中国美术史 大师原典系列（京东套装共6册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵佶，夏珪，刘松年，李公麟，吴道子 ... 著

图书标签:

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• 艺术史
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• 建筑
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• 京东图书

出版社： 中信出版集团

ISBN：11944335

商品编码：11944335

包装：平装

开本：8开

出版时间：2016-05-01

用纸：胶版纸

产品特色

编辑推荐

　　1.9米高清长卷，完整大图，用经折装的形式呈现给大家，高清复制，纤毫毕现，临摹鉴赏，诸般皆宜。
　　2、董源是“五代四大家”之一，“南派山水画”开山鼻祖。
　　疏林远树，平远幽深，皴法状如麻皮，人称“披麻皴”。
　　水色江天，云雾显晦，山头苔点细密，所谓“点苔法”。
　　米芾谓其画“平淡天真，唐无此品”。
　　3、8米长卷，完整大图，用经折装的形式呈现给大家，高清复制，纤毫毕现，临摹鉴赏，诸般皆宜。
　　4、夏圭，南宋四大家之一。
　　善用秃笔带水作大斧劈皴，人称“拖泥带水皴”。
　　近景突出，远景清淡，淋漓苍劲，“墨气袭人”。
　　多作半边小景，被认为系南宋偏安、残山剩水之写照，称“夏半边”。

海报：

内容简介

　　《写生珍禽图》乃徽宗写生花鸟画的典范。笔调朴质简逸，无论禽鸟花草，“形似以物趣胜，神似以天趣胜”。以精准的形体，活泼的精神，力求写生的逼真，由形似达到神似。画中之鸟，用淡墨轻擦出形，再以浓墨点染头尾羽梢，层叠描绘，映衬鸟羽松软的质感、厚度以及斑斓色彩。枝叶的画法也类似，皆生动写实

　　《溪山清远图》绘晴日江河两岸：群峰、峭岩、茂林、楼阁、长桥、村舍、茅亭、渔舟、远帆，勾笔虽简，形象真实。夏圭擅用墨色的变化，墨色由浓渐淡、由湿渐枯，以墨破水、以水破墨，以浓破淡、以淡破浓，变化无常。空旷的构图，简括的用笔，淡雅的墨色，极其优美地营造出旷远清明的湖光山色。

　　《十八学士图》唐初十八学士这一历史，传到宋代已成典故。两宋文人时常进行内容丰富的雅集活动。琴、棋、书、画，这是不可或缺的，歌舞曲艺、古玩彝器、饮酒美食也是常见的画面。十八学士的衣着虽然还是唐人的模样，家具器物却处处流露出宋代的特征，他们仿佛穿越了时光……

　　《西岳降灵图》用白描手法绘写形形色色的人物，既有贵族及其眷属随从，也有市井商人、乞丐、渔父、玩把戏的等。既是道教画，亦为风俗画，因为道教认为神仙具有普通人的外表，会隐迹于世俗人群中。在中国画中，纯用线条和浓淡墨色描绘实物的白描，可说是线描技法尤为纯的阶段。李公麟使白描成为后人学画的样板，“如群龙之首”，代代相传。

　　《夏景山口待渡图、潇湘图》董源运用披麻皴和点苔法来表现江南一带的自然风貌，神妙地传写出峰峦晦明、洲渚掩映、林麓烟霏的江南景色。用笔甚为草草，近视几不类物象，远观则景物粲然，在技法上极富创造性。将夏天江南的丘陵与江湖之间，草木畅茂、云气滃郁、峰峦出没、汀渚溪桥的景色表现得淋漓尽致。

　　《送子天王图》又名《释迦降生图》。描绘释迦牟尼降生后，他的父亲净饭王抱他去拜见天神的情景。画中人物、鬼神、瑞兽数十，天王威严、大臣端庄、夫人慈祥、侍女卑恭、鬼神张舞、瑞兽灵动，极富想象力。“吴家样式”线描，粗细顿挫、随心流转，无论人物的衣纹，鬼神的狰狞，还是闪烁的火光，都表现得生动贴切，游刃有余。

作者简介

　　赵佶（1082-1135），宋徽宗，宋朝第八位皇帝，在位时广收古物和书画，网罗画家，扩充翰林图画苑，组织编撰《宣和书谱》《宣和画谱》《宣和博古图》等书。擅书画，其书自称“瘦金书”。工花鸟，重视写生，以精工逼真著称

　　夏圭，又名珪，字禹玉，临安钱塘（今浙江杭州）人，南宋画家。曾为画院待诏、画院祗候。后与李唐、刘松年、马远被合称为“南宋四大家”。

　　刘松年（约1155-1218），南宋孝宗、光宗、宁宗三朝的宫廷画家。钱塘（今浙江杭州）人。擅画人物、山水，被誉为画院人中“绝品”。画学李唐，画风笔精墨妙，山水画风格继承董源、巨然，清丽严谨。与李唐、马远、夏珪合称为“南宋四大家”

　　李公麟（1049-1106），字伯时，号龙眠居士，舒州（今安徽舒城）人，北宋画家。好古博学，长于诗，精鉴别古器物。尤以画著名，凡人物、释道、鞍马、山水、花鸟，无所不精。

　　董源（943- 约962），一作董元，字叔达，江西钟陵人，五代南唐画家。曾任北苑副使，故又称“董北苑”。擅画山水，兼工人物、禽兽。以江南真山实景入画，首创“披麻皴”和“点苔法”。与李成、范宽并称为“北宋三大家”。

　　吴道子（约公元680～759年），阳翟（今河南禹州）人，唐代著名画家，画史尊称画圣，又名道玄。擅佛道、神鬼、人物、山水、鸟兽、草木、楼阁等，尤精于佛道、人物，长于壁画创作。

目录

《中国美术史·大师原典系列 赵佶·写生珍禽图》
《中国美术史·大师原典系列 夏圭·溪山清远图》
《中国美术史·大师原典系列 刘松年·十八学士图》
《中国美术史·大师原典系列 李公麟·西岳降灵图》
《中国美术史·大师原典系列 董源·夏景山口待渡图、潇湘图》
《中国美术史·大师原典系列 吴道子·送子天王图》

《中国美术史话》：一部跨越千年的视觉文化之旅 内容提要： 本书以叙事性的笔触，深入浅出地梳理了中国美术自史前萌芽至近现代演变的宏大脉络。全书共分六卷，系统性地介绍了中国绘画、雕塑、书法、工艺美术等主要艺术门类的发展历程、风格特征、代表人物及其时代背景下的文化意涵。我们不聚焦于枯燥的年代罗列，而是力求展现艺术背后的精神世界与社会变迁的内在联系，带领读者进行一场穿越时空的视觉文化考察。 第一卷：远古的呼唤与青铜的辉煌（史前至秦汉） 本卷聚焦于中华文明的源头，探讨艺术在原始社会中的功用与象征意义。从仰韶文化的彩陶图案中，我们得以窥见早期人类对自然万物的理解和信仰。岩画、陶塑展现了质朴而强大的生命力。 进入奴隶社会，青铜器艺术达到了第一个高峰。商周时期的礼器，其复杂的纹饰和庄重的造型，不仅是权力的象征，更是那个时代宗教观念和等级制度的物化体现。鼎、彝等器物上的饕餮纹、云雷纹，蕴含着神秘的巫术色彩与精湛的工艺水平。 春秋战国时期，社会动荡催生了思想的空前活跃，艺术开始转向对个体生命体验的关注。玉器的雕琢愈发精细，造型趋向写实与灵动。秦汉帝国统一后，艺术的恢弘气势与实用性并重。秦始皇陵兵马俑群的写实主义达到了惊人的高度，它们不仅是雕塑史上的奇迹，更是研究秦代军制与审美情趣的宝贵资料。汉代的画像石、画像砖，则以其生动的叙事性，描绘了当时的社会生活、神话传说与丧葬习俗。 第二卷：气韵生动的开创与融合（魏晋南北朝至隋唐） 魏晋时期，玄学清谈盛行，个体精神的觉醒深刻影响了艺术创作。顾恺之的“传神写照”理论，标志着中国绘画理论体系的成熟。山水画开始从道家哲学的载体中独立出来，文人艺术的雏形开始显现。佛教艺术在这一时期大规模传入并本土化，云冈、龙门石窟的造像艺术，体现了外来文化与本土艺术审美的不断磨合与创造。 隋唐，是中华文明的鼎盛时期，艺术呈现出雍容大气、兼容并蓄的盛世气象。唐代绘画，人物画达到了历史的巅峰，吴道子“吴带当风”的笔法，展现了强烈的动感和生命力。阎立本、周昉的作品，细腻地捕捉了宫廷生活与社会风貌。唐三彩，以其绚烂的色彩和生动的造型，成为陶瓷工艺的代表。雕塑方面，佛像更加丰满圆润，充满世俗化的慈悲之美。同时，书法艺术也确立了楷书的典范，欧阳询、虞世南、褚遂良、颜真卿、柳公权等大家辈出，将汉字的书写提升到审美的新高度。 第三卷：意境的营造与世俗的浸润（五代至宋） 五代时期，艺术独立性进一步加强。以荆浩、关仝为代表的北方山水画家，开始注重描绘北方山川的雄伟气势，奠定了全景式山水画的格局。南唐画家如顾闳中，则在精微中见功力。 宋代，美学思想更加内敛、理性化。士大夫阶层成为艺术活动的主导力量，追求“格物致知”的审美趣味影响了绘画的方方面面。文人画开始占据主流地位，强调笔墨情趣而非单纯的形似。范宽的《溪山行旅图》展现了北方山岳的崇高感，李成则以简练的笔墨抒发清逸之气。院体画的成熟，如徽宗的《芙蓉锦鸡图》，则将写实功力推向极致。同时，宋代瓷器，尤其是汝、官、哥、定、钧五大名窑的烧制技术，将实用器皿的美学价值提升到了前所未有的高度，其釉色的温润典雅，至今仍是世界陶瓷艺术的标杆。 第四卷：转折与革新（辽金元） 辽金时期，北方少数民族政权对汉族文化进行了吸收与重塑。金代画家（如王诜）承袭宋代遗风，并开始为元代的艺术变革做铺垫。 元代，政治环境的变化使得知识分子（士人）大量转向艺术领域，艺术的文人化和自觉性达到了新的高度。元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的出现，标志着水墨写意山水画的成熟。他们不再满足于描绘自然景观，而是通过笔墨的干湿浓淡，表达个人的胸襟与寄托。书法上，赵孟頫倡导“复古”，重振晋唐风范，对后世影响深远。 第五卷：世俗的繁华与笔墨的程式化（明清前期） 明代前期，宫廷艺术依然保持着高度的规范化和程式化，如“台阁体”绘画，注重工整与典雅。但文人艺术的活力并未衰减，吴门画派的文徵明、唐寅等人，将宋元以来的绘画技法融会贯通，形成各自鲜明的风格。 中晚明，商品经济的发展带来了市民阶层的崛起，艺术领域出现了反程式化的倾向。以徐渭为代表的“写意”精神得到弘扬，他以狂放的笔墨表达对现实的不满和个性的张扬。同期，版画艺术也得到了极大的发展，如《西厢记》的插图，极具装饰性和叙事性。 清代前期，宫廷审美转向“四王”所代表的摹古主义，强调继承传统笔墨规范。然而，革新之声从未停歇。以“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）为代表的遗民画家，以强烈的个人情感和奇崛的造型，突破了传统文人画的藩篱，他们的作品充满了对时代变迁的深刻反思和对艺术本体的探索。 第六卷：中西交汇与现代的开端（清中后期至近代） 清中叶以后，随着西方文化和艺术思潮的涌入，中国美术进入了剧烈的转型期。这一时期，传统绘画在民间和士人群体中依然保持着强大的生命力，如扬州画派的活泼奔放，岭南画派的兼容并蓄。 晚清至民国，传统文人画面临前所未有的挑战。西方的透视法、解剖学被引入，美术教育体系开始重塑。艺术大师们在如何应对“中西之辨”的时代课题上进行了艰辛的探索。他们或是在继承古法中融入新的观察视角，或是在吸收西方写实手法的同时，坚守民族艺术的精神内核，为中国近现代艺术的未来走向奠定了复杂而多元的基础。 本书特色： 本书的叙事线索清晰，将艺术史置于广阔的社会、哲学和技术背景下考察。它不仅关注“画了什么”，更侧重于“为何而画”以及“如何而画”，旨在构建一个立体、鲜活的中国艺术图景，让读者在欣赏古代的辉煌之作时，能真切感受到艺术背后鲜活的时代精神与创作者的灵魂律动。

评分☆☆☆☆☆

这套《中国美术史》大师原典系列，光是捧在手里沉甸甸的分量，就足以让人感受到它的厚重与权威。我原本是想找一本轻松入门的艺术普及读物，结果误打误撞入了这座宝库。不得不说，它绝不是那种走马观花、配几张精美图画的“咖啡桌读物”。每一页都像是经过了极其严谨的考证和梳理，从史前陶器上那几笔看似随意的纹路，到魏晋南北朝时期高僧造像的衣褶处理，再到宋元山水画中“可游、可居、可观”的意境营造，作者的叙述逻辑严密得让人叹服。尤其是在探讨某一特定时期艺术风格转变的内在动因时，那种将哲学思辨、社会结构变迁与笔墨技法创新紧密结合的分析角度，实在是高明。比如讲到唐代雍容华贵的审美是如何在盛世背景下酝酿成熟，文字中仿佛能嗅到大唐的气息，让人在阅读过程中不断地停下来，反复咀嚼那些精妙的论断。对于真正想深入了解中国艺术脉络的读者来说，这套书简直是不可或缺的“内功心法”。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初翻开这套书时，我的感受是相当“痛苦”的，但这种痛苦是高级的、值得的。它需要的专注力远超我的预期，每一个章节都像是一场学术马拉松。特别是涉及到技术层面的讨论，比如古代颜料的制作工艺、绢素的年代判定、以及不同时期碑刻的书法风格演变细节，作者那种近乎偏执的考据精神让人印象深刻。我记得有一处详细对比了不同朝代瓷器釉色的微妙差异，光是这一小节，我就查阅了至少三本外围资料来辅助理解。这本书的厉害之处在于，它不是简单地罗列事实，而是建立了一套完整的“方法论”来解读艺术品背后的文化密码。它强迫你跳出“好看”或“不好看”的浅层审美，去思考为什么当时的工匠会选择这种材料、这种造型、这种结构。读完一个部分，合上书本，你再去看那些经典的文物图片时，视野会瞬间开阔，仿佛从一个仰望者变成了能够与古人对话的同行者。

评分☆☆☆☆☆

这六册书的装帧设计本身也是一件艺术品，那种低调而雅致的配色，以及对经典图像的高保真印刷（虽然我主要关注的是文字内容），都体现出一种对学术的敬畏。我个人认为，对于想要构建完整中国艺术史知识体系的人来说，这套书的价值是难以估量的。它构建的知识框架足够坚固，可以承载未来任何新的研究发现。它教会我的，不仅仅是“看懂”作品本身，更是“理解”艺术史的运行规律和内在逻辑。它让我意识到，中国艺术史不是一系列孤立的杰作的集合，而是一个充满内在张力和历史必然性的连续的“场域”。每一次重读，都会因为自己阅历的增加而产生新的理解层次，这才是真正的大师原典所具备的生命力，让人甘愿一再回访，去挖掘那些第一次阅读时可能遗漏的精微之处。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这套书的阅读体验，更像是在跟随一位德高望重的导师进行一对一的私人授课。它的文字风格沉稳、老练，用词精准，几乎没有那种为了吸引眼球而堆砌的华丽辞藻，一切都服务于清晰而深刻的阐释。对于我这个业余爱好者来说，初读时可能需要频繁地查阅生僻的术语和历史背景，但这恰恰是它“原典”价值的体现——它保留了学术对话的原始强度，不为迎合大众而“稀释”内容。有一段时间我被一个关于“程式化”与“个性化”冲突的论述卡住了，反复琢磨了好几天，最后终于理清了作者关于“继承性叛逆”的观点，那一刻的顿悟感，比读十本轻快的随笔都要来得扎实和持久。它需要的不是你快速地翻页，而是静下心来，和书中的思想进行一场长期的、深入的对话。

评分☆☆☆☆☆

这套丛书的编排方式，可以说是“反直觉”地出色。它并非完全按照时间顺序机械推进，而是在关键的历史节点上设置了深入的专题剖析。举个例子，它不会平均分配笔墨给每个朝代，而是对宋代文人画的兴盛及其对后世的深远影响进行了近乎“微观”的解剖。那种对“气韵生动”在不同画家笔下具体体现的细致描摹，简直像是在做一场精准的外科手术。我尤其喜欢它对“地域性”艺术流派的关注，比如江南文人与北方院体的区别，不仅停留在风格的表面差异，还深入探讨了经济基础和士大夫阶层的文化抱负在艺术创作中的投射。这种多维度的切入，让原本平面化的历史变得立体而富有张力。看完其中关于明清之际艺术转型的章节，我感觉自己对“文人精神”的理解都被刷新了，那些看似保守的笔墨背后，实则暗流涌动着对时代命题的回应。