索引
参考书目
后记

前言/序言

好的，这是一份关于《中国艺术教育大系：西方芭蕾史纲》之外的其他图书的详细简介，内容涵盖了艺术教育、中国传统文化、西方艺术史、舞蹈理论等多个领域，旨在提供一个全面而深入的阅读参考。 --- 精选书目导读：探寻艺术教育与文化脉络 本导读精选了五部与艺术教育、文化史及特定艺术形式研究相关的权威著作，旨在为读者提供一个跨越学科边界的广阔视野。这些书籍涵盖了从宏观的艺术教育理念到微观的艺术史研究，从中国传统文化的深度挖掘到西方经典艺术形式的系统梳理，内容详实，研究深入。 一、 艺术教育的哲学与实践：《教育的审美维度》 作者: 知名教育理论家 孙教授 出版社: 世纪教育出版社 内容概要： 本书深入探讨了艺术在现代教育体系中所应占据的核心地位，并对“审美教育”的内涵与外延进行了系统的哲学思辨和实践论证。作者挑战了长期以来将艺术教育边缘化的传统观念，主张将审美体验和创造性思维视为个体全面发展不可或缺的基础。 全书分为三个主要部分：第一部分聚焦于审美心理学的基础研究，分析了儿童、青少年在不同发展阶段对艺术形式的感知与理解能力，并引用了皮亚杰、维果茨基等西方心理学家的理论，结合中国本土的儿童发展案例进行对比分析。第二部分则侧重于课程设计与教学方法论。书中详细介绍了如何将视觉艺术、音乐、戏剧和舞蹈等多种艺术形式有机地融入基础教育的各个学科中，提出的“跨学科艺术渗透模型”为一线教师提供了极具操作性的参考框架。特别值得一提的是，本书详细论述了评估艺术学习成果的方法，强调了过程性评价（如观察记录、反思日志）远比终结性测试更能体现学生的艺术素养提升。第三部分则将目光投向艺术教育的社会责任，探讨了艺术在促进社会公平、文化传承与公民身份建构中的作用，呼吁构建一个更加包容、多元的艺术教育生态。本书文笔流畅，理论与实践紧密结合，是艺术教育研究者和政策制定者的重要参考读物。 二、 中国传统艺术的集大成者：《中国传统艺术通论：符号、技法与精神》 作者: 资深艺术史学家 李鸿志 编著 出版社: 文博艺术中心出版 内容概要： 这是一部旨在全面梳理中国数千年艺术发展脉络的宏伟著作。它超越了单纯的艺术史编年体叙事，而是从文化符号学、材料科学和哲学思想的交汇点来审视中国艺术的独特性。 全书力图构建一个多维度的分析框架： 第一章：符号系统与文化语境 深入剖析了中国艺术中反复出现的关键符号，如“龙”“凤”“山水”的演变及其在不同历史时期的政治、宗教寓意。作者特别关注了文本（如诗词、赋）与图像（如绘画、雕塑）之间的互文关系。 第二章：物质基础与工艺技术 详尽考察了中国艺术赖以存在的物质载体和制作工艺。在陶瓷部分，不仅涵盖了从新石器时代陶器到明清官窑的演变，还加入了对釉料化学成分的现代分析；在书法和绘画部分，详细阐述了笔墨纸砚的“文房四宝”的物质特性如何直接塑造了艺术形态和审美取向。 第三章：哲学思辨与审美理想 重点探讨了儒、释、道三家思想对中国艺术精神的塑造作用。例如，道家“虚实相生”的观念如何体现在山水画的留白处理上，以及禅宗“顿悟”思想如何影响了水墨写意画的创作方法。 本书结构严谨，配有大量高清的文物图片和工艺流程图解，是一部极具学术价值和收藏价值的通论性工具书。它帮助读者理解中国艺术并非孤立的技艺展示，而是深深植根于特定文化和哲学土壤之中的有机整体。 三、 西方古典雕塑的深度解析：《从古希腊到文艺复兴：人体塑形艺术的演变》 作者: 艺术史系主任 王明德 教授 出版社: 环球美术出版社 内容概要： 本书专注于西方艺术史上一个至关重要的领域——雕塑，特别是对人体艺术的再现和理解的历史变迁进行了细致入微的剖析。本书旨在提供一个连贯的、注重技术演变和时代精神的作品分析路径。 早期部分集中探讨了古希腊雕塑（包括古风时期、古典时期和希腊化时期）中理想化人体概念的形成，分析了“理想的比例”是如何通过数学和几何学被建构起来的，并对比了写实与理想化的差异。 中期部分则详细梳理了罗马雕塑对希腊传统的继承与创新，特别是强调了肖像雕塑在记录个体特征方面的突破，以及雕塑在公共空间和建筑装饰中的应用。 核心篇章聚焦于文艺复兴时期。作者认为，文艺复兴雕塑是对古典精神的“复兴与超越”。本书用大量篇幅分析了多那太罗、米开朗基罗等大师如何将解剖学知识与人文主义精神完美结合，尤其对米开朗基罗《大卫》和《摩西》中的情感张力与结构力量进行了独到的解读。书中不仅描述了作品的外在美，更深入探究了艺术家在创作过程中所面临的技术挑战（如大理石的选取与加工）以及背后的赞助人体系对艺术方向的影响。本书配有精选的雕塑拓片和细节放大图，是学习西方雕塑史的经典入门读物。 四、 现代舞蹈理论与身体研究：《身体作为文本：后现代舞蹈的解构与重构》 作者: 舞蹈理论家 艾米丽·卡特（Emily Carter） 出版社: 戏剧与表演研究中心 内容概要： 本书是当代舞蹈理论研究的前沿著作，它将目光从传统的叙事性舞蹈转向了后现代以来对“身体本身”进行探索的实验性作品。作者的核心观点是：在后现代语境下，身体不再仅仅是传达意义的工具，它本身即是意义的载体——即“身体即文本”。 全书探讨了几个关键议题： 1. “去技术化”的趋势： 分析了默斯·坎宁汉、崔莎·布朗等先驱如何挑战古典芭蕾的技术垄断，转而关注非训练性动作、日常动作以及概率原则在编舞中的应用。 2. 空间的重新定义： 考察了舞蹈如何走出剧场，进入非常规空间（如仓库、街道），以及空间元素（如观众的在场、环境噪音）如何被纳入舞蹈的结构之中。 3. 主体性与客体化： 批判性地审视了身体在舞台上的呈现方式，探讨了性别、种族议题如何通过身体的动作和静止被编码和解码。书中对后现代舞蹈中“失败”、“偶然性”和“不确定性”等概念的分析尤为深刻。 本书的特色在于其跨学科的借鉴，融合了现象学、符号学和后结构主义的理论工具，为理解当代舞蹈的复杂性和前卫性提供了坚实的理论基础。 五、 音乐与视觉艺术的互动：《和声与色彩：从浪漫主义到印象派的跨媒介对话》 作者: 音乐学与艺术史交叉学者 张教授 出版社: 高等艺术学院出版部 内容概要： 本书巧妙地架设了一座连接19世纪浪漫主义晚期至20世纪初印象派时期音乐与绘画之间的桥梁。作者认为，这一时期的艺术家们共享了一种共同的文化焦虑和审美追求——即对确定性形式的反叛和对感官瞬间体验的捕捉。 全书分为两大部分： 第一部分：感官的共振 详细对比了李斯特、德彪西的音乐美学与莫奈、德加的绘画风格。作者提出了“音乐性绘画”和“绘画性音乐”的概念，分析了印象派画家如何通过光影的“瞬间性”来模拟音乐中“和声的流动性”，以及德彪西如何使用模糊的音色和非功能性的和弦来营造类似莫奈色彩爆炸的听觉体验。 第二部分：叙事的消解 探讨了象征主义对两国艺术家的影响，分析了他们如何从严格的线性叙事（无论是音乐的主题发展还是绘画的传统题材）中抽离出来，转而专注于氛围的营造、情绪的暗示以及潜意识的表达。书中包含对特定作品的深度案例分析，例如对德彪西《牧神午后前奏曲》与莫奈晚期《睡莲》系列在结构和意境上的对应研究。本书文字富有文学色彩，适合对艺术史有一定了解并希望探索不同艺术门类之间深层联系的读者。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的配图质量和编排布局令人赞叹，它真正做到了“图文相辅，相得益彰”。在阅读到关键的艺术转折点时，恰到好处的插图总能及时出现，清晰地标注了分析的关键细节，使得抽象的理论描述立刻变得具象化。不同于一些只注重艺术全景展示的通史，此书在关键案例的选择上显得非常精准和聚焦，它没有试图囊括所有流派，而是集中笔墨深入挖掘了几个具有里程碑意义的艺术运动，使得每一部分的论述都足够扎实有力。对于希望建立一套严谨的西方艺术史知识框架的初学者来说，这本书的深度适中，既不会因过于庞杂而望而却步，又因其详实的案例支撑而避免了流于空泛的概括，无疑是一本扎实可靠的入门与进阶之间的桥梁之作。

评分☆☆☆☆☆

读完这本关于早期西方艺术史的著作，我最大的感受是其强烈的“社会学”视角。它不仅仅是一部艺术史，更像是一部关于权力、信仰与视觉文化互动的社会观察报告。作者巧妙地将艺术品的生产、消费和意义的建构过程置于宏大的社会结构之中进行审视。比如，对中世纪晚期行会制度如何影响雕塑家和建筑师的地位，以及赞助人阶层对艺术品主题选择的决定性影响的剖析，都非常到位。书中对圣像破坏运动的分析，不仅仅停留在宗教冲突层面，更深入挖掘了图像在社会群体身份认同中的复杂作用。这种超越纯粹美学批评的深度和广度，使得这本书的阅读体验非常充实，它迫使读者重新思考艺术品“是什么”以及它“为什么存在”的根本问题，而非仅仅停留在“它看起来美不美”的表层判断上。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排堪称一流，它成功地将不同地域、不同历史阶段的艺术流派进行了有效的串联和对比，展现出一条清晰而富有逻辑性的演进主线。我尤其欣赏作者在处理“断裂与连续”这一历史命题时的谨慎态度。例如，当讨论巴洛克艺术对古典主义的超越时，作者没有简单地将之视为对既有规范的全然颠覆，而是细致地梳理了巴洛克艺术如何继承了某些文艺复兴时期的表现手法，并将其“戏剧化”和“情绪化”。书中对于光影的运用、构图的张力等技术层面的解析非常专业，即便是没有受过专业艺术训练的读者，也能通过生动的语言描述体会到作品中蕴含的巨大能量。整部书的论证过程环环相扣，逻辑链条严密，让人在阅读过程中不断有“原来如此”的顿悟感，是一部能够提升审美认知高度的佳作。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的叙事风格极其细腻，仿佛能让人触摸到那些古老的油画颜料在画布上留下的痕迹。作者对文艺复兴时期佛罗伦萨的社会背景和社会思潮有着深刻的洞察力，他并没有将艺术史的处理仅仅局限于对作品风格的罗列和艺术家生平的记录，而是着重于探讨艺术创作与当时政治权力、宗教信仰以及商业贸易之间复杂纠葛的关系。例如，书中对美第奇家族如何利用艺术赞助来巩固其统治地位的分析，引人深思。尤其令人印象深刻的是对透视法发明及其在宗教画中应用的论述，不仅解释了其几何学原理，更深入剖析了这种“理性化”的视觉表达如何契合了时代对秩序和人本主义的追求。文字的韵律感很强，读起来像是在聆听一位经验丰富的策展人娓娓道来，时不时穿插一些鲜为人知的轶事，使得原本严肃的学术内容变得生动有趣，极大地满足了对欧洲早期现代艺术发展脉络感兴趣的普通读者的求知欲。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其凝练且富有哲思，它不追求华丽的辞藻堆砌，而是力求用最精准的词汇捕捉艺术史中那些转瞬即逝的时代精神。作者在探讨哥特式建筑的垂直上升感和理性结构时，那种冷静而略带疏离的笔调，与哥特式教堂本身所营造的敬畏感形成了有趣的张力。书中对于不同艺术媒介之间相互渗透的现象进行了多次精彩的阐述，比如绘画如何借鉴音乐的节奏感，雕塑如何模拟建筑的空间感。这种跨媒介的分析视角，极大地拓宽了我们对艺术边界的认知。尤其是在回顾古希腊雕塑从早期的僵硬到古典时期的和谐统一的过程中，作者对“理想人体”概念的演变进行了深刻的哲学探讨，读来令人深思，仿佛在进行一场与古人的精神对话。

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不错

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质量不错

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不错

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大学课程教材，学习必备

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质量不错

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哈哈哈⊙▽⊙黑山谷红红火火恍恍惚惚

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大学课程教材，学习必备

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