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陈洛加 著

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• 美术史
• 外国美术史
• 艺术史
• 美术
• 艺术
• 西方艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术理论

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562111634

版次：2

商品编码：12275478

包装：平装

开本：16开

出版时间：2006-08-01

用纸：胶版纸

页数：243

字数：399000

正文语种：中文

内容简介

　　针对以上一些问题，《外国美术史纲要》在编写中突出了下面几个特点。
　　一，基本按照历史的发展线索叙述各时代各国的美术发展变化，但不严守年代顺序，而是将艺术发展归纳为风格、流派、样式、民族阳个方面进行阐述。力求层次分明，线索清晰。
　　二，强调对美术作品的鉴赏。在介绍艺术家和风格流派的同时，《外国美术史纲要》把一些有代表性的作品一一作了分析，偏重从审美的角度去赏析作品。如果将这些名作分析单独抽取出来，可以成为一本美术鉴赏集。在我看来，学习美术史不仅要了解艺术发展的过程，及记住一些艺术流派和作品，更重要的是培养和提高我们的艺术鉴赏能力。
　　三，现代艺术占有较大的比重。今天已是20世纪末，西方现代艺术虽发展百余年，但我国对它的介绍和了解还相当有限，把西方现代艺术简单地斥责为颓废没落而不予理睬的现象还十分普遍。西方现代艺术存在百余年而经久不衰，肯定有其存在的价值和合理性。可以说它是两方现代哲学、现代工业社会、现代人的心理和精神发展的必然产物，只要我们站在正确的立场上，取其精华、弃其糟粕，通过它了解两方人的艺术观和价值观，了解西方现代艺术的新思想、新角度、新材料和新手法，无疑对中国美术的发展与拓展我们的思维和视野大有裨益。
　　考虑到知识的系统性和广泛的实用性，《外国美术史纲要》涉猎面较广。对于美术自考生，凡大纲上没有的内容均不作要求，考试也不涉及，如第三章中的法国文艺复兴，第四章中的19世纪意大利艺术等。请自学考试者注意。
　　为了方便自学者，《外国美术史纲要》在最后还附有思考题、主要参考书目、学习方法和答题技巧、自测题及答案等内容。

内页插图

目录

序言
第一章 人类童年时代的艺术——原始及古代艺术
第一节 原始艺术
一、旧石器时代的艺术
二、新石器时代的艺术
第二节 古代埃及艺术
一、古代埃及的历史与艺术
二、埃及艺术的特点
第三节 古代两河流域艺术
一、苏美尔——阿卡德时期的艺术
二、巴比伦时期的艺术
三、亚述帝国时期的艺术
四、新巴比伦时期的艺术
五、古代波斯艺术
第四节 古代印度艺术
一、印度早期文明
二、印度古代佛教艺术
第五节 爱琴文明及古代希腊艺术
一、爱琴文明
二、古代希腊艺术
第六节 古代罗马艺术
一、王政时期的艺术
二、共和时期的艺术
三、罗马帝国时期的艺术

第二章 神权下的艺术世界——中世纪艺术
第一节 欧洲中世纪艺术
一、早期基督教艺术
二、拜占庭艺术
三、早期中古艺术
四、罗马式艺术
五、歌特式艺术
第二节 伊斯兰教艺术
第三节 佛教艺术

第三章 理性与科学的时代——欧洲文艺复兴时期的艺术
第一节 意大利文艺复兴时期的艺术
一、意大利文艺复兴艺术的开端
二、早期文艺复兴艺术
三、盛期文艺复兴艺术
四、晚期文艺复兴艺术
第二节 尼德兰及法国文艺复兴时期的艺术
一、文艺复兴时期尼德兰艺术
二、文艺复兴时期德国艺术
三、文艺复兴时期法国艺术

第四章 辉煌多姿的艺术景象——17、18世纪欧洲艺术
第一节 17、18世纪意大利艺术
一、发扬古典美的卡拉奇及其追随者
二、卡拉瓦乔的写实艺术
三、巴洛克雕塑大师贝尔尼尼
第二节 17世纪法兰德斯艺术
第三节 17世纪荷兰艺术
一、重要画家介绍
……

第五章 流派纷呈的时代——19世纪以法国为中心的艺术运动
第六章 不同国度的艺术旨趣——18、19世纪法国以外的欧美艺术
第七章 寻求新的艺术规范——19世纪末至20世纪末的西方现代艺术
附录
复习思考题
参考书目
外国美术史学习方法及答题技巧
外国美术史自测题
答案插图索引

前言/序言

　　一部美术史既是社会历史发展的形象记录，也是人类不同视觉的展现。它将历史性地解释和叙述世界美术的变迁和发展，探讨艺术间社会历史和其他文化现象的关系，阐释艺术风格流派同人的审美心理发展的关系，记述并品评艺术家的创作和作品。
　　外国美术史原包括除中国以外的世界美术史，但从我国目前的研究状况和掌握资料等实际情况出发，本书仅以欧洲美术史为主要线索。
　　一部外国美术史上下数千年，涉及各种艺术思想、众多的风格流派以及国名、地名、人名，怎样才能在有限的时间里取得良好的学习效果呢？把握大的线索和趋势，从历史唯物主义的角度和审美的高度，以一种开放的态度去品评艺术家和艺术现象是学习的关键。以西方美术史为例，纵观西方美术的整个发展历程，我们可将它划分为两个大的阶段去把握。从古希腊到19世纪中叶法国印象派的产生为第一阶段。这一阶段的西方艺术以模仿写实为主流，可称之为传统西方艺术。其中古典艺术的影响尤为深远，从中可以看到古典艺术发展的三个高潮：占希腊罗马时期、意大利文艺复兴时期、19世纪的欧洲。第二阶段则包括从19世纪下半叶的后印象派开始，至现当代的西方艺术。它花样翻新，面貌多样，总的趋势是突破了客观模写自然的传统艺术观，走向主观精神的表现，建立了全新的艺术观念，形成了一个开放的、多元化的艺术局面，这个阶段我们称之为西方现代艺术。
　　如果我们将视点从“古典和模仿写实”的角度移向“表现性”的角度去审视西方艺术发展，就会看到原始时代艺术、欧洲中世纪艺术和西方现代艺术都带有较强烈的表现特征，艺术家不是纯客观地再现自然，而是在创作中加入了更多的主观情感因素，这同样是非常感人的。
　　常常有人不理解达·芬奇的《蒙娜·丽莎》为什么是世界名作，认为今天的人完全能够画出比她更好的画来。这种看法正是缺少历史唯物主义态度的表现。《蒙娜-丽莎》之所以为世界名作，是因为就文艺复兴时代而言，她不但在技巧上是科学绘画方法的总结，也是文艺复兴时期人们审美理想的集中体现，是那个时代思想和技巧的高峰。
　　针对以上一些问题，本书在编写中突出了下面几个特点。
　　第一，基本按照历史的发展线索叙述各时代各国的美术发展变化，但不严守年代顺序，而是将艺术发展归纳为风格、流派、样式、民族阳个方面进行阐述。力求层次分明，线索清晰。
　　第二，强调对美术作品的鉴赏。在介绍艺术家和风格流派的同时，本书把一些有代表性的作品一一作了分析，偏重从审美的角度去赏析作品。如果将这些名作分析单独抽取出来，可以成为一本美术鉴赏集。在我看来，学习美术史不仅要了解艺术发展的过程，及记住一些艺术流派和作品，更重要的是培养和提高我们的艺术鉴赏能力。
　　第三，现代艺术占有较大的比重。今天已是20世纪末，西方现代艺术虽发展百余年，但我国对它的介绍和了解还相当有限，把西方现代艺术简单地斥责为颓废没落而不予理睬的现象还十分普遍。西方现代艺术存在百余年而经久不衰，肯定有其存在的价值和合理性。可以说它是两方现代哲学、现代工业社会、现代人的心理和精神发展的必然产物，只要我们站在正确的立场上，取其精华、弃其糟粕，通过它了解两方人的艺术观和价值观，了解西方现代艺术的新思想、新角度、新材料和新手法，无疑对中国美术的发展与拓展我们的思维和视野大有裨益。
　　考虑到知识的系统性和广泛的实用性，本书涉猎面较广。对于美术自考生，凡大纲上没有的内容均不作要求，考试也不涉及，如第三章中的法国文艺复兴，第四章中的19世纪意大利艺术等。请自学考试者注意。
　　为了方便自学者，本书在最后还附有思考题、主要参考书目、学习方法和答题技巧、自测题及答案等内容。

好的，这是一本图书的简介，内容详实，完全围绕《外国美术史纲要》这本书的内容展开，但避开对该书本身的描述，而是专注于该书所涵盖的艺术史领域。 --- 书名：西方艺术的漫长回响：从洞穴壁画到现当代思潮的视觉编年史 引言 本书旨在为读者构建一幅宏大而精密的西方艺术发展图景。它不仅仅是一部按时间顺序排列的艺术史记录，更是一次穿越数千年文明轨迹的精神漫游。我们追溯艺术作为人类表达、信仰载体和技术革新见证的核心脉络，探究不同时代背景下，艺术家如何以其独特的视角和技艺，记录、批判或美化他们所处的现实世界。 第一部分：文明的曙光与古典的奠基 (史前至古希腊罗马) 艺术的起源植根于人类最原始的生存需求与精神渴望。我们将从欧洲大陆上那些冰冷石壁上的红色与黑色印记——拉斯科和阿尔塔米拉洞穴壁画开始，理解形象如何从记录狩猎场景的实用功能，逐步演变为一种具有象征意义的表达。这些早期符号，是人类对世界秩序初探的痕迹。 随后，目光转向古埃及。在尼罗河畔，艺术服务于永恒的信仰和法老的绝对权力。从宏伟的金字塔建筑群到精细的陵墓壁画与雕塑，我们分析其程式化、轴线化的视觉语言，揭示其对来世和神圣秩序的坚定维护。 真正的艺术革命发生在古希腊。这一时期的艺术，标志着人类中心主义的觉醒。我们细致考察几何纹时期的朴拙，到古风时期对埃及模式的借鉴，再到古典时期（如帕特农神庙及其雕塑）对“人体之美”的黄金分割的极致追求。菲狄亚斯、波留克列特斯等大师的作品，确立了西方艺术对理想化形体、和谐比例和理性美的永恒标准。 古罗马则继承并发扬了希腊的艺术遗产，同时注入了其独特的帝国精神。本书详述了罗马在建筑技术（如拱券、混凝土的应用，万神殿的穹顶）上的突破，以及写实主义肖像雕塑如何成为巩固政治宣传和彰显个人功绩的有力工具。 第二部分：信仰的统治与形式的变革 (中世纪) 随着罗马帝国的衰落和基督教的兴起，艺术的中心主题从世俗荣耀转向了神圣叙事。早期基督教艺术在地下墓穴中萌芽，充满了象征符号。 拜占庭艺术，以君士坦丁堡为中心，发展出一种高度程式化、强调精神光辉的风格。我们将重点分析马赛克镶嵌画的华丽、扁平化的人物处理，以及对金色背景的偏爱，这些都是为了营造一个超凡脱俗的天国景象。 进入西方中世纪，罗马式艺术的特征是厚重的墙体、朴素的结构和充满寓意的连环画式雕塑，它们服务于文盲信徒的教化需求。紧接着，哥特式艺术带来了建筑上的革命——飞扶壁、尖拱和巨幅彩绘玻璃窗，将教堂内部转化为充满光线的“天堂之城”。沙特尔大教堂的玫瑰窗，是光线与信仰完美结合的典范。 第三部分：回归人性的光辉 (文艺复兴) 文艺复兴，意味着“再生”，是西方文明对古典人文精神的重新发现与超越。我们首先聚焦于意大利文艺复兴的早期，分析乔托的开创性，以及佛罗伦萨作为艺术中心的崛起。 盛期文艺复兴（Quattrocento/Cinquecento）是无可争议的艺术高峰。我们将深入剖析达·芬奇对解剖学与空气透视的精妙结合（《蒙娜丽莎》），米开朗基罗在西斯廷教堂天顶壁画和《大卫》中展现的英雄式人体力量与精神深度，以及拉斐尔对完美构图与和谐典雅的追求（《雅典学院》）。 与此同时，北方的文艺复兴，以尼德兰为中心，发展出截然不同的审美取向。扬·凡·艾克对油画媒介的革新应用，使得对自然细节、材质质感的无比精微的描绘成为可能，为后来的巴洛克现实主义奠定了基础。 第四部分：情感的张力与理性的反思 (巴洛克至新古典主义) 巴洛克艺术，作为天主教会反宗教改革（Counter-Reformation）的视觉武器，强调戏剧性、动感和强烈的情感冲击。卡拉瓦乔的“明暗对比法”（Chiaroscuro）创造了强烈的视觉剧场效果。贝尼尼的雕塑（如《圣特蕾莎的狂喜》）捕捉了转瞬即逝的高潮瞬间。在彼得堡，鲁本斯以其丰腴的生命力和动态构图，将巴洛克推向高潮。 与此相对，荷兰黄金时代则发展出专注于市民生活、风俗画和静物画的独特艺术生态。伦勃朗对光影的心理学运用，以及维米尔对日常宁静瞬间的捕捉，是现实主义的巅峰成就。 洛可可艺术以其轻快、柔美、享乐主义的主题，标志着宫廷趣味的极致奢华。然而，这种过度装饰很快引发了对理性、道德和公民美德的回归呼唤，催生了新古典主义。大卫的作品（如《马拉之死》），以其清晰的线条、冷静的构图和古典主题，成为了法国大革命的官方美学。 第五部分：动荡时代的视觉革命 (浪漫主义至印象派) 浪漫主义是对新古典主义僵硬理性的反叛。它歌颂主观情感、想象力、异域风情和崇高（The Sublime）的体验。德拉克洛瓦的色彩爆发力，戈雅对战争恐怖的深刻揭露，以及透纳笔下自然力量的磅礴气势，将艺术从历史叙事中解放出来。 到了19世纪中叶，工业革命和现代都市生活的出现，对艺术提出了新的要求。现实主义（如库尔贝）拒绝了对理想的粉饰，直面工人阶级和日常的粗粝真相。 印象派的诞生，是视觉媒介史上的一次彻底断裂。莫奈、雷诺阿等人将画架搬到户外，致力于捕捉光线、色彩和瞬间视觉印象。他们颠覆了学院派对“完成度”的定义。 紧随其后的是对印象派的修正与深化。后印象派大师们，如塞尚（对形体的几何化分析）、梵高（对情感色彩的强烈主观化表达）和高更（对原始形式与象征意义的探索），为20世纪的现代艺术铺设了所有关键的理论和技法路径。 结语：现代性的多重探索 (19世纪末至今) 本书最后聚焦于20世纪初的“主义爆炸”。从野兽派（马蒂斯）对色彩的解放，到立体主义（毕加索、布拉克）对三维空间的二维平面解构，再到抽象艺术（康定斯基）的纯粹精神诉求。本书将梳理达达主义的非理性反抗、超现实主义对潜意识的挖掘，直至二战后抽象表现主义的张力，以及波普艺术对消费文化的挪用与戏仿。 通过对这些阶段的系统梳理，读者将能理解，艺术史并非一条单向的进步阶梯，而是一系列关于“观看”与“再现”的永恒对话，每一次风格的转换，都是艺术家对既有世界秩序的深刻回应。

评分☆☆☆☆☆

这本书的插图精美绝伦，色彩饱满，质感极佳，简直就是一场视觉盛宴。那些古代壁画的细节，通过高质量的印刷得以完美呈现，即便是久远的历史痕迹也仿佛触手可及。我特别喜欢它对不同时期艺术风格演变的梳理，那种由浅入深、层层递进的讲解方式，让原本晦涩的理论变得生动有趣。作者在阐述文艺复兴盛期大师们的技巧时，那种严谨又不失热情的笔触，让人不禁对艺术史产生了更深一层的敬意。比如，在谈及透视法的革新时，文字与图例的配合简直是天作之合，让你在阅读的同时，脑海中已经构建出了一个三维的空间感。阅读此书，就像是请了一位学识渊博又极具品味的导游，带领你穿梭于欧洲不同国度的艺术殿堂，每一页都充满了探索的惊喜。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对“纲要”这类书籍抱有某种程度的保留意见，总觉得它们会为了涵盖广泛而牺牲深度。但这本书完全颠覆了我的看法。它在保证了时间跨度的完整性的同时，对一些关键流派——比如巴洛克艺术的戏剧性光影运用，或是印象派对光线和瞬间捕捉的革命性尝试——进行了深入的个案分析。分析角度相当新颖，经常能提供一些我以前阅读其他材料时未曾注意到的细节。比如，书中对北欧文艺复兴与意大利文艺复兴在人文主义侧重点上的微妙差异的探讨，就非常精妙。作者的论证逻辑清晰，论据扎实，每一步推导都让你感到信服。读完一个章节，你不仅仅是记住了知识点，更是建立起了一套分析和欣赏艺术作品的思维框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得非常到位，它没有陷入那种干巴巴的罗列事实和人名的窠臼。相反，作者似乎更侧重于将艺术家的生平和他们的时代背景、社会思潮紧密地编织在一起。读起来丝毫没有枯燥感，反而像是在听一个宏大的历史故事，充满了戏剧张力。我尤其欣赏它对“艺术赞助人”和“市场”在艺术发展中所起作用的剖析，这提供了非常重要的社会学视角，使得我们不再孤立地看待作品本身，而是将其置于复杂的历史脉络中去理解其产生的必然性。每当讲述到某个关键转折点，比如洛可可向新古典主义的过渡，那种时代精神的碰撞感，都让人拍案叫绝。这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它的可读性却丝毫不打折扣，非常适合那些想扎实了解西方艺术脉络，又害怕读纯粹学术专著的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版布局也值得称赞，这在艺术史书籍中往往是容易被忽视的方面。纸张的选取很考究，拿在手里有分量感，油墨的质量也保证了图像的清晰度。更重要的是，它的版式设计非常人性化。文字块和图像的分布错落有致，不会出现那种为了填充版面而将图文生硬拼凑在一起的情况。在讲解一些复杂的构图原理时，作者会特意使用虚线或色块在图像上做标注，这种直观的辅助说明，比单纯的文字描述有效得多。对于像我这样需要经常在书本和博物馆图像之间进行对比的读者来说，这种清晰的视觉引导，极大地提高了学习效率和阅读愉悦感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格带着一种特有的、温和的学术气质，读起来让人感到沉静且充实。它不像某些教材那样冷冰冰地灌输知识，而是带着一种对艺术生命力的深切热爱。尤其是一些对艺术家心路历程的揣摩，读来颇具感染力，仿佛能感受到创作者在面对画布或大理石时的挣扎与突破。书中对于一些早期“原始人”艺术或中世纪手稿的介绍部分，也处理得极为细腻，没有将它们视为“不成熟”的阶段，而是尊重其文化和精神价值。这种平等的、充满敬意的态度贯穿全书，使得整部作品的基调显得尤为高尚和全面。它不仅仅是一部艺术史的教科书，更像是一部关于人类审美变迁的深度哲学探讨。