弦乐四重奏小品集（1）（修订版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周宏德 编

图书标签:

• 弦乐四重奏
• 室内乐
• 古典音乐
• 小品
• 乐谱
• 修订版
• 音乐
• 器乐
• 合奏
• 训练

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807517863

版次：1

商品编码：11667395

包装：平装

开本：8开

出版时间：2011-04-01

用纸：胶版纸

页数：90

内容简介

　　弦乐四重奏的表现力丰富，可以演奏和谐、优美、轻快、活泼等各种风格的乐曲，深受人们的喜爱。但是对于很多音乐爱好者来说，欣赏整部奏鸣曲式的四重奏作品是有难度的，他们更希望能听到用“弦乐四重奏”这种形式来演奏的中外名曲，这是演出市场的需求。
　　另一方面，现在少儿、业余弦乐演奏者与乐队很多，而适合他们的重奏、合奏作品较少，这是音乐教育事业的需求。
　　正是演出与教育事业的需求支撑了《弦乐四重奏小品集》一至五集的出版。

作者简介

　　周宏德，1967年毕业于上海音乐学院小提琴专业，1979-1993年任上海乐团首席，1993-1999年任上海歌剧院交响乐团首席。上海音乐家协会理事、中国音乐家协会会员。著有《弦乐四重奏小品集》、《通俗名曲大全868首》。

目录

1．步步高
2．旱天雷
3．风流寡妇圆舞曲
4．蓝色多瑙河
5．匈牙利舞曲第五号
6．土耳其进行曲
7．金婚曲
8．梁祝·化蝶
9．猎人合唱
10．今夜感觉我的爱
附：梁祝·化蝶（弦乐队第一小提琴谱）

前言/序言

弦乐四重奏小品集（1）（修订版） 音乐之魂的深度探索与技术精进：古典室内乐的基石 本书为《弦乐四重奏小品集（1）（修订版）》的配套或前瞻性阅读材料，旨在为弦乐四重奏的演奏者、教师以及音乐爱好者提供一个广阔而深入的学术与实践视野，聚焦于该体裁的创作历史、核心技术解析、演奏美学探究以及对未来发展趋势的展望。 本书不包含任何《弦乐四重奏小品集（1）（修订版）》中具体的乐谱或改编片段，而是着眼于支撑该作品集诞生的宏大背景与严谨的专业知识体系。 --- 第一部分：弦乐四重奏的历史脉络与美学语境重构 第一章：从巴洛克到古典主义的过渡：四声部对话的萌芽 本章深入考察弦乐四重奏体裁形成之前的历史基础。我们首先回顾了巴洛克时期“奏鸣曲”与“协奏曲”中对位法在四声部（或多声部）织体中的运用，特别关注了巴赫晚期对位技巧对后世室内乐的潜在影响。重点分析了早期海顿（Haydn）之前，如波尔波拉（Porpora）和早期斯特拉文斯基（Stravinsky）的四部或五部器乐写作中，对主音旋律与伴奏声部分离的探索。 随后，我们详细剖析了古典主义早期，尤其是维也纳学派音乐家们如何从三部曲式（如三重奏）向四部曲式结构过渡的内在逻辑。我们审视了早期“迪韦尔蒂门托”（Divertimento）和“夜曲”（Notturno）中，各声部地位逐渐平等的关键性转变，为海顿确立的四重奏“对话”模式奠定理论基础。 第二章：海顿、莫扎特与贝多芬：确立体裁的经典范式 这一章节是理解所有后续弦乐四重奏作品的“宪法”。我们不再仅仅罗列他们的作品编号，而是从结构主义和功能和声的角度，解构海顿如何通过统一的动机发展（Motiventwicklung）将四个独立声部融合成一个有机的整体。对莫扎特晚期四重奏（如“海顿四部曲”）中，对各声部之间细腻的音色平衡（Timbre Balance）和声部转换的复杂性的分析，揭示了其音乐语言的成熟度。 贝多芬的贡献被置于革命性的视角下考察。我们重点分析了其“晚期四重奏”如何打破了古典奏鸣曲式的外部框架，转而强调内部的哲学思辨和对位技术的回归，这些探索直接影响了19世纪浪漫主义的作曲家们如何看待四重奏的“严肃性”。 第三章：浪漫主义的抒情与民族色彩的交融（19世纪） 浪漫主义时期，弦乐四重奏从“学术研讨”的场所，转变为“个人情感宣泄”的载体。本章研究了舒伯特、舒曼、门德尔松等作曲家如何引入更具叙事性、歌唱性的旋律线条，以及和声色彩的极大丰富。 特别关注了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）对印象主义和象征主义美学的运用，分析了他们如何通过非传统的音阶（如全音阶、五声音阶）和创新的揉弦（Vibrato）与弓法（Bowing Techniques）来拓宽四重奏的音色调色板，这对现代四重奏的演奏提出了全新的技术挑战。 --- 第二部分：弦乐四重奏的演奏技术与美学解析 第四章：四部声部的独立性与相互作用的辩证法 弦乐四重奏的精髓在于“四位一体的独奏”。本章深入探讨了四个声部（第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴）在技术和美学上的职能差异。 第一小提琴（Leader/Primus inter Pares）： 探讨其在极速炫技段落中对弓弦压力、换把精准度的要求，以及在抒情段落中如何保持声音的穿透力与歌唱性。 第二小提琴与中提琴（The Middle Voices）： 剖析这两个声部如何承担和声的连接、节奏的稳定以及复杂的对位织体中的“支撑”与“渗透”任务，这是区分专业与业余四重奏的关键。 大提琴（Bass Foundation and Counter-Melodist）： 考察其如何在高音区承担旋律任务，同时在低音区保持对位线条的清晰度，特别是对快速跑动和重音处理的特别要求。 第五章：弓法、触弦与音色调控的科学 本章侧重于演奏实践层面，对“如何发出符合特定历史时期的音色”进行了技术指导。详细对比了古典时期（相对轻盈、清晰的触弦，靠近指板的弓位）与浪漫主义时期（深沉、宽广的音色，更靠近琴码的弓位）所需的具体弓法变化。 颤音（Vibrato）的控制： 分析不同作曲家对颤音速度和宽度的潜台词要求，以及如何针对性地调节手腕和手臂的运动。 连弓（Slurs）与分弓（Separate Bows）： 探讨如何通过精准的换弓点来雕刻乐句的呼吸感，并解析“短分弓”（Détaché Court）在表现特定节奏型时的微妙差异。 特殊演奏技巧： 探讨拨弦（Pizzicato，包括左手拨弦）、弱音器（Mute）的使用及其在不同历史语境下的情感功能。 第六章：排练、合作与艺术诠释的共同构建 一个优秀的弦乐四重奏需要超越技术层面的协调。本章聚焦于排练的艺术，提供一套系统的合作模型： 1. 初期分析： 如何统一对作品的结构、和声功能、以及作曲家意图的理解。 2. 声部平衡的校准： 探讨如何通过听觉训练，确保所有声部在不同动态下都能被清晰地感知，避免“一枝独大”。 3. 节奏的弹性与统一： 探讨如何处理“韵律感”（Rubato）——如何在保持整体节奏统一的前提下，允许个体声部在乐句内部进行微妙的推进与延迟。 4. 录音反馈机制： 建立客观的自我批评体系，通过录音来发现排练中难以察觉的细微瑕疵。 --- 第三部分：面向未来的视野：现代挑战与当代创作 第七章：20世纪：对传统“对话”模式的解构与重建 本章分析了从勋伯格（Schoenberg）到斯特拉文斯基（Stravinsky）再到肖斯塔科维奇（Shostakovich）如何挑战了古典四重奏的界限。我们探讨了无调性、十二音体系以及节奏复杂化如何迫使演奏者放弃传统的“美感”追求，转而专注于音高关系和节奏的精确性。肖斯塔科维奇的四重奏作为冷战时期思想表达的载体，其内在的张力和隐晦的政治寓意如何影响弓法和情感的投射。 第八章：当代技法与演奏的极限拓展 进入当代，弦乐四重奏不再局限于“美妙的音色”。本章系统梳理了20世纪后半叶至21世纪，当代作曲家引入的扩展演奏技巧（Extended Techniques）： 超高把位（Harmonics beyond the natural range）与非标准音高。 内部发声法： 弓毛摩擦琴马、琴身撞击等声音的运用，以及如何精确控制这些“噪音”的音高与强度。 非传统触弦： 探讨如何整合打击乐元素，如利用指关节敲击指板，并将其融入到整体的音乐结构中。 结语：经典与革新的张力 本书的最终目标是培养演奏者具备深厚的历史素养和开放的现代视野。理解《弦乐四重奏小品集（1）（修订版）》之所以被编纂和修订，正是因为音乐艺术永恒的探索精神。掌握了坚实的基础，才能更好地理解和演绎那些承载着历史重量与时代精神的音乐精品。本书为所有致力于深入钻研弦乐四重奏艺术的音乐人提供了必备的理论地图与实践指南。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的大提琴手，我通常对这类合集抱持着一种审慎的态度，因为很多出版物对于低音声部的关注度明显不足，常常使得大提琴沦为仅仅是支撑低音线的“背景板”。然而，这本《小品集》在这方面做出了令人耳目一新的努力。在好几首作品中，我明显感觉到大提琴声部拥有了独立的、富有歌唱性的旋律线条，而非仅仅重复中提琴或在和声底层徘徊。特别是在某几首具有浪漫主义色彩的小品中，大提琴的音色被赋予了近乎主导的叙事权，要求演奏者不仅要有扎实的力度控制，更要有细腻的情感表达。此外，修订版在指法标注上也显得更加现代和严谨，特别是在高把位上，给出了多种可能性，这对于习惯了不同教学体系的演奏者来说，提供了极大的灵活性。它不再是那种“一刀切”的指法指南，而是鼓励演奏者根据自己乐器和手型的特点去优化演奏方案。

评分☆☆☆☆☆

这本《弦乐四重奏小品集（1）（修订版）》的出版，对于所有热爱室内乐，尤其是对四重奏艺术情有独钟的乐迷和演奏者来说，无疑是一份迟到的惊喜。我之所以这么说，是因为市面上真正优秀、且经过精心编排和修订的四重奏曲集实在凤毛麟角，大多要么是古典时期的大部头，要么就是一些难度过高、不适合日常练习和小型演出的作品。这本书的定位显然精准地弥补了这一空白。它收录的这些“小品”，顾名思义，篇幅适中，技法上既能让中级演奏者找到挑战，又不至于让人望而却步。更难得的是，修订版的引入意味着原先版本中可能存在的印刷错误、指法建议不当等问题得到了细致的修正。我特意对比了几个我熟悉的乐章，发现新版在声部平衡的建议上做了不少微调，这对于四重奏这种极其依赖默契的组合来说，是至关重要的。编者显然深入理解了不同乐器间的音域特性和发声特点，力求让每一个声部都能发出应有的光彩，而不是让第一小提琴独揽风头。这种对整体音乐性的尊重，是优秀室内乐教材的基石。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的编排结构感到非常满意，它体现了一种非常人性化的学习路径设计。初初翻阅时，我注意到曲目并不是简单地按照作曲家或者年代罗列，而是似乎经过了某种“技能梯度”的考量。开头几首作品，节奏相对稳定，和声进行也比较传统，非常适合刚组建四重奏的团队进行磨合，建立起基础的合奏感和呼吸感。随着阅读深入，你会发现曲目的复杂性在潜移默化中增加，比如对位法的运用开始增多，或者要求更高难度的弓法控制。这种循序渐进的方式，避免了初学者因为过早接触复杂结构而产生的挫败感。更让我惊喜的是，作者在一些看似简单的片段中，巧妙地嵌入了特定的演奏技巧训练，比如快速的换把、复杂的连弓处理，或者特定音色的模仿。这些训练不是生硬地放在练习曲部分，而是自然地融入到音乐语境之中。这使得练习过程不再枯燥乏味，每完成一首小品，都感觉自己的四重奏“技能树”点亮了一点，对整体的音乐处理能力都有实质性的提升。

评分☆☆☆☆☆

从音乐思想的角度来看，这本小品集成功地架起了一座沟通古典与现代室内乐风格的桥梁。我发现，这些作品并非简单地重复巴赫时代的对位技法，也不是完全沉溺于二十世纪中叶的无调性探索，而是巧妙地融合了两者之间的精华。它们保留了古典乐派的清晰结构和旋律美感，同时又巧妙地运用了更丰富的和声色彩和节奏的切分变化，使得整体听感既熟悉又充满新意。对于希望带领学生或乐团从基础的奏鸣曲式过渡到更具现代感的室内乐作品的教师而言，这本书提供了一套绝佳的“过渡教材”。它引导演奏者去思考如何在保持传统室内乐对话精神的同时，注入更具时代感的个人表达。这使得练习不再是单纯的技巧堆砌，而是一次次对音乐语言的深入对话和重塑，令人回味无穷。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量也值得称赞，这对于经常需要摊开乐谱在琴架上演奏的乐手来说，是相当实际的考量。很多乐谱在频繁翻动和用力按压后，很快就会出现散页或者封面脱落的问题，极大地影响了阅读体验。这本修订版采用了较为厚实且略带哑光的纸张，不仅能有效减少灯光下的反光，更重要的是，它足够坚韧，可以承受室内乐排练中不可避免的磨损。另外，谱子的开本设计非常适中，既不像大幅的管弦乐总谱那样占据太多空间，又比袖珍版清晰易读。我尤其欣赏的是，它的装订方式在保持乐谱平摊的同时，没有过度拉扯书脊。要知道，四重奏的演奏者经常需要一边看谱一边移动身体，乐谱的稳定性直接关系到演奏的流畅性。这种对细节的关注，体现了出版方对严肃音乐读者的尊重。

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帮同事买的，正是需要的，不错

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很好

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内容比较丰富，值得购买

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书的质地非常好，老用户了！

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很好啊 很好

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值得购买，没有损坏地方。