基础教学实用版 结构静物

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马强 著
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出版社: 湖南美术出版社
ISBN:9787535677174
版次:1
商品编码:12016896
包装:平装
开本:16开
出版时间:2016-07-01
用纸:胶版纸

具体描述

编辑推荐

  以图文并茂的形式,循序渐进的原则,成为学生临摹、赏析的很好范本。

内容简介

  《基础教学实用版结构静物》是初学者自学,也是教师进行结构静物教学的图书。本书以图文并茂的形式,循序渐进的原则,帮助学生打下扎实的素描基础,使初学者建立起对结构静物的整体认识,提高造型能力和画面的组织能力。

作者简介

  马强,毕业于安徽大学,生于安徽毫州,2002年投身于美术高考教育工作,并出版了个人画集《马强结构素描》,从事高考教育十余年,已为全国各大高校输送了大批美术人才。

内页插图

前言/序言


《艺海拾遗:静物写生的探索与实践》 一、 引言 静物写生,作为造型艺术的基础训练科目,其重要性不言而喻。它不仅是锻炼观察力、造型能力、色彩表现力以及空间处理能力的有效途径,更是培养艺术家情感表达和审美意识的起点。《艺海拾遗:静物写生的探索与实践》并非一本僵化的教科书,而是一次关于静物写生主题的深度探索,旨在引导读者从更广阔的视角理解静物写生,发掘其潜在的艺术价值,并结合个人情感与思考,进行个性化的实践。本书不拘泥于基础的技法梳理,而是着力于拓展思维,鼓励读者在“基础”之上,构建属于自己的艺术语言。 二、 审视与观察:发现生活中的“静” 静物,顾名思义,是指经过艺术家精心安排或自然状态下形成的静止物体组合。然而,“静”并非意味着“死寂”。真正引人入胜的静物写生,源于艺术家敏锐的观察力,能够捕捉到物体本身所蕴含的生命力、历史感和情感信息。 本书将引导读者超越“摆放—画出”的机械过程,深入理解如何“审视”与“观察”。这包括: 物质性与触感的感知: 仔细体会不同材质的肌理,如金属的光泽、布料的褶皱、陶瓷的温润、木质的纹理。通过笔触和色彩的运用,将这些触感转化为视觉语言。 光影的舞蹈: 光线是塑造物体形态和空间关系的关键。本书将探讨不同光源(自然光、灯光)、不同角度照射下,物体表面产生的微妙光影变化,以及这些光影如何营造出体积感、空间感和戏剧性。我们不仅要画出光源的直接照射,更要关注环境光、反射光对物体的影响,以及由此产生的丰富色彩。 形态的内在逻辑: 每一个物体都有其独特的结构和比例。理解物体的基本形态(球体、圆柱体、立方体等)是基础,但更重要的是去发现组合体中不同部分之间的相互关系,以及这些关系所产生的视觉韵律。例如,一个瓶子的曲线、一个水果的凹凸,都蕴含着自然的“语言”。 历史与情感的痕迹: 很多静物物件并非凭空产生,它们可能承载着主人的生活习惯、时代印记,甚至一段故事。一个磨损的角落,一个褪色的表面,都可能成为艺术表达的起点。本书鼓励读者在观察中思考物体的“前世今生”,赋予作品更深沉的内涵。 环境的塑造力: 物体并非孤立存在,它们与周围的环境相互作用。背景的颜色、纹理,乃至桌面、墙壁的质感,都会影响到前景物体的视觉呈现。理解物体与环境的关系,是构建画面整体感和空间深度的重要一环。 三、 构图的哲学:在秩序中寻找自由 构图是静物写生的骨架,它决定了画面的视觉引导、情感传达和信息传达效率。本书将探讨构图的多种可能性,而非提供一套固定的“黄金法则”。 视觉平衡的奥秘: 画面中的视觉重量如何分配?色彩、明暗、大小、疏密等因素如何协同作用,形成稳定的或富有张力的平衡?我们将分析经典构图案例,理解如何在打破常规中寻求新的视觉秩序。 引导线的力量: 如何利用物体的轮廓线、光影的分割线、乃至画面的空间结构,将观众的视线巧妙地引导至画面的焦点?从古典的三角形构图到现代的斜线、曲线构图,探索不同引导线带来的情感体验。 节奏与韵律的营造: 画面中重复出现的形状、色彩、明暗对比,能够形成视觉上的节奏感。本书将引导读者思考如何通过物体的大小、疏密、方向的变化,创造出具有音乐般韵律的画面。 虚实相生的空间: 并非所有物体都需要清晰的描绘。背景的虚化、边缘的处理,都可以有效地制造空间感,突出主体。我们将探索如何通过“留白”和“概括”,来表现画面的深度和空气感。 情感与叙事的构图: 构图不仅仅是形式的游戏,更是情感的载体。一个倾斜的物体可能暗示着不安,一个孤零零的物件可能传达着孤独。本书将鼓励读者思考,如何通过构图来表达对画面主题的情感回应。 四、 色彩的叙事:从写实到表现 色彩是静物写生中最具表现力的语言之一。本书将带领读者深入探究色彩的科学原理与艺术运用。 色彩的生理与心理效应: 不同颜色会引发人们不同的生理和心理反应。冷暖色调如何影响画面的情绪?对比色如何制造视觉冲击?邻近色如何营造和谐统一?我们将深入理解色彩的情感力量。 光色关系的研究: 光线不仅决定了明暗,更决定了色彩的温度和饱和度。在不同光线下,物体的固有色会发生怎样的变化?环境色如何“浸染”到物体上?本书将强调对光色关系的细致观察和准确表现。 色彩的和谐与对比: 如何在统一的色调中找到微妙的变化?如何运用对比色制造画面的亮点和张力?我们将探讨单色、近似色、对比色等不同配色方案在静物写生中的应用。 从观察到表现的色彩转换: 并非所有色彩都需要百分之百写实。有时候,为了强调某种情绪或突出主体,艺术家会对色彩进行主观的调整和夸张。本书将鼓励读者在尊重自然色彩的基础上,尝试加入个人对色彩的理解和情感。 色彩的物质感表现: 不同材质的物体,其色彩的表现方式也不同。金属的反光色彩、布料的吸光色彩、透明体的折射色彩,都需要用不同的笔触和色彩手法来表现。 五、 笔触的语言:肌理与力量的传递 笔触是艺术家在画面上留下的“指纹”,它直接传递着艺术家的情感、力量和对物体的理解。 不同媒介的笔触特点: 油画、丙烯、水彩、素描等不同的绘画媒介,都有其独特的笔触表现力。本书将探索不同媒介下,笔触如何塑造形体、表达肌理、营造氛围。 笔触的体积塑造: 短促的笔触可以描绘细腻的表面,流畅的笔触可以勾勒出物体的轮廓,厚重的笔触可以表现物体的厚实感。我们将学习如何利用笔触的走向、疏密、粗细来塑造三维的体积感。 笔触的情感表达: 激昂的笔触可能传递着强烈的感情,沉静的笔触则可能营造出平和宁静的氛围。本书将鼓励读者将个人的情感融入笔触之中,让画面“说话”。 肌理的笔触语言: 布料的柔软、金属的光滑、木材的粗糙,都可以通过不同方向、不同力度、不同形状的笔触来表现。我们将学习如何用笔触“模仿”物体的肌理,甚至“创造”出新的肌理。 笔触的整体性: 画面中的笔触不应是零散的,而是要形成整体的视觉效果。如何通过笔触的呼应和衔接,让画面更加统一和富有生命力? 六、 意境的营造:超越形体的精神内涵 真正的艺术创作,不仅仅是对客观物体的忠实再现,更是对生命、对世界的一种感悟和表达。静物写生同样可以承载丰富的意境。 从“物”到“意”的升华: 如何在对物体形态、色彩、光影的精准把握之后,注入个人的情感、哲学思考,甚至是对社会现象的隐喻? 主题的提炼与深化: 画面中的物体组合,能否构成一个具有叙事性的主题?例如,一个摆放着食物的餐桌,可能是在赞颂生活的美好;一个堆叠着书籍的角落,可能是在致敬知识的力量。 情感的共鸣: 艺术家通过画面所传达的情感,能否引起观者的共鸣?本书将探讨如何通过色彩、光影、构图和笔触的综合运用,来营造出特定的情感氛围,如宁静、喜悦、忧伤、神秘等。 象征与隐喻的运用: 某些物体本身就具有象征意义。例如,鲜花常象征美好与短暂,钟表象征时间的流逝。艺术家可以巧妙运用这些象征,为画面注入更深层的含义。 留白与想象的空间: 并非所有细节都需要完全交代清楚。适度的“留白”和模糊的处理,可以激发观者的想象力,让他们参与到艺术品的解读中来,从而获得更丰富的体验。 七、 实践与创新:个性化探索之路 本书并非提供一套“标准答案”,而是鼓励读者在掌握基础原理的基础上,进行个性化的探索和创新。 多元的创作主题: 摆脱对传统水果、花卉、器皿的刻板印象,尝试将日常生活中的一切物品,甚至是抽象的元素,纳入静物写生的范畴。 技法的融合与突破: 鼓励读者在不同绘画技法之间进行融合,例如将素描的严谨与色彩的奔放相结合,或者尝试新的材料和表现方式。 观念的革新: 思考静物写生在当代艺术语境下的意义。它是否仅仅是造型练习,还是可以成为一种独立的艺术表达方式,甚至引发对社会、文化、哲学问题的思考? 个人风格的形成: 通过大量的实践和反思,逐渐形成自己独特的观察视角、表现方式和艺术语言。本书将引导读者认识到,真正的艺术价值在于其独特性和原创性。 八、 结语 《艺海拾遗:静物写生的探索与实践》是一次邀请,邀请您走进静物写生那看似平凡却又充满无限可能的世界。在这里,每一件物体都拥有自己的故事,每一次观察都可能孕育着一次艺术的发现。愿本书能成为您在艺术道路上的一位良伴,激发您对生活的热爱,对艺术的追求,并最终找到属于您自己的“静”与“动”的和谐之美。

用户评价

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在接触《基础教学实用版 结构静物》之前,我一直认为素描静物无非就是画好光影和明暗对比,但这本书的出现,让我对这个认知有了颠覆性的改变。它把我带入了一个全新的维度——“结构”。这本书的讲解方式非常独特,它不是直接教授你如何“画出”一个物体,而是引导你如何“理解”这个物体。作者以极其严谨的态度,从最基础的几何形体出发,层层递进,将复杂的物体分解成最基本的结构单元。我记得书中有一段关于“穿插”关系的讲解,它不仅仅是简单地告诉你物体A挡住了物体B,而是通过对物体边缘线的细微变化,以及它们之间产生的空间缝隙,来清晰地展现出它们之间的相互关系。这一点对我启发很大,以往我画静物组合时,总是把物体孤立地画出来,然后再拼凑在一起,导致画面缺乏整体感和空间纵深。而这本书,让我意识到,静物组合的魅力在于它们之间的相互作用,在于它们如何共同占据和分割空间。书中对物体“转折”的处理,也让我受益匪浅。以前我总是习惯于画出清晰的边缘线,但这本书告诉我,真正的结构转折,往往是通过明暗关系的变化来体现的,而轮廓线只是最表面的表述。通过对不同材质物体的结构分析,比如光滑的金属和粗糙的布料,我更深入地理解了结构如何影响物体的表面肌理和光影表现。这本书就像一位循循善诱的老师,它不直接给你答案,而是教会你如何去寻找答案,如何用结构去“读懂”画面。

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对于我这样一位在素描道路上摸索了多年的绘画爱好者,《基础教学实用版 结构静物》这本书无疑是一剂强心针。我一直困扰于自己的画作总是显得“ flat”,缺乏立体感和空间感,总觉得哪里不对劲,却又找不到问题的根源。直到我遇到这本书,我才恍然大悟,原来关键在于对“结构”的理解不够深入。作者以极其系统化的方式,从最基础的几何体入手,将复杂的静物拆解为可理解的结构单元。我印象最深刻的是书中关于“面”和“体”的区分讲解,它不是简单地让你画出物体的轮廓,而是引导你去思考物体表面是如何被划分成不同的“面”,而这些“面”又是如何组合成一个完整的“体”。并且,作者会详细讲解在不同光线下,这些“面”会呈现出怎样的明暗变化,以及这些明暗变化如何反过来帮助我们更好地理解物体的结构。书中大量的案例分析,每一个都配有详细的步骤图,并且对关键的结构节点做了重点标注和文字说明。例如,在画一个复杂的组合静物时,作者会先分析主体物体的基本形体,然后逐步分析它与其他物体的穿插关系,以及它们之间产生的空间关系。这一点对于我理解如何构建画面层次和空间纵深至关重要。这本书让我明白,素描不仅仅是“形似”,更是“神似”,而这种“神似”的关键,就在于对物体结构的深刻理解。

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老实说,在翻阅《基础教学实用版 结构静物》之前,我对“结构”这个词在素描中的应用,一直有些模糊不清,总觉得它是一个比较抽象的概念,难以把握。但是,这本书真的让我眼前一亮!作者用了非常直观和系统的方式,将“结构”这个概念具象化了。它不像其他一些教程那样,上来就讲大量的理论术语,而是通过大量清晰的手绘图和照片对比,一步步地引导读者去观察和理解物体的内在构成。我尤其喜欢书中对“形体逻辑”的讲解,它不仅仅是告诉你物体是什么样的,更是告诉你为什么它是这样的。比如,在讲解一个陶罐时,作者不仅画出了它的外形,还通过分解线的方式,展示了陶罐的颈部、腹部、底部是如何相互连接和支撑的,以及这些结构关系如何决定了陶罐的体积感和空间感。这一点让我彻底明白,素描不仅仅是“画得像”,更是“理解得透”。书中的案例分析也做得非常出色,每一个案例都配有详细的步骤图,并且对每一个步骤中的关键结构点都有细致的文字说明。这让我在模仿练习时,不会盲目地跟着画,而是能真正地理解每一步的用意。让我印象深刻的是,书中对于不同物体之间的“穿插”关系处理,它不仅仅是简单地将一个物体放在另一个物体前面,而是通过对边缘线的微妙变化,以及它们之间产生的空间关系,来展现出一种自然的、有逻辑的遮挡关系。这让我明白,画面中的物体不是孤立存在的,而是相互影响、相互关联的。总而言之,这本书为我打开了通往扎实素描基础的大门,让我从“怎么画”转变为“为什么这么画”,这种思维上的转变,是任何速成技巧都无法比拟的。

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这本《基础教学实用版 结构静物》真是打开了我绘画世界的一扇新大门!在此之前,我对素描静物,尤其是“结构”这个概念,一直模糊不清,总觉得画出来的东西只是形似,却少了那种骨子里的支撑和逻辑。拿到这本书,我简直是爱不释手。它不像市面上很多速成教程那样,上来就讲光影、讲厚涂,而是非常扎实地从最基础的“结构”入手。作者用了大量的篇幅,图文并茂地解析了各种常见静物,比如球体、立方体、圆柱体,乃至更复杂的组合体,是如何由最基础的几何形体构成的。书中对于透视的讲解也异常清晰,不是枯燥的公式堆砌,而是通过生动的例子,让我理解了不同角度下物体的形变规律。例如,在讲解罐子时,作者不仅仅画出了罐子的外轮廓,更是深入剖析了罐子的颈部、腹部、底部是如何与空气产生空间关系的,以及这种空间关系如何影响我们看到的线条。这一点对我来说至关重要,因为它让我明白,画静物不仅仅是“复制”看到的,更是“理解”内在的结构。当我开始尝试按照书中的方法去画一个简单的苹果时,我不再仅仅关注苹果表面的高光和阴影,而是先思考它是一个近似的球体,然后在这个球体的基础上,去理解它表面的起伏、果蒂的插入方式,以及它与桌面形成的接触点。这种由内而外的理解,让我的画面立刻有了立体感和真实感。而且,书中对于不同材质的静物,在结构上的侧重点也有所说明。比如,画玻璃器皿时,结构不仅体现在器皿本身的形状,更体现在其通透性带来的内部结构和背景的折射。而画金属器皿时,则要关注其硬朗的边缘和结构线。这种细腻的区分,让我在实践中少走了很多弯路。可以说,这本书提供了一个非常坚实的基础,让我不再是凭感觉乱画,而是建立了一种有条理、有逻辑的绘画思维。

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我一直对素描静物绘画充满热情,但总感觉自己的作品缺乏一种“骨骼感”,画出来的东西总是显得轻飘飘,不够扎实。《基础教学实用版 结构静物》这本书的出现,恰好填补了我在这方面的认知空白。它将“结构”的概念深深地植根于我的绘画思维中。作者的讲解方式极其系统化,从最基本的几何形体开始,循序渐进地引导读者去理解复杂物体的内在构成。我印象最深刻的是,书中对于“圆柱体”的讲解,它不仅仅是画出圆柱体的外轮廓,更是通过剖析圆柱体的轴线、顶部和底部的椭圆、以及侧面的投影,来阐述圆柱体在不同角度下的透视变化。这让我明白,每一个看似简单的物体,都有其内在的结构逻辑。书中的案例分析也做得非常到位,例如,对于一个玻璃杯的讲解,作者不仅仅关注玻璃杯的表面光滑和反光,更重要的是分析了玻璃杯的壁厚、杯口、杯底的结构,以及这些结构如何影响光线的穿透和折射。这一点对于我理解不同材质物体的绘画表现至关重要。书中还强调了物体之间的“相互关系”,比如,一个物体如何被另一个物体遮挡,它们之间的边缘线是如何相互作用的,以及它们共同构成的空间是如何被分割的。这让我在构图时,不再是孤立地看待每一个物体,而是将它们视为一个整体,去考虑它们之间的逻辑关系。这本书不仅仅教授绘画技巧,更重要的是培养了一种对物体结构的深刻理解能力,这种能力是我在其他教材中从未获得的。

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不得不说,《基础教学实用版 结构静物》这本书的内容安排堪称一绝,完全颠覆了我之前对素描教学的刻板印象。以往我接触过的教程,要么太过于理论化,要么又太过于侧重技法,总觉得缺少一种循序渐进的引导。但这本书,它巧妙地将理论与实践完美融合,尤其是在“结构”这个核心概念的呈现上,简直是点石成金。作者并没有直接抛出复杂的静物组合,而是从最简单的几何体开始,一步步拆解、重组,让读者在潜移默化中掌握理解物体的基本方法。比如,书中对“面”和“体”的阐述,我到现在都记忆犹新。它不是简单地告诉你“画出轮廓”,而是引导你去思考物体表面的分割,这些分割如何形成面,而面又如何组合成一个体,以及在不同的光线下,这些面会呈现出怎样的明暗变化。对于初学者来说,这一点至关重要,因为它直接解决了“为什么我画出来的东西看起来像个平面?”的困惑。书中还穿插了大量的案例分析,每一个案例都不仅仅是完成图展示,而是带有详细的步骤分解,甚至是对关键结构点的标注和解释。我印象最深的是对一个瓶子的讲解,作者不仅仅画出了瓶子的外部轮廓,更通过虚线勾勒出瓶子内部的结构,以及瓶子底部与桌面之间如何产生穿透感,这让我对“结构”有了全新的认识,原来它不仅仅是外在的形状,更是内在的支撑和空间关系。这本书让我明白,素描是一门逻辑性很强的学科,理解结构,就像给建筑打地基,一旦地基牢固,后面的细节处理、光影表现都会变得水到渠成。

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我一直以来都觉得自己画的静物,总是少了一点“实在感”,总觉得哪里不对劲,但又说不清是为什么。《基础教学实用版 结构静物》这本书,就像一盏明灯,照亮了我前进的方向。它没有那些浮夸的技巧展示,而是从最根本的“结构”入手,循序渐进地引导我理解物体的内在逻辑。我之前对“结构”的理解,仅仅停留在物体的外轮廓,但这本书记载的,远不止于此。作者深入浅出地讲解了各种几何形体的构成方式,以及它们如何组合成复杂的物体。我印象最深的是,书中对于“体积感”的强调,它不是简单地告诉你画出明暗,而是通过分析物体表面的“面”是如何朝向光源,这些“面”又如何组合成一个具有体积的“体”。这一点让我彻底理解了,为什么我画的物体总是看起来像个平面。书中的案例分析也做得非常到位,每一个案例都配有详细的步骤图,并且对关键的结构点进行了标注和解释。例如,在讲解一个花瓶时,作者不仅分析了花瓶的口部、颈部、腹部、底部的基本形状,还深入分析了它们之间的连接关系,以及这些连接关系如何影响花瓶的整体形态和空间关系。这让我明白,素描是一门严谨的科学,理解结构是绘画的基础。这本书,真正地教会了我如何“看”静物,如何从“表象”深入到“本质”。

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《基础教学实用版 结构静物》这本书,简直是为我量身打造的!我一直以来都对素描结构这个概念感到头疼,总觉得它抽象难懂,而且跟实际绘画的联系不够紧密。但是,这本书完全改变了我的看法。作者用一种极其巧妙的方式,将理论与实践无缝对接,让“结构”这个原本抽象的概念变得触手可及。它没有那些花里胡哨的“速成”技巧,而是从最本质的几何形体入手,一步步地带领我们理解物体的构成原理。我尤其喜欢书中对“转折”和“穿插”的讲解。以前我画物体,总是把边缘线画得很死,显得生硬。但这本书告诉我,真正的结构转折,往往是通过明暗关系的变化来体现的,而轮廓线只是一个辅助。它还详细讲解了物体之间的“穿插”关系,不仅仅是简单的遮挡,而是通过物体边缘线的细微变化,以及它们之间产生的空间缝隙,来展现出一种自然而有逻辑的空间关系。这让我画出来的静物组合,立刻有了生命力,不再是孤立的元素堆砌。书中的案例分析也做得非常出色,每一个案例都配有详细的步骤图,并且对每一个步骤中的关键结构点都有细致的文字说明,这让我能够真正地理解每一步的意义,而不是盲目地模仿。总而言之,这本书让我明白,素描的根基在于结构,只有掌握了结构,才能画出真正有力量、有空间感的作品。

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拿起《基础教学实用版 结构静物》这本书,我立刻被其严谨的逻辑和清晰的讲解所吸引。作为一名长期在素描学习中感到瓶颈的爱好者,我一直渴望找到一本能够从根本上解决问题的教材,而这本书恰恰做到了。它没有炫技式的华丽描绘,而是从最基础的“结构”出发,层层剥茧,将复杂的静物世界还原为清晰的几何形体和空间关系。我尤其赞赏作者对于“形体穿插”的处理方式。以往我画静物组合时,总是将物体视为独立的个体,然后简单地叠加,导致画面缺乏空间感和联动性。但这本书通过大量的图例,清晰地展示了物体之间如何相互遮挡、如何形成空间缝隙,以及这些关系如何影响线条和明暗的表现。例如,在画一个水果篮时,作者会详细分析篮子中不同水果之间的堆叠关系,它们是如何相互挤压、如何产生变形,以及这种变形如何影响到它们的轮廓线和投影。这种由内而外的分析,让我真正理解了“结构”不仅仅是物体的外在形态,更是其内在的支撑和空间逻辑。书中对于不同材质物体的结构特点的分析也十分到位,例如,对于金属制品的锐利边缘和硬朗结构,以及对于布料褶皱形成的柔和转折和微妙变化,都有细致的阐述。这让我在绘画时,能够根据物体的材质特性,去把握其结构表现的重点。这本书就像一位耐心的老师,它不会强行灌输知识,而是引导我一步步地去发现和理解,让我真正掌握了“看懂”画面的能力。

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坦白讲,在阅读《基础教学实用版 结构静物》之前,我对素描静物中的“结构”这个概念,一直有一种似是而非的感觉。总觉得它很重要,但具体怎么理解,怎么运用到绘画中,却是一头雾水。这本书,却以一种极为系统和清晰的方式,将“结构”这个概念剖析得淋漓尽致。作者没有上来就讲复杂的静物组合,而是从最基础的几何形体开始,比如球体、方体、圆柱体,详细讲解它们的构成原理、透视变化以及不同角度下的表现。我尤其欣赏书中对“形体穿插”的讲解,它不仅仅是简单地告诉你物体A遮挡了物体B,而是通过分析它们之间如何“咬合”,如何产生空间缝隙,以及这些关系如何影响到它们的轮廓线和投影。这让我画出的物体组合,立刻有了呼吸感和空间感,不再是僵硬的堆叠。书中对不同材质物体的结构特点也有深入的分析,比如金属的硬朗边缘,布料的柔软褶皱,以及玻璃的通透性带来的内部结构表现。这一点让我明白,理解结构,也需要结合物体的材质特性。我记得书中有一个关于陶罐的案例,作者不仅画出了陶罐的外形,还通过剖析其内部结构,来解释其体积感是如何产生的。这种由内而外的分析方式,让我对素描有了全新的认识。这本书,就像一位严谨的建筑师,它教会我如何去“建造”一个物体,而不是仅仅去“描绘”它。

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正在使用中,没有发现不良

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应该可以吧,反正就看看,可以学习下

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书本还可以,不过关于讲解的部分较少,画比较多

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书还行,希望对孩子有帮助…

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