作曲技术理论丛书：和声学新编（附CD光盘2张） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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沈一鸣 著

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• 和声学
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• 音乐理论
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• 作曲技术
• 理论丛书
• 音乐光盘

出版社： 上海音乐出版社 ， 上海文艺音像电子出版社

ISBN：9787552302585

版次：1

商品编码：11641205

包装：平装

丛书名： 人作曲技术理论丛书

开本：16开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：337

正文语种：中文

附件：CD光盘

附件数量：2

内容简介

　　变和弦本是自然和弦演变出来的，它是自然和弦的变化形态。因此两者之间无论在和弦结构、功能属性、和声进行以及声部处理等诸方面均存在着相当大的一致性与共同点，关系十分密切。
　　自然音和弦与变音和弦的同步进行，可以使人们大大提前对变音体系的接触与运用，从而能及早地开阔他们的视野，增强他们的和声思维能力，丰富他们的和声语汇。
　　《人作曲技术理论丛书：和声学新编》主要是为音乐学院作曲系本科的和声课而写，但是也可作为师范院校的和声参考书。

内页插图

目录

前言
增订本前言
第一章 绪论
第二章 和声功能与和弦连接
第三章 原位正三和弦
第四章 正三和弦的第一转位六和弦
第五章 正三和弦的第二转位——四六和弦
第六章 原位属七和弦
第七章 转位属七和弦
第八章 大、小调功能体系、和弦的基本结构与变化形态
第九章 下属功能组和弦（一）
第十章 下属功能组和弦（二）
第十一章 下属功能组和弦（三）
第十二章 属功能组和弦（一）
第十三章 属功能组和弦（二）
第十四章 属功能组和弦（三）
第十五章 其他自然音副七和弦
第十六章 调内变和弦的扩展
第十七章 大、小调交替变和弦综述
第十八章 模进
第十九章 和弦外音（一）
强和弦外音——留音、倚音
第二十章 和弦外音（二）
弱和弦外音一经过音、助音、先现音、换音
第二十一章 和弦外音（三）
多重和弦外音与和弦外音的复杂化
第二十二章 离调（一）
副属和弦
第二十三章 离调（二）
副下属和弦
第二十四章 转调（一）
通过自然和弦的转调
第二十五章 转调（二）
通过和声调式和弦的转调
第二十六章 转调（三）
通过变和弦的转调
第二十七章 转调（四）
通过等和弦的转调
第二十八章 持续音
第二十九章 同主音调的扩展
第三十章 调式和声（一）
五声调武及其和声的特点
第三十一章 调式和声（二）
五声调式的和声处理
第三十二章 调式和声（三）
一、调式和声中功能手法的运用
二、调式交替和调式转调
第三十三章 调式和声（四）
一、复合调式
二、混合调式
例题示范CD目录

前言/序言

音乐思维的广阔疆域：从对位法到配器艺术的深度探索 第一部分：古典与浪漫的对话——复调思维的精妙构建 《巴赫对位法精研：赋格曲的结构与织体分析》 本书深入剖析了十八世纪复调音乐的巅峰之作——巴赫的赋格曲。我们不满足于对基本对位规则的机械罗列，而是将焦点置于如何通过旋律的独立性与整体的统一性，构建起复杂而又逻辑严密的音乐结构。 全书首先回顾了严格对位法（Species Counterpoint）的基石，细致区分了纯粹对位与自由对位在创作实践中的差异。随后，我们进入核心部分：对《平均律键盘曲集》中多首代表性赋格的逐一解构。对于每首赋格，我们不仅分析其呈示部、展开部与再现部的典型布局，更着重探讨主题（Subject）和应答（Answer）在不同调性之间的转换机制，特别是假关系调性的引入如何为织体增添色彩与张力。 书中详细阐述了“入唱”（Stretto）的技法——如何将主题的叠置推向极致，以制造高潮。此外，我们还探讨了旋律线之间的相互作用，如反向进行、平行进行的限制与创造性运用，以及在四声部乃至五声部赋格中，如何保持各声部线条的清晰与独立性，避免音响的混浊。本书的目标是让学习者不仅能“写出”符合规则的对位，更能“理解”巴赫如何利用对位原理表达深刻的情感与逻辑。 《浪漫主义和声的色彩革命：瓦格纳至德彪西的和声语言演变》 本书聚焦于十九世纪中叶至二十世纪初，西方音乐和声语言经历的剧烈变革。我们认为，浪漫主义的和声不再仅仅是功能和声的延伸，而成为表达个体情感、模糊边界和营造特定氛围的核心手段。 章节从舒伯特的半音化动机开始，逐步深入到李斯特对增三和弦和变化和弦的偏爱。重点分析了瓦格纳歌剧中导进动机（Leitmotif）与复杂和声进行之间的互动关系，特别是著名的“特里斯坦和弦”的本质——它如何打破了传统大小调系统的束缚，预示着调性中心的松动。 随后，我们详尽考察了后浪漫主义者如理查·施特劳斯、马勒对大规模管弦乐配器中和声密度的处理。在德彪西与印象主义音乐部分，本书转向对“色彩和声”的探索，细致分析了全音音阶、五声音阶、和弦外音的独立使用，以及和弦本身作为色彩单位而非功能单位的地位确立。我们通过大量的实例分析，揭示了作曲家如何利用和声的“悬置”与“模糊”来达到意境的营造，而非叙事的功能。 --- 第二部分：声音的组织与管理——配器与管弦乐法 《管弦乐配器原理与实践：从乐器音色特性到乐队织体设计》 配器艺术是作曲家将抽象音乐构思转化为可听见的、立体声响的桥梁。本书旨在提供一个全面且实用的配器技术指南。我们摒弃了枯燥的乐器列表罗列，转而采用“功能导向”的教学法。 第一部分详细考察了管弦乐队中各个声部组的特性：木管组的音色纯净度与连贯性、铜管组的力度潜能与冲击力、弦乐组的拉奏技巧（揉弦、拨弦、弱音器使用）的多样性，以及打击乐组的节奏驱动与音色点缀功能。特别关注了双簧管、单簧管和巴松管在不同八度范围内的音质变化，以及圆号在融合弦乐与铜管之间的关键作用。 第二部分深入探讨“织体设计”（Textural Design）。我们分析了如何通过声部布局（Voicing）来控制和声的清晰度与浑厚度，例如，弦乐高音区与木管中音区的融合，以及铜管的齐奏效果。书中包含了大量关于“平衡”（Balance）的实践原则，解释了在复杂管弦乐中，如何确保独奏乐器（如双簧管或小提琴独奏）能够在整个乐队的音响背景中脱颖而出，而又不显得突兀。 第三部分侧重于管弦乐法的“现代趋势”，探讨了斯特拉文斯基、拉威尔等大师对传统配器法的大胆革新，如运用低音木管乐器来承担低音区的重量，以及对打击乐的创新使用，从而拓宽学习者对管弦乐表现力极限的认知。 --- 第三部分：节奏与形式的哲学——结构化思维的建构 《节奏的动力学与时间概念：从复合拍子到波利节奏的解析》 节奏是音乐的骨骼与脉搏。本书将节奏视为一种组织时间、产生运动和张力的核心手段，超越了简单的节拍划分。 我们从基础的等时性（Isochrony）概念出发，逐步过渡到对复合拍子（如7/8、11/8）的精确划分与内部重音的探讨。书中详尽分析了十九世纪作曲家如何利用节拍的模糊性来制造不安感或流动感。 核心内容集中于“多重节奏”（Polyrhythm）和“复合节奏”（Compound Meter）的实际应用。我们通过分析非洲、印度以及二十世纪的音乐实例，揭示了如何将不同速度或不同时值的节奏模式叠加在一起，从而创造出超越传统二元或三元结构的复杂时间网格。书中提供了一套清晰的图表分析方法，帮助学习者视觉化地理解节奏的交叉点与冲突点，以及如何控制这种冲突的强度，使其服务于整体的音乐戏剧。 《奏鸣曲式深度剖析：从海顿到肖斯塔科维奇的结构演变》 奏鸣曲式是西方古典音乐形式的核心载体，它代表着“冲突—解决”的辩证思维。本书旨在深入挖掘奏鸣曲式背后的结构逻辑和哲学基础。 本书的第一阶段，追溯了奏鸣曲式在海顿和莫扎特时期的成熟——重点分析呈示部中主题A与主题B在功能、调性、和声密度上的对比，以及副部（Transition）的动力学作用。 第二阶段，聚焦于贝多芬如何将奏鸣曲式推向极致。我们分析了发展部（Development）如何从主题材料的碎片化处理，演变为对内在冲突的深度挖掘，以及再现部（Recapitulation）中调性统一的最终实现。 第三阶段，考察了浪漫主义时期对奏鸣曲式的“拓展”与“解构”。从勃拉姆斯对更宏大结构的需求，到后来的结构主义者如肖斯塔科维奇，如何在外在的传统框架下，运用更自由的和声语言和节奏处理，保持了古典结构的精神内核，同时注入了二十世纪的时代精神。本书强调，理解奏鸣曲式，就是理解音乐如何通过结构来讲述故事。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐创作充满热情，但又缺乏系统训练的年轻人。我常常在脑海里构思出一些旋律，但却不知道如何用和声去支撑和丰富它们。市面上很多关于作曲的书籍，要么过于理论化，让我望而却步，要么就过于肤浅，无法解决我的实际问题。当我看到这本《和声学新编》的时候，我立刻被它的“技术理论丛书”的定位所吸引，并且附带的CD更是让我看到了理论与实践结合的可能性。这本书的优点在于，它在保持严谨的理论体系的同时，并没有忽略音乐的感性层面。书中对各个和弦的音响特征、连接方式的讲解，以及对不同音乐风格中和声运用的分析，都非常到位。我尤其喜欢它关于“和声功能的分析”和“非功能性和声的运用”的章节，这让我明白了在创作中，打破常规和声规则的可能性，以及如何运用这些“不寻常”的和声来达到意想不到的艺术效果。CD里的练习曲，我更是反复地去弹奏和分析，这极大地锻炼了我对和声的感知能力和运用能力。现在，我感觉自己创作音乐时，有了更清晰的方向和更强大的武器，不再是凭空想象，而是能够用和声的语言去描绘我心中的音乐画面。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对和声的理解一直停留在“哆来咪发唆拉西”的简单层面，总觉得它离我这个普通听众有点远，直到我偶然看到了这本《和声学新编》。我被它的封面设计吸引了，简洁而富有艺术感，然后又看到附带的两张CD，这让我觉得这本书的实用性会很强。拿到手后，我并没有立刻深入钻研，而是先试听了CD里的部分曲目。令我惊讶的是，很多我熟悉的经典旋律，在有了和声的烘托下，竟然展现出了如此丰富的色彩和情感！书中的讲解虽然涉及理论，但并没有让我感到枯燥。它用了很多通俗易懂的语言，并且结合了非常多的音乐片段来解释概念，比如“为什么某个和弦会让音乐听起来感觉‘不稳定’，需要去解决？”“如何通过和声的变化来营造出‘悬念’或者‘惊喜’的感觉？”等等。我尤其喜欢它关于“和声的色彩性”和“和声的叙事性”的论述，让我意识到和声不仅仅是音符的叠加，更是一种能够讲故事、表达情感的强大工具。现在，我再听音乐时，会更加留意背后的和声是如何运作的，也更加懂得欣赏音乐的精妙之处了。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐学院的学生，平时学习的任务非常繁重，需要接触大量的音乐理论知识。在选择和声教材的时候，我非常慎重，希望找到一本既能满足学术要求，又能兼顾学习兴趣的书。这本《和声学新编》可以说是完美契合了我的需求。首先，它的内容非常系统和全面，从基本的和弦体系到复杂的复调和声，再到现代和声的探讨，都涉及到了，而且讲解得非常深入。书中引用了大量的音乐史上的经典作品作为例证，这对于我们学习音乐史、音乐分析都有很大的帮助。其次，它的编排方式非常合理，条理清晰，章节之间的过渡自然流畅。而且，书中还附带了两张CD，里面包含了大量的示范演奏和练习曲，这对于我们理解和声的实际运用，以及进行和声练习，提供了极大的便利。我特别喜欢它在讲解一些复杂和声概念时，会提供多种角度的解释，并且配以具体的乐谱示例，这让我能够从不同的层面去理解和消化。这套书不仅让我打下了坚实和声理论基础，更让我对和声的魅力有了更深的认识。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的作曲爱好者，我一直觉得自己写出来的东西总是不够“味道”，总感觉少了那么点音乐的张力，不够“大气”。在朋友的推荐下，我入手了这套《作曲技术理论丛书：和声学新编》，并且附带的两张CD让我对它充满了期待。拿到书后，我迫不及待地翻阅起来，第一感觉就是：这书写得真“活”！它不像我之前看过的很多和声书那样，上来就是一堆枯燥的规则和术语，而是从一些非常具象的音乐现象入手，比如“为什么某个旋律听起来会很悲伤？”“如何让音乐听起来更饱满？”之类的，然后层层递进地引入和声的概念。我特别喜欢它关于“功能和声”和“色彩和声”的讲解，让我明白了为什么不同的和弦组合会产生不同的情绪效果。CD里的例子也特别贴合书中的讲解，我常常一边听着CD里的音乐，一边对照书本上的分析，感觉豁然开朗。我尤其喜欢其中关于“和弦连接的逻辑性”和“旋律线条与和声的关系”的部分，这对我以往那种“想到哪写到哪”的创作方式有了颠覆性的改变。现在，我感觉自己在创作时，思路更加开阔，对和声的运用也更加得心应手了，写出来的曲子也明显比以前更有层次感和感染力了。

评分☆☆☆☆☆

这本书实在是太棒了，我一直以来都对音乐理论有着浓厚的兴趣，尤其是在和声方面。过去我尝试过很多教材，但总感觉差了点什么，要么过于晦涩难懂，要么就过于浅尝辄止。直到我遇到了这本《和声学新编》，简直是如获至宝！它的讲解逻辑清晰，从最基础的和弦构成到复杂的转调、离调，再到各种织体的运用，都讲解得鞭辟入里。最让我惊喜的是，它并没有把和声理论变成枯燥的公式堆砌，而是融入了大量的音乐实例，从古典到近现代，涵盖了各种风格的作品，让我能够直观地理解理论的实际应用。而且，书中附带的两张CD光盘更是锦上添花，里面包含了大量的例曲和练习曲，我可以在学习过程中随时聆听，并且跟着练习，这种“理论与实践相结合”的学习方式，极大地提升了我的学习效率和兴趣。尤其是那些练习曲，难度循序渐进，让我能够逐步掌握各种和声技巧。我常常会花上几个小时沉浸在书中，一边听着CD，一边分析乐谱，感觉自己和声能力在飞速进步。这不仅仅是一本教材，更像是一位循循善诱的老师，引领我走进美妙的和声世界。

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