西方油画全技法 完成油画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 布莱恩·戈斯特 编，邓晓芳，翁小芳 译

图书标签:

• 油画
• 绘画技法
• 西方油画
• 绘画教程
• 艺术
• 美术
• 技法
• 绘画
• 油画技法
• 绘画入门

出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787549413874

版次：1

商品编码：11918724

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-11-01

用纸：胶版纸

页数：127

正文语种：中文

内容简介

　　《西方油画全技法 完成油画》中“常见困难及其对策”用来帮助你总结经验，提升油画技艺。
　　大量附图介绍近20种油画基本技法及特殊技法；“主题探索”章节涵盖了8大类当代流行主题；“关于画室”是为专职油画家而准备的章节。

目录

序言
第一章 油画材料与工具
材料1 油画颜料
材料2 色料
材料3 媒介剂
材料4 基底
材料5 油画底子
工具1 画笔
工具2 调色板

第二章 油画造型与色彩
造型与色彩1 光线与造型
造型与色彩2 用线条与色彩造型
造型与色彩3 色彩的要素
造型与色彩4 色轮
造型与色彩5 调色
造型与色彩6 各种颜色
造型与色彩7 表现
造型与色彩8 油画设计的要素
造型与色彩9 设计实践

第三章 油画技法
技法1 着色的方法
技法2 彩色底子
技法3 画底色
技法4 "肥"盖"瘦"画法
技法5 去除湿颜料
技法6 直接画法
技法7 湿画法
技法8 短笔触画法
技法9 罩染法
技法1O 点彩画法
技法11 厚涂画
技法12 混合画法
技法13 常见困难及其对策

第四章 主题探索
主题1 静物
主题2 花卉
主题3 风景画
主题4 城镇风景
主题5 肖像画
主题6 人物画
主题7 抽象画
主题8 想象画

第五章 关于画室
关于画室1 空间与规划
关于画室2 器材与装备
关于画室3 内框制作
关于画室4 绷画布
关于画室5 刷兔皮胶
关于画室6 准备画板
关于画室7 打底
关于画室8 刷彩色底子
关于画室9 刷亮光漆
关于画室10 裱画与展示
关于画室11 日常绘画基本步骤及检查清单
关于画室12 健康与安全须知
术语表

《油画的奥秘：色彩、光影与表现的经典之旅》 内容概要 《油画的奥秘：色彩、光影与表现的经典之旅》并非一本单纯的技术手册，而是一次对油画艺术深邃内涵的探索之旅。本书旨在引导读者理解油画这一媒材的独特魅力，如何通过对色彩、光影的精妙运用，以及画面构图、笔触表现等元素的驾驭，最终达成丰富的情感表达和深刻的艺术意境。本书不直接教授具体的“技法”步骤，而是从宏观角度剖析油画创作的艺术思维与审美感知，帮助读者建立对油画艺术的整体认知，从而在未来的实践中，能够触类旁通，形成属于自己的独特风格。 第一章：油画的灵魂——色彩的语言 色彩是油画最直接、最感性的表达方式。本章将深入探讨色彩在油画中的作用，不仅仅是颜色本身的堆砌，更是情感的载体、氛围的营造者以及空间塑造的利器。 色彩的本质与感知： 我们将从色彩学的基本原理出发，讨论色彩的物理属性（如波长、饱和度、明度），以及这些属性如何在我们的视觉系统中转化为丰富的情感体验。例如，暖色调带来的热情与活力，冷色调所传递的宁静与疏离。 色彩的和谐与对比： 理解色彩之间的相互关系是创造引人入胜画面的关键。本章将深入剖析色彩的和谐配色（如邻近色、同类色）如何营造统一、安宁的氛围，以及对比色（如互补色）的运用如何制造视觉冲击力、突出主体、增加画面的戏剧性。我们将探讨不同文化背景下对色彩的理解差异，以及这些理解如何影响艺术家的选择。 色彩的情感象征与心理效应： 色彩并非孤立存在，它们承载着丰富的文化象征意义，并能直接触动观者的心理。例如，红色在不同文化中可能代表爱情、危险或权威；蓝色则可能象征天空、海洋或忧郁。本书将引导读者思考，艺术家如何有意识地运用色彩的心理效应来引导观者的情绪，从而构建画面的情感内核。 色彩的调和与变化： 油画颜料的混合与叠加是创造丰富色彩层次的关键。本章将探讨如何通过调色板上的实验，理解颜料混合的规律，以及通过不同媒介（如调色油、松节油）的运用，实现色彩的透明、半透明或厚重堆叠效果。我们将着重于色彩的变化而非固定的调色技巧，例如，如何通过微妙的色调变化来表现材质的质感，或如何通过光线对颜色的影响来塑造体积感。 印象派与色彩革命： 艺术史的发展为我们提供了宝贵的色彩运用经验。本章将回顾印象派画家如何打破工作室的束缚，直接面对自然光线，并用大胆的色彩打破学院派的沉闷，捕捉瞬间的光色变化。我们将分析莫奈、雷诺阿等大师是如何用色彩来“看到”世界的，以及他们的探索如何影响了后世的艺术发展。 第二章：光影的魔法——塑造与深度 光影是油画塑造形体、营造空间感、烘托氛围的无形之手。本章将深入探索光影在油画中的表现力，以及如何通过对光影的精准捕捉和描绘，让二维的画布产生三维的深度与生命力。 光线的性质与视觉效果： 我们将从物理学的角度理解不同光源的特性（如阳光、烛光、人工照明），以及它们对物体表面的影响。例如，直射光带来的强烈反差和清晰阴影，散射光产生的柔和过渡和微妙色彩变化。 明暗对比与体积塑造： 明暗对比是油画塑造物体体积感最根本的手段。本章将探讨如何识别并描绘物体的亮部、灰部、暗部以及反光，通过层层叠加或对比色运用，呈现出圆润、坚硬、柔软等不同的物质感。我们将分析伦勃朗等大师如何通过“明暗对照法”（Chiaroscuro）来营造戏剧性的光影效果，赋予肖像画深刻的心理深度。 环境色与色彩的相互作用： 物体本身的固有色并非孤立存在，它们会受到周围环境光线和物体颜色的影响。本章将深入分析“环境色”（Ambient Color）的概念，理解周围环境的色彩如何渗透到阴影部分，以及不同物体之间色彩的相互反射，这些都会使画面色彩更加真实、丰富和富有空间感。 光影的氛围营造： 光影不仅仅是物理现象，更是情感的载体。清晨的柔光、午后的暖阳、黄昏的余晖，或是阴郁的阴天，它们都带有独特的情绪和氛围。本章将引导读者观察和理解不同光影下的情景，思考如何用笔触和色彩来传达出这种独特的“光感”与“气韵”。例如，如何在画面中表现出阳光穿过树叶的斑驳，或是月光下的朦胧景象。 风景画中的光影表现： 在风景画中，光影的变化尤其丰富和动态。我们将分析如何在表现广阔的天空、起伏的山峦、波光粼粼的水面时，捕捉光影的流转，展现自然的生机与活力。例如，如何在表现日出日落时，用色彩的渐变和光影的对比来捕捉瞬间的美丽。 第三章：笔触的诗篇——表现与情感 笔触是油画的“表情”，它承载着艺术家的情感、意志和对画面的思考。本章将探讨不同笔触所蕴含的表现力，以及如何通过对笔触的掌控，让画面更具生命力、节奏感和艺术感染力。 笔触的物质性与肌理： 油画颜料的厚重感和其在画布上的堆叠方式，形成了独特的“肌理”。本章将探讨不同类型的笔触，如厚涂（Impasto）、薄涂（Glazing）、刮刀（Palette Knife）等，以及它们如何影响画面的质感、光泽和视觉冲击力。例如，厚涂笔触可以营造出坚实、有力的感觉，而透明的薄涂则能产生细腻、柔和的视觉效果。 笔触的速度与情感： 快速、流畅的笔触可能传达出奔放、激昂的情感；而缓慢、谨慎的笔触则可能暗示着内敛、沉思。本章将引导读者关注笔触的速度、方向和力度，理解它们如何直接反映艺术家的创作状态和情感投入。我们将以梵高充满力量的旋转笔触为例，说明笔触如何成为艺术家情感的直接抒发。 笔触的引导与节奏： 笔触的走向可以引导观者的视线，在画面中形成自然的阅读路径。通过不同方向、大小、形状的笔触组合，可以营造出画面的节奏感和动感。本章将分析如何利用笔触来组织画面元素，增强画面的整体性和统一性，使其更具视觉韵律。 笔触与风格的形成： 长期以来，艺术家的笔触往往成为其个人风格的鲜明标志。我们将回顾不同艺术流派和大师的笔触特点，例如，古典画派细腻、规整的笔触；印象派短促、跳跃的笔触；野兽派粗犷、装饰性的笔触。理解这些，并非为了模仿，而是为了启发读者去探索属于自己的笔触语言。 笔触的“未完成”之美： 在某些艺术作品中，刻意保留的笔触痕迹，甚至未完全覆盖的画布底层，反而增添了画面的生动性和想象空间。本章将探讨这种“未完成”之美，理解其背后的艺术考量，以及如何通过适当的“留白”或“可见的笔触”，赋予画面呼吸感和艺术的张力。 第四章：构图的智慧——平衡与叙事 构图是油画的骨架，它决定了画面元素的排列方式，影响着画面的整体和谐度、视觉焦点以及信息传达的效率。本章将从构成关系和叙事性的角度，深入探讨构图的原理与实践。 视觉平衡与稳定： 画面中的元素如何分布，才能达到视觉上的和谐与稳定？本章将介绍黄金分割、三分法等经典的构图法则，分析对称与不对称构图的视觉效果，以及如何通过元素的重量、大小、色彩来调整画面的平衡感。 视觉引导与焦点： 构图的首要任务之一是引导观者的视线，将目光聚焦于画面的主体。我们将探讨如何利用线条、色彩、光影、留白等手段，自然地将观者的视线引向焦点，并使其在画面中流畅地游走。 叙事性构图： 尤其在历史画、人物画或场景描绘中，构图承担着重要的叙事功能。本章将分析如何在画面中安排人物的姿态、眼神、相互关系，以及场景的氛围，来讲述一个故事，传达某种主题或情感。我们将参考经典叙事性绘画，分析其构图是如何巧妙地服务于故事的。 空间关系与景深： 构图也关乎二维画布上的三维空间表现。我们将探讨如何利用透视、前景、中景、远景的层次安排，以及元素的比例缩放，来营造画面的深度感和空间感。 动态与静止的构图： 不同的构图可以传达不同的动态感。直线、斜线、曲线的运用，以及元素的排列组合，都能影响画面给人的动或静的感觉。本章将分析如何通过构图来表现画面的活力、冲突或宁静。 结语：艺术的感知与自我表达 《油画的奥秘：色彩、光影与表现的经典之旅》并非提供一套僵化的公式，而是提供一种观察世界、理解艺术的视角。本书强调的是艺术家的内在感知、审美判断与情感表达。通过对色彩、光影、笔触和构图这些构成油画表象的要素的深入剖析，本书旨在唤醒读者对油画艺术更深层次的理解，鼓励读者在掌握了基本的艺术语言后，勇敢地去探索、去实践，最终找到属于自己的艺术之路，用油画这一古老而充满活力的媒材，去书写属于自己的艺术篇章。艺术的魅力在于其无限的可能性，而本书，则是开启这扇大门的一把钥匙，引领读者踏上一段充满发现与创造的油画艺术之旅。

评分☆☆☆☆☆

《西方油画全技法：完成油画》在“色彩的混合与运用”这一部分，可以说是我学习油画以来最颠覆性的一次体验。我一直以为调色就是把各种颜色放在调色盘上混在一起，然后涂到画布上。但这本书让我明白，色彩的魔力远不止于此。它详细阐述了三原色、二次色、三次色的概念，并且深入讲解了色彩的冷暖、饱和度、明度对画面整体氛围的影响。书中并没有直接给出“这样调才能画出xxx颜色”的简单公式，而是引导读者去理解色彩之间的关系，去培养自己的色彩感知能力。我最喜欢的是关于“色彩对比”的章节，它解释了如何利用互补色、邻近色来增强画面的视觉冲击力，或者如何通过近似色来营造柔和宁静的氛围。书中还介绍了“灰色”的艺术，我以前觉得灰色就是无聊的代表，但看了这本书才知道，无数微妙的灰色才是画面色彩和谐的基石，如何调出丰富而有层次感的灰色，是画家必修的功课。我开始尝试书中教授的调色方法，比如用少量互补色去“压”住主色调，或者在暗部加入一丝暖色来增加画面的深度。每一次调色，都像是在进行一场精妙的化学实验，每一次成功的混合，都带来巨大的成就感，也让我的画面色彩运用变得更加大胆和富有表现力。

评分☆☆☆☆☆

《西方油画全技法：完成油画》在“人物肖像的绘制要领”这部分，让我看到了将技法与艺术完美结合的可能性。我一直对西方油画中那些传神的肖像作品心生敬畏，总觉得要画出人物的神韵，需要的不仅仅是技巧，更是一种洞察力。这本书恰恰在这两方面都给予了我极大的启发。它首先从解剖学基础讲起，详细讲解了人脸的骨骼结构、肌肉走向，以及不同角度下脸部特征的变化。这让我明白了为什么某些角度的鼻子会显得高挺，而某些角度的嘴巴会显得饱满。然后，它过渡到色彩的运用，讲解了如何调配出肤色的微妙变化，如何利用冷暖色来表现皮肤的光泽和立体感。书中对于眼睛的描绘尤其细致，从虹膜的色彩、瞳孔的深邃，到眼球表面的反光，都进行了深入的剖析。当我尝试按照书中的步骤去绘制一个简单的头像时，我惊喜地发现，画面中的人物似乎不再是静态的，而是拥有了生命和情感。书中还介绍了一些表现人物性格的技巧，比如通过眼神的捕捉、嘴角细微的表情来传达人物的喜怒哀乐。这让我明白，画肖像不仅仅是“画一个像”，更是“画一个灵魂”。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏《西方油画全技法：完成油画》中关于“风景油画的构图与色彩逻辑”的讲解。在我眼中，风景画一直是油画中难度系数最高的一种题材，因为大自然瞬息万变，色彩和光影也极其复杂。这本书却像一位经验丰富的向导，为我指明了方向。它首先教我如何观察自然，如何提炼出风景中最具代表性的元素，以及如何运用构图原则来安排画面中的景物，让画面富有层次感和纵深感。书中对不同天气和时间下的色彩表现进行了详细的分析，例如如何描绘清晨薄雾中的朦胧，如何捕捉黄昏时分温暖的阳光，以及如何表现阴雨天气下压抑而富有层次的色彩。我被书中对“空气透视”的讲解所吸引，它让我理解了为什么远处的景物会显得模糊和偏蓝，以及如何通过色彩的饱和度和明度的变化来模拟这种视觉效果。我开始尝试运用书中教授的方法去描绘我眼中的风景，当我用细腻的笔触去描绘远处连绵的山峦，用跳跃的色彩去表现草地上的野花，用深邃的色彩去刻画夜晚的星空时，我感到我正在一点点地将大自然的美丽定格在画布上，这种感觉非常美妙。

评分☆☆☆☆☆

《西方油画全技法：完成油画》对于“静物油画的细节刻画”的讲解，彻底打消了我过去对静物画“枯燥”的刻板印象。这本书让我明白，即使是生活中最平凡的物体，通过精湛的技法和敏锐的观察，也能焕发出独特的艺术魅力。它从最基本的物体的造型和比例开始，循序渐进地讲解如何运用光影来塑造物体的体积感。然后，它重点突出了“细节”的重要性，例如水果表面的光泽、花瓣上的露珠、织物的褶皱等等。书中对于如何用细腻的笔触和丰富的色彩来表现这些细节，提供了非常具体的指导。我尤其喜欢关于“反光”的描绘，书中详细讲解了不同物体表面的反光原理，以及如何利用色彩的对比和明暗的变化来呈现出真实的光泽感。当我尝试去描绘一个摆放着水果和花朵的静物场景时，我不再满足于仅仅画出物体的轮廓，而是开始关注每一个细节，比如苹果表面微妙的红晕，葡萄串上晶莹的露珠，以及花瓣边缘柔和的渐变。每一次成功的细节刻画，都让画面更加生动，更加富有生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“油画的保养与修复基础”这一部分，为我这个新手提供了非常实用的知识，让我知道如何更好地爱护自己的作品。《西方油画全技法：完成油画》并没有止步于绘画技巧的传授，而是将目光放到了作品的“生命周期”上。它详细介绍了油画在完成后的正确存放方法，例如避免阳光直射、潮湿和极端温度。书中还讲解了关于画布的保存，以及如何处理画布的轻微破损。最让我印象深刻的是关于“油画清洁”的部分，它介绍了不同时期油画污垢的成因，以及如何使用温和的清洁剂来去除画面上的灰尘和污渍，同时强调了在进行清洁时需要格外小心，以免损坏画面。此外，书中还提供了一些关于油画“修复”的基本概念，虽然作为初学者可能不会立刻用到，但了解这些知识，让我对油画艺术的珍贵有了更深的认识。我明白了，完成一幅画只是一个开始，如何让它长久地保持其艺术价值，也是一件非常重要的事情。这本书让我对我的每一幅作品都更加珍惜，也更加用心地去呵护它们。

评分☆☆☆☆☆

《西方油画全技法：完成油画》对于“构图的原理与实践”的讲解，绝对是本书的点睛之笔。我一直以来都觉得，一张画的好坏，除了色彩和技法，构图也是至关重要的，但却不知从何下手。这本书就系统地解决了我的困扰。它从最基础的“视觉平衡”开始，讲解了对称构图、黄金分割、三分法等经典构图原则，并且通过大量的实例，说明了如何在画面中有效地运用这些原则。我印象深刻的是关于“引导线”的运用，书中解释了如何利用物体本身的线条（如河流、道路、建筑物的边缘）或者画面中元素的排列，将观众的视线自然地引入画面的焦点，从而增强画面的故事性和吸引力。同时，书中也强调了“空间感”的营造，如何通过前景、中景、远景的安排，以及透视法的运用，来创造出深度和层次。更有意思的是，书中还探讨了“负空间”的作用，以及如何通过留白来突出主体，制造呼吸感。我开始尝试在构思自己的作品时，先在脑海中勾勒出不同的构图草稿，运用书中学到的原理去调整元素的比例和位置。渐渐地，我发现我画的作品不再是简单的“物体堆砌”，而是开始有了“故事感”和“方向感”，画面也变得更加吸引人，更加耐人寻味。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“不同材质的表现技巧”这一部分的详尽程度，让我叹为观止。我一直觉得，油画最大的魅力之一，就是它能够逼真地再现各种物体的质感，无论是光滑的陶瓷、粗糙的麻布、冰冷的金属，还是柔软的毛发。而《西方油画全技法：完成油画》这本书，就针对这些不同的材质，提供了非常具体和可操作的技法指导。例如，在描绘玻璃器皿时，书中不仅讲解了如何表现玻璃的透明度、折射和反射，还详细说明了如何利用细腻的笔触和色彩变化来模拟玻璃表面的光滑感和晶莹剔透的质感。对于皮革的绘制，书中则强调了如何通过细微的纹理刻画、光泽的处理以及色彩的微妙变化来呈现皮革的柔软、韧性和独特的光泽。甚至连我一直觉得很难画的“毛发”，书中也给出了非常实用的方法，比如如何运用“飞白”和“扫笔”来表现毛发的蓬松和飘逸，以及如何通过色彩的叠加来模拟毛发的深浅和光泽。每一次学习新的材质表现技巧，都感觉像是在解锁一个新的绘画技能。我迫不及待地尝试运用这些技巧，去描绘各种不同的物品，当我成功地将一块粗糙的石头，或者一朵娇嫩的花瓣，逼真地呈现在画布上时，那种成就感是无法言喻的。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《西方油画全技法：完成油画》真是让我惊喜连连。我一直对西方油画的厚重感和丰富的色彩表现力着迷，但总觉得入门无门，各种技法名词听起来就让人望而却步。这本书的出现，就像一位循循善诱的老师，把我从油画技法的迷雾中一步步引向清晰的康庄大道。开篇的油画材料介绍就极为详尽，从画布的选择、底料的准备，到各种颜料的特性、画笔的种类和用法，几乎囊括了一个新手需要了解的所有基础知识。我以前总以为画笔只是简单的毛笔，看了这本书才知道，圆头笔、平头笔、扇形笔，它们在运笔、着色、晕染方面各有乾坤，配合不同的笔触，能创造出截然不同的肌理和视觉效果。尤其是关于颜料的讲解，不仅列出了各种颜色的名称，还详细说明了它们的冷暖关系、透明度、遮盖力，甚至还有历史上的演变和稀有度。这让我对色彩的认识从“好看”提升到了“懂”的层面，知道为什么某些大师的作品色彩会如此和谐耐看，原来背后有如此多的学问。书中对底料处理的讲解也让我受益匪浅，过去我总是草草了事，现在才知道，一层层的底料打磨，对油画的耐久度和最终的画面质感有着至关重要的影响。总而言之，这本书为我打开了油画世界的大门，让我不再畏惧那些看似复杂的技法，而是充满了跃跃欲试的冲动。

评分☆☆☆☆☆

翻开《西方油画全技法：完成油画》的第二章，我被书中对“光影的运用”的讲解深深吸引。一直以来，我总觉得油画作品中那种立体的、有生命力的感觉，很大程度上来源于对光影的精准捕捉。这本书用非常直观且易于理解的方式，剖析了不同光源（如顶光、侧光、逆光）下的物体受光面、背光面、明暗交界线、反光等关键元素的表现技巧。它不只是简单地告诉你“画亮部”和“画暗部”，而是深入讲解了如何通过色彩的冷暖变化、笔触的疏密程度来模拟光线的质感和方向。书中还提供了大量不同风格的西方油画范例，并一一拆解其中光影的表现手法，让我看得目不转睛。例如，在描绘金属质感时，书中讲解了如何运用高光、晕染和细微的色彩过渡来呈现金属的冰冷光泽；在描绘皮肤时，则强调了如何通过微妙的色彩变化来表现皮肤的温润和透明感。更令我惊喜的是，书中还介绍了“三维造型”的概念，通过对形体结构的理解，再结合光影的变化，来塑造出逼真的体积感。这对于我这样之前只会“平涂”的初学者来说，简直是醍醐灌顶。通过学习，我开始尝试在自己的练习中，有意识地去观察和表现光影，画面立刻变得生动了起来，不再是扁平的二维图像，而是有了呼吸和生命。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“笔触的表现力”部分，让我深刻理解了“写意”与“写实”在油画中的不同体现方式，以及它们各自的魅力所在。我过去总以为，逼真的油画就必须一笔一笔地精雕细琢，不留一丝笔痕。但《西方油画全技法：完成油画》颠覆了我的这种认知。书中详细介绍了不同类型的笔触，例如厚涂（Impasto）的粗犷有力，薄涂（Glazing）的细腻通透，点触（Dabbing）的灵活跳跃，以及刮刀（Palette Knife）的硬朗立体。每一个笔触的应用，都不仅仅是为了填充颜色，更是为了传递情感、塑造质感、引导视线。我被书中分析的几幅大师作品所震撼，那些看似随意的笔触，却能精准地捕捉到毛发的蓬松感、水面的涟漪、或者布料的褶皱。书中甚至还讲解了如何利用笔触的方向和疏密来模拟物体的纹理，例如顺着木纹的方向勾勒，或者用短促的点触来表现粗糙的麻布。我开始练习用不同的笔触去描绘同一个物体，观察它们所带来的视觉差异。当我尝试用刮刀去堆砌岩石的嶙峋感，或者用柔和的笔触去晕染天空的过渡时，我发现油画的表现力得到了极大的拓展。这种对笔触的精妙运用，让画面不仅仅是“画出来了”，更是“活起来了”，充满了动感和生命力。

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