键盘和声与即兴演奏教程（修订版 套装上下册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙维权，刘冬云 著

图书标签:

• 键盘乐
• 和声学
• 即兴演奏
• 音乐教程
• 音乐教育
• 钢琴
• 键盘
• 音乐理论
• 流行音乐
• 编曲

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806929971

版次：2

商品编码：11880626

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-01-01

用纸：胶版纸

页数：388

套装数量：2

正文语种：中文

内容简介

　　《键盘和声与即兴演奏教程（修订版 套装上下册）》的教学对象为音乐院校及师范院校音乐系科的本科生、研究生学员。教材编写方法将贯彻“精讲多练”的原则。文字部分仅就“学习内容”、“理论要点提示”、“练习要求”等三方面对基础和声理论作一些概括、简要的阐释。重点在于指导学生进行系统的、由浅入深的键盘和声、即兴演奏的严格训练，从而为培养键盘即兴演奏专业人才和高等师范院校即兴伴奏课教师，奠定键盘弹奏实践与一定的理论思维基础。

目录

第一部分 副属和弦与副下属和弦综合练习
第一课 大小调副属七和弦综合练习
第二课 副下属和弦练习
第三课 同主音大小调交替变和弦的副属七和弦练习
第四课 降Ⅱ级和弦的副属七和弦练习

第二部分 半音线条化和声思维及远关系
转调练习
第五课 减七和弦练习
第六课 增六和弦与属变和弦练习
第七课 特殊和弦外音练习
第八课 高、低音声部半音化线条练习
第九课 远关系离调、转调练习

第三部分 色彩性、调式性和声练习
第十课 色彩性和声语汇练习
第十一课 九、十一、十三和弦及持续音练习
第十二课 教会调式和声练习
第十三课 五声调式和声同主音交替及转调练习

第四部分 风格模仿与发展练习
第十四课 巴洛克风格模仿与发展
第十五课 古典风格模仿与发展
第十六课 浪漫派早期风格模仿与发展
第十七课 浪漫派中、晚期风格模仿与发展（声乐部分）
第十八课 浪漫派中、晚期风格模仿与发展（器乐部分）
第十九课 调式和声风格模仿与发展（欧洲教会调式）
第二十课 调式和声风格模仿与发展（五声调式）

前言/序言

探索音乐的无限可能：精选乐理、演奏技巧与音乐史指南 本书系（此简介对应系列中的其他图书，不包含《键盘和声与即兴演奏教程（修订版 套装上下册）》） 本系列图书旨在为音乐学习者、演奏者及爱好者提供一套全面、深入且实用的学习资源。我们精选了涵盖基础乐理构建、演奏技巧精进、不同乐器专项训练，以及音乐史脉络梳理的著作，确保每一本都能成为您音乐旅程中的坚实阶梯。 --- 第一卷：西方音乐理论的基石——《和声学原理与实践》 目标读者： 音乐专业学生、作曲系初学者、对音乐结构有深入探究兴趣的音乐爱好者。 核心内容： 本书系统地梳理了从文艺复兴到浪漫主义时期西方音乐的经典和声体系。它不仅仅是枯燥的规则罗列，更是一部关于“声音如何组织”的深刻剖析。 第一部分：基础音响与旋律的逻辑 详细阐述了音程、三和弦的构成及其功能，并以大量的范例解析了级进与跳进在旋律构建中的作用。我们特别引入了“听觉感知”的训练模块，旨在帮助读者将抽象的理论转化为可感知的听觉体验。重点讨论了调式概念的演变，从教会调式到大小调体系的确立。 第二部分：功能和声的展开与应用 深入剖析了主、属、下属和弦的相互关系及其在终止式中的决定性作用。通过巴赫时代直至莫扎特的作品实例，清晰地展示了和弦连接的规范与禁忌。本书重点讲解了副属和弦（Secondary Dominants）的引入及其色彩变化，这是理解古典主义音乐动力的关键。 第三部分：织体与转调的艺术 探讨了四部和声的写作规范，包括声部的平行进行、经过进行、以及在不同声部（如男高音、女低音）的限制性处理。转调部分详述了各种转调手法，从平行关系转调到更复杂的等音转换，提供了大量实用技巧，旨在使读者能够自如地在不同的调性之间穿梭，而不失音乐的连贯性。 附加价值： 书中包含大量的练习题和听写训练，并附有配套的音频资源，用于演示复杂的和声进行和转调效果。 --- 第二卷：演奏技巧的飞跃——《大师演奏法：钢琴与弦乐的精妙控制》 目标读者： 演奏者（钢琴、小提琴、大提琴等），音乐教育工作者。 核心内容： 本书聚焦于身体与乐器之间的和谐统一，强调科学的、符合人体工学的演奏姿势与技巧的深度结合，以达到更丰富的声音表现力。 钢琴演奏：触键与触感的革命 摒弃了僵硬的“手指独立”理论，本书推崇“重量转移”和“前臂导向”的演奏理念。详细讲解了如何利用手臂的自然重量来产生歌唱性的长音（Legato），如何通过手腕的弹性来控制清晰而有力的断奏（Staccato）。特别辟出章节分析了巴赫、肖邦和德彪西作品中对触键要求的细微差别。 弦乐演奏：弓法与音色的雕琢 对于弓弦乐器，音色的控制是灵魂所在。本书细致地剖析了弓子的速度、压力与接触点三者之间的动态平衡。从最基础的换弓技巧到复杂的“顿弓”（Spiccato）和“击弦”（Martelé），均配有高清图解和慢动作分解描述。此外，对指板上的揉弦（Vibrato）的运用提供了从“缓慢均匀”到“快速紧张”的渐进训练方案。 技术与音乐性的融合 本书反复强调，技术是服务于音乐表达的工具。通过分析海顿、贝多芬等作曲家的特定技术难点，指导学习者如何将枯燥的音阶和琶音练习，转化为充满情感张力的音乐片段。 --- 第三卷：声音的演变史——《西方音乐史纲：从格里高利圣咏到二十世纪先锋》 目标读者： 所有对音乐文化背景感兴趣的读者，音乐史、音乐鉴赏课程的学生。 核心内容： 这是一部宏大而精炼的音乐史叙事，力求在把握历史大脉络的同时，不失对关键人物和作品的深入解读。 第一阶段：中世纪与文艺复兴的灵性之声 追溯西方音乐的起源，重点解析格里高利圣咏的单音音乐特征。随后，深入探讨奥尔加农的出现，以及文艺复兴时期复调音乐的黄金时代，特别是帕莱斯特里纳和拉索作品中对“上帝之音”的追求。 第二阶段：巴洛克的辉煌与情感的爆发 巴洛克时期被视为音乐发展的一个里程碑。本书详细介绍了歌剧的诞生、大协奏曲的结构以及赋格曲的精妙。对巴赫的《平均律钢琴曲集》和亨德尔的清唱剧进行专项分析，阐释“通奏低音”这一核心概念及其对音乐织体的影响。 第三阶段：古典主义的平衡与浪漫主义的激情 古典主义时期，海顿、莫扎特和贝多芬确立了奏鸣曲式、交响曲和室内乐的典范。本书侧重于结构上的清晰性与对称美。进入浪漫主义，音乐的主题转向个人情感、民族主义与超自然幻想。通过舒伯特、萧邦、瓦格纳等人的作品，展示了和声色彩的极大丰富化和曲式结构的自由化趋势。 第四阶段：二十世纪的解构与重塑 本卷的后半部分尤其引人入胜。探讨了印象主义（德彪西）对传统音响的模糊处理，表现主义（勋伯格）的十二音体系的诞生，以及新古典主义对古典元素的回归。最后，概述了战后电子音乐、偶然音乐等先锋流派的探索，为读者提供了一个看待当代音乐的多元视角。 --- 第四卷：即兴与创作的思维——《配器法入门与编曲实践》 目标读者： 渴望将理论付诸实践的作曲爱好者、配乐师、乐队成员。 核心内容： 本书专注于如何将已有的音乐想法，通过合理的乐器组合与音色搭配，转化为具体、可演奏的音乐片段。 乐器家族的“个性档案” 系统介绍管弦乐队中木管、铜管、打击乐和弦乐各声部的音域、音色特点、演奏技法及其在不同力度下的表现。例如，详细区分小提琴的sul ponticello（靠近琴码）和sul tasto（靠近指板）所产生的截然不同的音响效果。 色彩搭配与层次构建 配器并非简单的“多人演奏”，而是色彩的混合。本书教授如何运用主导乐器、衬托乐器与和声背景来构建清晰的层次感。提供了从二人室内乐到完整管弦乐队配器的渐进式练习，尤其强调如何巧妙地隐藏转调或处理高难度的高音区。 编曲实战：风格迁移与节奏重构 这一部分侧重于现代音乐编曲技巧，包括如何将一段简单的钢琴旋律改编成具有摇滚乐队、爵士五重奏或电子乐的音响风格。重点讲解了节奏的切分与律动的构建方法，以及现代音色库（Sound Libraries）的使用原则，确保理论知识能无缝对接现代音乐制作流程。 --- 本系列图书的共同特点： 所有书籍均采用清晰的排版和严谨的学术标准，配有大量的乐谱示例和图表，旨在提供一种既具深度又易于自学的学习体验。它们是音乐知识体系中不可或缺的补充，共同构建起一个从理论到实践、从历史到当代的完整音乐认知框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲解逻辑简直是教科书级别的流畅，它不是那种堆砌理论知识的枯燥读物，而是真正以一个学习者的视角去构建知识体系的。从最基础的和声学原理讲起，循序渐进地过渡到复杂的调式和弦进行，每一步都有清晰的铺垫和充分的练习。我特别欣赏作者在解释一些抽象概念时，会巧妙地结合实际的音乐案例进行剖析，让你立刻就能明白这个理论在实际演奏中是如何应用的。比如，书中对于功能和声的讲解，不是简单地罗列IV级、V级，而是深入到它们在不同音乐风格中扮演的角色和功能，这极大地拓宽了我对音乐色彩的理解。而且，它的语言风格非常平实易懂，没有过多的行话，即便是非科班出身的朋友也能快速上手，这种将高深理论大众化的能力，是很多专业书籍所欠缺的。每一次翻阅，都能发现一些之前忽略的细节，感觉像是在和一位经验丰富的老师面对面交流。

评分☆☆☆☆☆

练习部分的丰富性和实用性是这本书给我最大的惊喜之一。很多教程在理论讲完后，练习部分就草草收场，但这本书在这方面做得非常扎实。它提供的不仅仅是孤立的音阶和和弦练习，而是融入了大量的片段化旋律和即兴素材。这些练习并非生搬硬套，而是围绕着特定的和声进行模式设计的，让你在练习指法和速度的同时，也在潜移默化地培养“听觉记忆”和“即兴思维”。我尝试着用书里的方法去套用在一些我喜欢的爵士标准曲目上，效果立竿见影，立刻感觉到自己不再是简单地弹奏音符，而是开始“构建”音乐了。此外，配套的音频资源（如果存在的话，我假设它有的话）质量也极高，示范演奏的精准度和情感表达都非常到位，是校准自己演奏状态的绝佳参考。这种理论与实践紧密结合的编排，让学习效率倍增，真正做到了学以致用。

评分☆☆☆☆☆

这本书的包装和装帧设计得非常用心，初拿到手的时候，就能感受到那种沉甸甸的质感，封面采用了哑光处理，触感很细腻，而且色彩搭配得非常和谐，不像有些教程那样只有冰冷的乐谱和公式，它在视觉上就给人一种专业而又亲切的感觉。内页的纸张质量也相当不错，字迹清晰，五线谱和六线谱的排版布局合理，长时间阅读也不会让人感到眼睛疲劳。尤其是那些图示部分，画得非常精准到位，对于初学者来说，光是看图就能理解很多复杂的和弦指法和音阶走向，这在很多其他教材里是很难得的。而且，这套书的厚度也挺可观，感觉内容量是实打实的，不是那种水分很大、几页就讲完一个概念的“速成”读物。翻阅的时候，那种油墨的清香和纸张的质感混合在一起，让整个学习过程都变得更加愉悦和有仪式感。看得出来，出版方在制作这套书的时候是下了大功夫的，完全对得起“教程”这个名字所代表的专业水准。

评分☆☆☆☆☆

从教学体系的角度来看，这套教程的整体结构体现出极强的系统性和连贯性，它成功地搭建起了一座从“乐理知识”到“现场应用”的坚实桥梁。它不仅仅是一本自学教材，我甚至觉得它完全可以作为音乐学院或专业培训班的基础课件使用。它教会你的不仅是如何弹奏，更是如何“思考”音乐。例如，它在不同章节间设置的知识点回顾和承接，使得知识不会成为孤立的点，而是形成一个密不可分的网络。最让我感叹的是，作者对“即兴”二字的理解非常深刻，它不把即兴看作一种炫技，而是一种流畅的、有逻辑的音乐对话。通过这本书的系统训练，我明显感觉到了自己对音乐的感知能力和反应速度都有质的飞跃，不再是遇到不熟悉的和弦就大脑一片空白，而是能够迅速找到合适的色彩进行填充。这是一套真正能让你脱胎换骨的深度学习资料。

评分☆☆☆☆☆

这本书在技术层面的深度挖掘，对于有一定基础的进阶学习者来说，绝对是一笔宝贵的财富。它并没有止步于基础的流行和弦或布鲁斯音阶，而是大刀阔斧地引入了更具挑战性的现代和声概念，例如替代和弦的运用、延伸音的色彩变化，甚至是对特定作曲家和演奏家风格的拆解分析。我过去总是在某些技术瓶颈上打转，看了这本书后，才恍然大悟是根源的和声理解不够扎实。作者在讲解这些高级技巧时，并没有直接给出“秘籍”，而是回归到音响物理和听觉心理学的角度去解释为什么这样处理会更好听、更有效，这种由内而外的解析方式，彻底打破了我原有的思维定式。它更像是一本“内功心法”的宝典，教会你如何自己去创造和发现新的音乐可能性，而不是死记硬背一堆模式。

评分☆☆☆☆☆

书的一角破损了，算了，也不高兴换了。

评分☆☆☆☆☆

还不错

评分☆☆☆☆☆

还不错

评分☆☆☆☆☆

弹键盘“钢琴”学和声，还蛮不错的

评分☆☆☆☆☆

好评！

评分☆☆☆☆☆

书的一角破损了，算了，也不高兴换了。

评分☆☆☆☆☆

书的一角破损了，算了，也不高兴换了。

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弹键盘“钢琴”学和声，还蛮不错的

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弹键盘“钢琴”学和声，还蛮不错的