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何启宏... 编

图书标签:

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出版社： 中信

ISBN：9787508670683

商品编码：12152831311

开本：16

出版时间：2017-04-01

基本信息

• 商品名称：音乐即自由(精)
• 作者：(日)坂本龙一|译者:何启宏
• 定价：48
• 出版社：中信
• ISBN号：9787508670683

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-04-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：252
• 字数：242千字

编辑推荐语

由何启宏翻译的《音乐即自由（精）》一书是日本**音乐大师坂本龙一**自传。音乐家回忆了自己儿时如何初次接触音乐，而后在母亲和老师的影响下逐渐走上音乐道路，并*终在国际舞台上赢得盛誉的历程。坂本龙一在回忆中检视自己一路走来的经过，对于自己怎样“成为了现在的自己”做了一次*全面的叙述，充满成长的趣味描述和引人深思的语句。书中穿插坂本龙一不同时期的个人照片50余幅，展现了这位音乐大师充满魅力的人生旅程。

内容提要

由何启宏翻译的《音乐即自由（精）》一书包含 了四个乐章讲述了音乐大师坂本龙一的四个重要的人 生阶段，囊括了他整段精彩的人生。
    

目录

第Ⅰ乐章 1953-1969
（一）小兔之歌——幼儿园时期
（二）镜子里的自己，乐谱中的世界——小学时期
（三）披头士——小学时期
（四）自己原来如此喜爱音乐——初中时期
（五）特别时期登场——升高中
（六）彩色人生——高中时期
（七）1967、1968、1969——高中时期
（八）两股趋势的交集——高中时期
第Ⅱ乐章 1970-1977
（九）日比谷野外音乐堂与武满彻——大学时代
（十）民族音乐、电子音乐，以及结婚——大学时代
（十一）走向舞台、踏上旅程——大学时代
（十二）拥有共同语言的朋友——YMO成军前夕
（十三）倒数计时——YMO成军前夕
第Ⅲ乐章 1978-1988
（十四）YMO成军——YMO时代
（十五）YMO进军世界——YMO时代
（十六）反·YMO——YMO时代
（十七）振翼单飞——YMO解散前后
（十八）《音乐图鉴》——YMO解散前后
第Ⅳ乐章 1986-2000
（十九）前往北京——末代皇帝
（二十）突如其来的配乐要求——末代皇帝
（二十一）意外的礼物——迈向世界
（二十二）前往纽约——迈向世界
（二十三）Heartbeat——迈向世界
（二十四）世纪尾声——迈向世界
（二十五）全球骤变的**——现在与未来
（二十六）新时代的工作——现在与未来
（二十七）原色的音乐——现在与未来

好的，这是一份关于《诗意的栖居：城市生活中的自然与心灵》的图书简介，内容力求详实、深入，旨在展现一种独特的城市生存哲学，完全不涉及您提到的“音乐即自由(精)”这本书的内容。 --- 诗意的栖居：城市生活中的自然与心灵 —— 在水泥森林中，重拾与大地连接的本能 图书关键词： 城市生态、慢生活、自然哲学、空间美学、可持续性、内在平衡 字数： 约1500字 --- 导言：现代性的迷失与回归的呼唤 在二十一世纪的语境下，“城市”已不再仅仅是一个地理概念，它更像是一个复杂的、由技术、效率和无限连接构筑起来的巨大系统。我们被高速的信息流裹挟着前行，习惯了钢筋水泥的秩序感，却在不经意间，切断了与生命最本源的连接——与自然、与季节更迭、与缓慢生长的节奏。 《诗意的栖居：城市生活中的自然与心灵》正是在这样的时代背景下，对我们生存状态的一次深沉反思与温柔叩问。本书并非一本教人逃离都市的指南，而是探索如何在既有的城市结构中，重新编织出一条通往“诗意”的路径。这种诗意，并非遥不可及的浪漫幻想，而是植根于日常，体现在我们对光影、声音、泥土和片刻宁静的细微感知之中。 本书的核心命题是：城市生活可以同时是高效的、现代的，也是充满生命力的、有根基的。 我们如何利用有限的空间，在阳台、窗台、社区角落，甚至是思维的内部，构建起一处能够让心灵得以休憩与滋养的“栖居地”？ --- 第一部分：被遗忘的感官地图——重塑城市感知力 我们生活在城市，却往往“看不见”城市。电子屏幕的蓝光取代了日光的色温，空调过滤掉了季节的风声，噪音成了背景音。本书首先致力于唤醒那些在都市化进程中逐渐钝化的感官。 1. 光影的几何学与室内生命的引入 我们将深入探讨光线在城市建筑中的流动性。不同时段的自然光如何塑造房间的氛围？如何利用简单的镜面、窗帘和植物的层次，将外部世界的动态光影引入室内？这部分不仅涉及基础的室内设计原则，更关乎一种“光线的时间观”——学会观察光线如何讲述一天，而非被时钟驱使。 2. 土壤的低语与微观生态的构建 对于许多都市人而言，土壤是遥远的，是建筑工地上的尘土。本书推崇“微型自然实验”：从一个简单的窗台花盆开始，学习观察土壤的质地、湿度和微生物的活动。我们将介绍几种适应城市环境、能有效改善室内空气质量并提供感官反馈的植物（如苔藓、香草和小型藤蔓）。这是一种对“生命力”的最小化投入，却能带来最大的精神回报。我们探索的不是园艺的技巧，而是与生长节律同步的耐心。 3. 声音的层叠与静默的艺术 城市充斥着低频的轰鸣和高频的干扰。如何区分“噪音”与“声音的纹理”？本书将指导读者如何在自己的空间内，通过声学材料的适度运用（如厚重的织物、书架的排列），构建一个“声音缓冲带”。更重要的是，我们将探讨主动创造“静默”的艺术——那些被刻意留出的、容纳思考和呼吸的空白时刻。 --- 第二部分：空间即容器——设计你的“安居之所” 栖居的本质，是对空间的主动塑造，使其符合内在的生命需求。这并非要求昂贵的装修，而是对现有空间进行有意识的“减法”和“聚焦”。 1. 极简与“存在感”的平衡 现代美学推崇极简，但真正的诗意栖居，需要在“空”与“有”之间找到平衡点。我们反对空洞的留白，倡导“有意义的留白”。每一件进入我们生活空间的物品，都应当具备叙事性或功能性。本书将提供一套“物品筛选哲学”，帮助读者区分哪些物品是生活的工具，哪些是心绪的锚点。例如，一件带有年轮纹理的木碗，它所承载的“自然历史感”，远胜过十件光滑的塑料制品。 2. 垂直与水平的对话：小空间的无限延伸 针对公寓和高密度居住环境，本书详细介绍了利用垂直空间和多功能家具来创造流动性的策略。重点在于如何设计一条从“入口/整理区”到“沉思/专注区”的动线，即使在只有几十平方米的范围内，也能感受到空间的层次和变化。我们将借鉴日本的“榻榻米文化”和北欧的“功能集成”理念，创造出既适应现代生活节奏，又具备古典韵味的空间布局。 3. 季节的更迭：让家具有“呼吸感” 一个真正有生命力的家，会随着季节而“换装”。这与频繁更换装饰品无关，而是关于织物、气味和温度的微妙调整。如何利用亚麻、羊毛等天然材质的更换，以及香薰精油（如松针、柑橘、肉桂）的运用，让居住者在生理和心理上感知到四季的更迭，从而保持与自然节奏的同步。 --- 第三部分：心灵的园艺——在城市中培育内在的丰饶 真正的自由与栖居，最终指向的是精神层面的丰盈。本书的最后一部分，探讨了如何将对外部自然的尊重，转化为对内在世界的耕耘。 1. 专注力与“慢工作”的美学 城市生活要求我们“多线程处理”，但这极大地消耗了我们的生命力。本书倡导“心流”的培养，并将这种状态融入到日常的重复性劳动中——无论是清洗一个蔬菜，整理一叠文件，还是步行穿过一个街区。通过对单一行为的彻底沉浸，我们能将机械的劳作转化为冥想性的实践，从而在效率的表象下，恢复对时间的主导权。 2. 社区的微观生态与“陌生人的善意” 诗意的栖居并非完全的隐居。它需要与周围环境建立一种“有边界的连接”。本书鼓励读者从小处着手，例如参与社区的共享花园项目，与邻居交流种植经验，或是仅仅在遛狗时，与同样驻足观察一棵老树的人进行一次简短的对话。这些短暂的、真诚的互动，是构建城市社会安全感和归属感的关键元素。 3. 接受不完美：灰尘、虫鸣与生命的“瑕疵” 自然界从不追求完美无瑕的几何图形。苔藓的生长是随机的，花朵的凋零是必然的。本书最后引导读者接受城市生活中那些无法被“优化”的部分——窗户上的灰尘，夜间的微弱虫鸣，墙角新生的霉斑。学会与这些“不完美”共存，正是对生命自然本能的最高敬意。这种接纳，最终将转化为对自我生命进程的宽容与慈悲。 --- 结语：重塑你的“存在方式” 《诗意的栖居：城市生活中的自然与心灵》不是一本速成的生活改造手册，而是一份邀请函——邀请你放慢脚步，重新审视你与你所居住的环境之间的契约。它提供的是一套观察世界的全新透镜，一种在喧嚣中锚定自我的哲学框架。当你开始有意识地感知一束光、一片叶、一次深呼吸时，你会发现，你需要的不是逃离城市，而是学会如何在其中，为自己建造一座永不荒芜的精神庇护所。你的“家”，将因此成为你抵抗现代性异化的最后，也是最坚固的堡垒。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐即自由(精)》，我翻了足足一个礼拜，才勉强读完。说实话，这本书给我的冲击力不亚于我第一次听到约翰·科尔特兰的《A Love Supreme》。它不是那种让你捧着咖啡，在安静的午后就能轻松消化的读物，更像是一场马拉松，需要全身心的投入和极度的耐心。作者对音乐史的梳理，简直达到了“吹毛求疵”的地步，每一个流派的兴衰、每一个关键人物的崛起与沉寂，都被他用一种近乎档案整理的严谨态度记录下来。但请注意，这绝不是枯燥的教科书。在他的笔下，贝多芬的耳聋不再仅仅是生理上的悲剧，而是一种反抗既有听觉法则的“宣言”；爵士乐的即兴，也不是随心所欲的乱弹，而是对结构化思维的最高级解构。我尤其欣赏他对“自由”这个概念的探讨，他巧妙地将音乐的结构性约束（音阶、和声、节奏）与艺术家挣脱这些约束的冲动并置，形成了一种令人深思的辩证关系。读到后半部分，我甚至开始重新审视自己听了二十年的那些“老歌”，发现过去只停留在旋律上的欣赏，此刻被赋予了更深层次的哲学重量。这本书的厚度本身就是一种宣言，它要求你放下手机，关掉播放器，真正“看见”音乐是如何一步步构建起我们今日所理解的“自由”的疆域。

评分☆☆☆☆☆

说真的，我向来对那些动辄声称要“重塑认知”的书持保留态度，但《音乐即自由(精)》确实做到了这一点，只是它的方式极其克制和内敛。这本书的叙事风格像一位经验丰富的老乐师在和你私下交流，他不会用激昂的口号来鼓动你，而是用一系列精心构建的案例和详实的音乐分析来引导你自然而然地得出结论。比如，书中对不同文化中“五声音阶”的变体进行了细致入微的比较，分析了这种看似简单的音高体系如何影响了不同文明的情感表达方式。这种跨文化、跨学科的比较研究，让“自由”这个宏大命题不再是悬浮在空中的哲学概念，而是扎根于具体的声音实践之中。我感受最深的是作者对“技艺的解放”的阐述。他认为，真正的自由不是逃避技巧，而是将技巧修炼到极致，直到技巧本身成为一种可以被随意支配的工具，从而在演奏或创作的瞬间，技术障碍消失，纯粹的意图得以实现。这本书读起来很“费力”，但每读一页，你都会感觉自己的音乐耳朵被重新校准了一次，那种清晰度上的提升是立竿见影的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就透露出一种“反潮流”的固执。厚重的纸张，略微泛黄的内页，以及那几乎没有花哨图示的排版，都在向你宣告：我们这里只谈硬核的、需要你动脑子的东西。阅读《音乐即自由(精)》的过程，对我而言，更像是一场与自我局限性的搏斗。我原以为“自由”在音乐里就是指那些打破规则、打破和声禁锢的前卫摇滚或无调性古典乐，但作者却将这个概念扩展到了音乐的社会属性和权力结构中去。他深入剖析了唱片工业如何定义“流行”并以此限制了艺术的传播，以及那些所谓的“反叛音乐”是如何在被主流收编的过程中，巧妙地完成了自身的体制化。这种对表象背后运作机制的揭示，让我对过去视为“纯粹艺术”的东西产生了深刻的怀疑。特别是关于“听众的能动性”那一章节，作者犀利地指出，当我们“自由地选择”听我们想听的时，我们可能正被算法和市场营销推向一个预设好的轨道。读完后，我不得不重新思考，我选择听什么，真的是我自己的选择吗？这本书的价值就在于，它把音乐的审美问题，提升到了社会批判的高度，让人无法回避。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，读完这本《音乐即自由(精)》后，我产生了一种强烈的“被冒犯”感——不是因为内容有多么尖锐，而是因为作者的视野实在太广阔，广阔到让我感觉自己过去的音乐欣赏品味简直像个牙牙学语的孩童。这本书的结构非常奇特，它似乎放弃了传统的时间线叙事，而是用一系列高度浓缩的“专题研究”来推进论点。比如，其中有一章专门分析了“沉默”在不同音乐文化中的功能，从东方的“留白”到西方十二音体系中的“不和谐音的解决”，作者的笔触细腻得令人发指。更绝的是，他总能找到跨越地域和时代的联系点。你可能会看到他把巴赫的对位法与当代电子乐的循环结构进行类比，这种跨界思维对我的冲击力极大，仿佛打开了一扇通往无限可能性的门。这本书的文字密度很高，需要反复回读才能捕捉到每一个细微的语气的转变。它不是一本用来消遣的书，更像是一份需要你不断做笔记、画重点的“研究报告”。对于那些自诩对音乐有一定了解的人来说，这本书无疑是一次必要的“降维打击”，它会毫不留情地指出你认知中的盲区，并提供一把钥匙，让你去探索那些隐藏在华丽音符之下的冰冷而精准的逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名很大气，但内容却极其扎实、充满细节的“工匠精神”。我特别欣赏作者对于“即兴”的解构。在我过去的理解里，即兴就是“想到哪儿弹到哪儿”，是一种完全随机的洒脱。然而，作者用大量的篇幅论证了，顶级即兴的背后，是比任何预先写好的乐谱都要复杂、都要严谨的内部规则和对音乐语法的深刻内化。他甚至引用了复杂的数学模型来描述某些爵士乐手在高速演奏中对“意外”的精确控制。这种将艺术的“灵光乍现”还原为严密逻辑和长期训练成果的还原论，对于那些追求表面轻松的读者来说，可能会感到一丝失望，但对我这种喜欢探究本质的人来说，简直是醍醐灌顶。这本书的优点在于，它拒绝所有简单的答案，它不告诉你音乐“应该”是什么，而是展示了音乐“如何”成为它现在的样子，以及艺术家们在其中争取每一点点“自由”空间所付出的巨大代价。读完后，我不再仅仅听音乐，我开始“解构”音乐，试图找出隐藏在复杂织体下的那条通往“自由”的线索。